Nelle ultime settimane, la figura di Anthony Bourdain è tornata alla ribalta grazie all’uscita al cinema di Tony - Diario di un giovane cuoco, pellicola diretta da Matt Johnson che racconta l’estate in cui, neanche ventenne, entrò nella cucina di un ristorante del Massachussets cominciando un percorso che diversi anni dopo gli avrebbe dato enorme fama, come chef in primis, ma anche come scrittore e showman della TV americana. Diciamo, allora, che il film ci consente di tornare alle origini della sua storia personale e del suo rapporto con il cibo, rappresentando un ottimo ingresso all’interno della sua vita. Ma c’è un’altra caratteristica che contraddistingue Bourdain: la grandissima passione per i viaggi, mostrata all’interno di quasi tutti i programmi televisivi a cui ha avuto modo di partecipare quando era in vita.

Già dalla sua prima apparizione televisiva, con il programma Viaggio di un cuoco, trasmesso da Food Network nei primi anni Duemila, e con Anthony Bourdain: Senza Prenotazione il legame indissolubile tra curiosità esplorativa e culinaria viaggiano come due rette parallele una al fianco dell’altra. La serie tv protagonista della newsletter di oggi segue proprio la direzione tracciata da questi due esempi precedenti, e abbiamo deciso di trattarla anche (e soprattutto) per la facile reperibilità con cui si possono guardare tutte le stagioni realizzate. Sto parlando, ovviamente, di Anthony Bourdain: Parts Unknown (in italiano, Cucine Segrete), la travel serie prodotta da Zero Point e trasmessa dalla CNN tra il 2013 e il 2018, per un totale di 12 stagioni e un centinaio di episodi.

Nel corso delle puntate, della durata di circa 60 minuti per un una, lo chef newyorkese esplora città, regioni e Paesi completamente diversi tra loro, spesso raggiungendo luoghi poco raccontati oppure tornando in destinazioni che pensavamo già di conoscere, ma osservandole da una prospettiva ben differente rispetto al classico viaggiatore. Al centro dei suoi viaggi troviamo la sua ragione di vita: il cibo e i rituali legati al mangiare, ma soprattutto le persone incontrate lungo il percorso che vengono chiamate, di volta in volta, a raccontare qualcosa del luogo che Bourdain sta attraversando. Insomma, Sky (dove potete trovare alcune) lo definisce un “viaggio appassionante tutto da gustare”, e dopo averlo guardato noi non possiamo che essere più d’accordo!

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D’altronde, mangiare è una delle esperienze sensoriali che più permette di entrare in contatto diretto con una cultura nel momento in cui viene raggiunta una nuova destinazione da esplorare e conoscere. Significa scoprire ingredienti storici che probabilmente non avremmo mai assaggiato se non in quel luogo specifico, confrontarsi con abitudini e rituali completamente diversi dai nostri e, ancor più importante, osservare uno dei momenti più quotidiani della vita di ognuno di noi. La semplice azione di mangiare, o di conoscere un certo alimento, è il punto di partenza di Bourdain: un espediente a lui sicuramente molto vicino, qui sfruttato per dare un vero significato ai suoi viaggi. Infatti, da un piatto nascono conversazioni, dalle conversazioni una storia da raccontare e dalla storia si può comprendere molto della cultura e della società nella quale si è immersi (e ospiti).

E questo “appetitoso” pretesto con cui si entra in contatto con i locals è uno dei motivi per cui vi consigliamo Parts Unknown. La serie è in grado di sfruttare un elemento essenziale di qualsiasi viaggio per trasformarlo in una porta d’ingresso molto più ampia e sfaccettata. Bourdain non assaggia semplicemente le pietanze che ogni località può offrirgli per poter parlare del cibo o per poter raccontare i piatti più rappresentativi della cucina locale. Quello che gli interessa è comprendere come i sapori incontrati possano raccontare delle persone che li preparano e mangiano ogni giorno… comprendere come il cibo possa raccontare moltissimo di un popolo. Si finisce allora per parlare di storia, tradizioni, identità, società e politica, seguendo un percorso che parte praticamente sempre dalla tavola per allargarsi a tutto il Paese.

A rendere funzionale la serie c’è proprio il fatto che la sua sia per lo più ibrida. Parts Unknown passa infatti da un argomento, dal travel più tradizionale alla gastronomia, fino al documentario più classico e il racconto personale di reportage, ma lo fa avendo un proprio focus, un fil rouge che tiene unita la narrazione senza appesantire di informazioni superflue le puntate. A confermare questa eterogeneità di argomenti è anche la forte componente di imprevedibilità che domina la realizzazione delle puntate, perché per quanto ogni viaggio venisse preparato prima della partenza (e questo lo ha rivelato lo stesso Bourdain), molto del materiale nasceva direttamente da ciò che succedeva una volta arrivati sul posto. In questo modo un incontro, una conversazione o una storia ascoltata durante le riprese poteva cambiare completamente la direzione della puntata per portarla verso qualcosa di nuovo che non era nemmeno stato preso in considerazione prima. In questa maniera, la serie cambia spesso argomenti e approfondimenti, mantenendo comunque una sensazione di naturalezza e curiosità genuina, dando al viaggio stesso il “compito” di decidere che cosa vale la pena raccontare.

Ma quale è allora il filo rosso appena citato che fa da collante a tutta la serie? Il cibo penserete, e non è nemmeno sbagliato. Ma a tenere tutto insieme è naturalmente Bourdain con la sua presenza magnetica che va ben oltre la semplice conduzione/guida. Ogni puntata, ogni luogo, sono passati sotto il “setaccio” del suo sguardo, della sua curiosità e della sua voglia di conoscere, nonché nella personalissima modalità con cui entra in relazione con le persone incontrate. Si tratta, infatti, di viaggi autonomi (lui li definì addirittura “saggi”) l’uno dall’altro, generalmente accomunati dal cibo e dalle storie che nascono intorno agli alimenti, ma comunque “liberi” di prendere le direzioni più disparate e non pensate. Il risultato è un Bourdain-Virgilio che si fa punto di riferimento e continuità tra luoghi, argomenti e stili di racconto diversi.

In questo cambio continuo di approccio, anche la struttura narrativa gode di una grande libertà. E il motivo è ben chiaro: la realizzazione delle puntate non viene affidata sempre allo stesso regista. Nel corso della serie si alternano diversi nomi dietro la macchina da presa, come Tom Vitale (il nome più ricorrente), Morgan Fallon, Michael Steed, Nick Brigden, Asia Argento e molti altri, ognuno dei quali porta la propria sensibilità e il proprio modo di interpretare il luogo in cui si ritrovano. Fallon, ad esempio, ha raccontato di aver scelto per la puntata in West Virginia un approccio più semplice e documentaristico dopo aver lavorato a una puntata molto più “stilizzata” in Nigeria; Nick Brigden per Berlino ha costruito parte dell’estetica visiva riprendendo un film come Metropolis; Steed, lavorando a Newfoundland, ha lasciato spazio a momenti contemplativi e all’ambiente dominante. Ogni regista, quindi, si adatta al luogo visitato e alla storia che si intende raccontare.

Un altro aspetto della costruzione narrativa della serie è il modo in cui vengono costruiti gli incontri con le persone. Bourdain ricorre raramente alle interviste frontali da documentario classico, con il soggetto seduto davanti alla macchina da presa per parlare di sé o della propria cultura. Le conversazioni nascono per lo più mentre si sta svolgendo un’altra azione, ovviamente legata quasi sempre al mondo culinario: mentre si mangia, si cucina, si beve oppure, più semplicemente, quando ci si sposta. L’esempio più famoso di tutti è probabilmente l’incontro con Barack Obama ad Hanoi, avvenuto quando era ancora Presidente degli Stati Uniti: invece della classica intervista istituzionale-presidenziale, Bourdain sceglie una conversazione più amichevole all’interno di un piccolo locale, davanti a una ciotola di bún chả. Un approccio che ritroviamo anche con molte altre persone incontrate in giro per il mondo e che permette di far emergere le informazioni in maniera naturale, durante momenti di spontaneità che difficilmente sarebbero possibili all’interno di un’intervista più tradizionale.

Il primo grande insegnamento che possiamo portarci dietro da Parts Unknown riguarda allora la necessità di trovare un proprio punto d’accesso al luogo che vogliamo raccontare. Per Bourdain questo elemento è il cibo, perché gli permette di avvicinarsi alle persone, condividere qualcosa con loro e iniziare una conversazione da cui può nascere tutto il resto. Per qualcun altro potrebbe essere la fotografia, la musica, uno sport, un mestiere, una tradizione oppure qualsiasi interesse capace di creare un contatto reale con chi abita quella destinazione. Avere un punto di partenza riconoscibile aiuta soprattutto a non limitarsi alla superficie del luogo, fornendo una direzione da cui far crescere la storia.

Il secondo insegnamento, invece, riguarda la capacità di lasciare al viaggio la possibilità di poter modificare il modo in cui si era pensato di raccontarlo, sempre che sia efficace nel raccontare la propria storia. Parts Unknown dimostra quanto sia importante arrivare preparati, conoscere il luogo, individuare possibili persone da incontrare e avere già delle idee da seguire, mantenendo però abbastanza libertà da cambiarle quando quello che succede sul posto si rivela più interessante. E lo stesso discorso vale anche per la forma: se ogni destinazione ha persone, atmosfere e storie differenti, anche fotografia, ritmo e struttura possono inevitabilmente cambiare di conseguenza per trasmettere in maniera migliori certe sensazioni che si vogliono trasmettere. Il racconto, la storia, deve essere preparata, ma senza un’eccessiva rigidità che impedirebbe di prendere in considerazione quello che sta realmente succedendo davanti alla macchina da presa.

Insomma, tornare oggi a Parts Unknown, mentre Tony - Diario di un giovane cuoco ci riporta agli inizi della vita di Anthony Bourdain, permette di osservare con una prospettiva diversa tutto ciò che sarebbe arrivato negli anni successivi quell’aspirante scrittore finito poi per diventare uno degli chef più conosciuti negli Stati Uniti. Quel ragazzo entrato quasi per caso in una cucina avrebbe trasformato il cibo in qualcosa di molto più grande di una professione, utilizzandolo per attraversare il mondo e conoscerne persone, tradizioni e culture. Forse il lascito più interessante della serie riguarda proprio la sua capacità di aver trovato una propria e “gustosa” chiave personale per entrare in contatto con i luoghi e renderli significativi per chi guarda. Lasciando a chiunque guardi l’aquilina alla bocca non solo per le pietanze assaggiate, ma per la bellezza visitata.

E voi, qual è il piatto o il sapore che vi ha fatto davvero scoprire un luogo e o che ancora vi fa viaggiare con la mente?

GUARDA ANTHONY BOURDAIN: PARTS UNKNOWN SU YOUTUBE

Prodotta da Zero Point Production
Scritto da Anthony Bourdain
Trasmessa su CNN
Prodotta dal 2013 al 2018

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Attraversare l’Oceano Atlantico è ancora oggi uno dei viaggi via mare più iconici che si possano immaginare. Per secoli quella distesa d’acqua ha separato due continenti e rappresentato, per milioni di persone, il confine tra una vita conosciuta e la possibilità di cominciarne una nuova. Ma c’è una traversata in particolare che è riuscita a trasformarsi da semplice viaggio a leggenda: doveva essere il viaggio inaugurale di una delle navi più grandi, lussuose e sicure mai costruite, considerata praticamente inaffondabile. Partì da Southampton diretta verso New York con oltre duemila persone a bordo, ma quella che avrebbe dovuto celebrare il futuro della navigazione in crociera si trasformò nella tragedia marittima più famosa della storia.

Anche senza leggere il titolo dell’articolo, avete già capito che ci stiamo riferendo all’RMS Titanic, il transatlantico britannico affondato nella notte del 15 aprile 1912 dopo la collisione con un iceberg nel bel mezzo dell’Atlantico. Una storia incredibile, raccontata in libri, documentari e film, tanto famosa da essere entrata di diritto nell’immaginario collettivo di chiunque. Ma tra tutte le riproduzioni dell’evento, quella che più di ogni altra è riuscita a trasformare quella traversata in un’esperienza da vivere insieme ai suoi passeggeri quasi fossimo anche noi tra gli (s)fortunati a far parte di questa partenza storica, è sicuramente il film Titanic di James Cameron, cult di fine anni Novanta che potete disponibile su Disney+ se (ma non voglio crederci!) non lo avete mai visto.

Kolossal moderno, la riproposizione filmica del naufragio venne realizzata dal regista di Avatar nel 1997, unendo la sua passione per le dinamiche dei naufragi all’idea che una storia d’amore spezzata da una perdita umana così grande potesse trasmettere con forza dirompente l’impatto emotivo di un disastro simile. James Cameron, infatti, riprende il reale evento avvenuto nel 1912 e ci costruisce sopra una storia di finzione, ossia la storia d’amore tra due giovani provenienti da classi sociali opposte: Rose (Kate Winslet), aristocratica promessa in sposa al ricco e spocchioso Cal Hockley, e Jack (Leonardo DiCaprio), un giovane senza denaro che riesce a salire sul Titanic dopo aver vinto a poker un biglietto per la terza classe.

L’incontro improvviso tra i due, avvenuto durante un tentativo di suicidio di Rose, evidenzia sin da subito come uno stesso viaggio possa assumere significati diversi a seconda di chi lo compie, della condizione da cui parte e dell’idea che ha della destinazione finale; Rose sale a bordo della nave verso New York costretta a un matrimonio organizzato dalla madre per risanare i debiti del padre, Jack affronta il viaggio con l’entusiasmo di un bambino che non ha nulla da perdere e vedendo l’America come una seconda possibilità che la vita gli sta offrendo. Perciò abbiamo stessa partenza, stessa rotta e stessa destinazione, ma differenti punti di vista, sensazioni e significati. Da questa distanza economico-sociale viene costruito il loro incontro e il conseguente viaggio d’amore, mentre al tempo stesso rappresenta per lo spettatore la chiave d’accesso per entrare all’interno dei microcosmi sociali presenti nei diversi livelli della nave.

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Consigliamo Titanic proprio perché la differenza tra i due giovani innamorati emerge, in maniera immediata, proprio dal modo in cui si approcciano a quest’avventura. Rose segue un percorso prestabilito, tanto stretto quanto il corsetto che indossa, scandito da cene, rituali, balli e aspettative da rispettare che rendono il viaggio tutt’altro che un sogno; dall’altra faccia della medaglia, Jack si muove con spensieratezza senza aver nulla da perdere o dimostrare, vivendo il viaggio come uno spazio aperto di libertà mai provata prima, da attraversare senza farsi troppe domande, ma facendosi trascinare dalle emozioni. Anche il modo in cui si rapportano all’ambiente è ben diverso, con Rose (almeno inizialmente) confinata nelle maglie della propria classe sociale e Jack che, d’altro canto, attraversa la nave con curiosità accogliendo gli imprevisti come parte stessa dell’esperienza fuori dalla normalità che sta vivendo. Si tratta di due personaggi con due modi diversi di approcciare il viaggio che, venendo a contatto, finiscono inevitabilmente per contaminarsi.

A rendere ancora più potente la futura attrazione reciproca dei due giovani protagonisti sono, come avete potuto intuire, le classi sociali d’appartenenza. Sulla terraferma, Jack e Rose non avrebbero sicuramente avuto modo di conoscersi, men che meno di iniziare una relazione; a bordo, invece, il viaggio crea una sorta di sospensione temporale rispetto alla normalità, in cui distanze sociali solitamente molto rigide possono essere attraversate anche solo salendo o scendendo tra i diversi piani del Titanic. Ed è in questo che si può notare una delle caratteristiche migliori di tutto il film, ossia l’imbarcazione che funziona come un microcosmo sociale in movimento, in cui persone molto diverse tra loro vivono una stessa e al contempo differente esperienza di viaggio, per via dell’estrazione sociale e delle aspettative che portano con sé.

La struttura per classi sociali così tanto rimarcata da Cameron nel film (forse troppo, visto che la seconda classe non è considerata) gli permette di utilizzare Rose e Jack per entrare all’interno della Storia (volutamente con la “S” maiuscola). I due sono personaggi inventati inseriti dentro un evento reale ricostruito con estrema attenzione da parte della produzione e consentono allo spettatore di entrare all’interno della tragedia attraverso un evento molto più immediato e d’impatto: una storia d’amore che significa libertà. Il peso specifico delle vicende personali che avvengono durante la navigazione assume poi tutto il suo significato al momento della collisione, perché non vediamo solo una nave naufragare, ma tutti i sogni di libertà di moltissime persone che abbiamo avuto modo di conoscere, se così possiamo dire, nei primi cinque giorni. In questo modo, un disastro marittimo assume un peso personale ed emotivo che riesce a lasciare il segno nonostante gli anni trascorsi.

La chiave d’accesso alla Storia grazie al racconto cinematografico è il motivo per cui Titanic riesce e funziona nelle sue intenzioni. In particolare, è Rose a giocare un ruolo fondamentale, perché è grazie ai suoi movimenti lungo la nave che ne esploriamo i diversi livelli. Lei parte dagli ambienti della prima classe, ordinati fino all’ultimo centimetro e sotto costante controllo della madre e del promesso sposo Cal, e grazie a Jack entra in maniera progressiva anche negli ambienti della terza classe in fondo alla nave. Sono gli elementi della nave, come scale, corridoi, stanze e ponti, a svolgere un ruolo ben più che strutturale, visto che si presentano come gli elementi in grado di accompagnare la protagonista da una classe sociale all’altra e che permettono a chi guarda di orientarsi all’interno della nave. Ma la differenza tra i due ambienti non è semplicemente dettata dalle location, ma è resa anche attraverso precise scelte di regia.

Per capirlo, basta prendere due esempi: la cena in prima classe e la festa in terza. Nel primo caso a dominare sono l’ordine, il rigore delle regole prestabilite dal ceto sociale d’appartenenza, la compostezza e conversazioni di una noia mortale; nel secondo caso a entrare in gioco sono elementi come la musica, il movimento dei corpi che ballano e una spontaneità che permette alla personalità di Rose di emergere in maniera naturale senza lo sguardo giudicante della madre. Cambiano gli ambienti e, soprattutto, cambia il ritmo della narrazione e il modo in cui i personaggi occupano lo spazio. In questa maniera, Cameron rende percepibili le distanze sociali attraverso i loro stessi rituali, senza che siano i dialoghi a spiegarne le differenze, dando alle due classi sociali una loro aria specifica, nonché un proprio modo di vivere il viaggio.

A far emergere in maniera decisa il cambio di registro della regia è l’evento che scatena il panico tra i passeggeri: la collisione con l’iceberg. Nella prima parte del film, dedicata alla navigazione, i movimenti di macchina sono tendenzialmente controllati, eleganti e fluidi, coerenti con l’immagine di una nave definita “inaffondabile” e quasi infallibile; nella seconda, dominata dal caos, anche le immagini perdono controllo e compostezza (proprio come il Titanic), diventando nervose, agitate ed esplicite nel mostrare il disastro in corso. Il passaggio dalla traversata al naufragio viene così reso evidente anche attraverso la regia, finendo anche per far crollare quell’ordine sociale che fino a pochi istanti prima sembrava intoccabile: infatti, vediamo come alcuni dei personaggi più privilegiati pensano innanzitutto alla propria salvezza, mentre è soprattutto tra i passeggeri delle classi popolari e l’equipaggio che emergono gesti di aiuto reciproco. La tragedia rende allora evidenti non solo le differenze di classe, ma anche il modo in cui ciascuno reagisce quando privilegi, formalità e sicurezza vengono improvvisamente meno e la propria personalità può emergere senza filtri.

Ciò che si può “portare a casa” guardando Titanic, infine, riguarda proprio il modo in cui una storia di finzione possa diventare la chiave d’accesso fondamentale per empatizzare con un fatto storico (nel nostro caso un viaggio) avvenuto moltissimi anni prima. Cameron utilizza Jack e Rose per farci conoscere la nave, la sua divisione per classi e le aspettative/speranze di chi la abita, mentre la loro storia d’amore è lo strumento privilegiato in grado di dare volto a un evento altrimenti troppo distante per essere metabolizzato emotivamente. La scelta di trovare una vicenda personale (anche inventata) su cui concentrare l’attenzione rispetto a un evento di una portata storica così ampia permette allora di essere molto più efficace rispetto al tentativo di raccontare contemporaneamente l’evento nella sua totalità.

Forse è per questo che la vicenda del Titanic viene quasi sempre associata ai volti di Kate Winslet e Leonardo DiCaprio. Perché danno volto alle quelle (circa) duemila persone che sono partite dallo stesso porto, hanno compiuto lo stesso viaggio e navigato verso la stessa direzione, ognuna portando con sé storie, vissuti e idee differenti sul proprio futuro. Il film parte da questa molteplicità di punti di vista per poi racchiuderli nella vicenda di Jack e Rose, due personaggi che permettono di condensare dentro una la loro relazione differenze sociali, aspettative e sogni che attraversano l’intera nave.

È così che una leggenda si fa racconto.

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Regia di James Cameron
Scritto da James Cameron
Fotografia di Russell Carpenter
Montaggio di Conrad Buff, James Cameron, Richard A. Harris
Musiche di James Horner

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Siamo parte di una società orientata al successo continuo, al dover raggiungere sempre e subito il risultato finale nel migliore dei modi. Nella velocità di oggi, in cui tutto sembra un flusso ininterrotto senza pause, ogni attività deve essere finalizzata al raggiungimento immediato del proprio obiettivo. Fallire non è contemplato. Eppure, è proprio quando il risultato sembra più lontano che possiamo capire quanto un obiettivo sia davvero importante. Ed è così che un tentativo fallito non significa necessariamente aver perso, come diceva anche Alex Bellini nel bellissimo È solo acqua e vento, e in alcuni casi può diventare la miccia capace di dare la scossa e un vero senso alla sfida da affrontare la volta successiva.

In un documentario, per raccontare storie estreme e di un’unicità assoluta in maniera coinvolgente anche il pubblico più lontano dall’argomento trattato, bisogna cercare di limare il più possibile la distanza tra protagonista e spettatore. Una delle soluzioni più adottate, nell’ambito sportivo e d’avventura, è dare grande risalto alla componente umana di figure che raggiungono risultati “sovrumani”: una delle migliori dimostrazioni di questa tecnica di storytelling sono i documentari realizzati dall’alpinista-filmmaker Jimmy Chin al fianco della moglie Elizabeth Chai Vasarhelyi. Se vi fischiano le orecchie è perché abbiamo già avuto modo di parlare del loro lavoro sia dietro la macchina da presa in Free Solo (2018), sia nella produzione (e nella presenza dello stesso Jimmy al fianco di Nims) in 14 vette: scalate ai limiti del possibile (2021).

In questo caso, facciamo un piccolo salto indietro al 2015 per parlare del loro primo lungometraggio documentario, Meru. Vincitore dell’“U.S Audience Documentary Award” al Sundance Festival dello stesso anno, il film racconta il folle tentativo compiuto da Conrad Anker, Renan Ozturk e dallo stesso Jimmy Chin di raggiungere la cima della Shark’s Fin (Pinna dello Squalo), una delle pareti più complicate e pericolose dell’alpinismo mondiale situata sul versante nord-est del Meru Peak nell'Himalaya indiano. Come nei lavori successivi, la conquista della vetta è soltanto il punto d’arrivo di una storia sviluppata soprattutto intorno alla componente intima dei protagonisti, ai momenti di maggiore crisi e a come questi siano stati la miccia in grado di far compiere loro un’impresa storica.

Sin da subito, capiamo infatti come la Pinna dello Squalo sia una parete completamente diversa dalle altre. Non basta essere ottimi arrampicatori per approcciarla, bisogna avere una preparazione fisica e mentale fuori dal normale per affrontare, ghiaccio, freddo, rocce e arrampicate verticali trasportando tutto il necessario per sopravvivere settimane lungo la parete. Si possono fare molti calcoli, ma ci sono molti imprevisti che possono rallentare la scalata o addirittura mettere a repentaglio tutta la missione, proprio come accadde loro durante il primo tentativo del 2008: dopo settimane passate appesi alle funi, tra fatica e condizioni fisiche al limite a causa del freddo, Conrad, Jimmy e Renan sono a un centinaio di metri dalla vetta, ma si vedono costretti a rinunciare per mancanza di sicurezza e di cibo a sufficienza per sopravvivere. Un momento di sconforto enorme, per molti sufficiente a mettere un punto fermo ad ogni altra possibilità, diventa invece l’inizio di una risalita che mette i protagonisti in continuo confronto soprattutto con loro stessi.

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Facendo raccontare in prima persona dai protagonisti i momenti più difficili da loro vissuti, Meru riesce a rendere il ritorno sulla parete ancora più significativo. Nel 2011, Renan rimane gravemente ferito alla testa in seguito a un incidente sugli sci nelle Tetons, dove si trovava con Jimmy Chin per effettuare delle riprese a due snowboarder. Lo stesso Jimmy, poco tempo dopo, viene travolto da una valanga proprio mentre cercava di portare a termine il lavoro iniziato da Renan. Ne esce fisicamente illeso ma mentalmente distrutto, arrivando ad allontanarsi dall’alpinismo per qualche mese. Conrad, invece, porta con sé il peso della morte del suo mentore Mugs Stump e del migliore amico Alex Lowe, morto travolto da una valanga nel 1999. Per questo motivo, ritornare su quella parete significa per i tre protagonisti confrontarsi con tre forme diverse di trauma: fisico, mentale ed emotivo. Il secondo tentativo viene così trasformato in qualcosa che va oltre la pura rivincita sportiva.

La costruzione dei protagonisti è uno dei motivi per cui consigliamo di guardare Meru con grande attenzione. Il film riesce a rendere estremamente coinvolgente una storia specialistica come quella di una scalata, senza richiedere allo spettatore di conoscere l’alpinismo. La montagna rimane il focus visivo e attrattivo per la sua imponenza, ma a tenere viva l’attenzione è il significato che questa sfida assume agli occhi di tutti e tre, soprattutto dopo i traumi vissuti. Il merito del documentario sta proprio nella capacità di trasformare un argomento di nicchia in una storia universale, perché costruita intorno a concetti come il superamento del lutto, di un trauma o di un grave infortunio, e della volontà di capire fino a dove l’uomo è disposto a spingersi per raggiungere qualcosa di veramente significativo.

Ad aumentare il coinvolgimento dello spettatore è il fatto che lo sguardo sulla preparazione mentale e fisica dell’impresa venga allargato anche alle persone intorno a Conrad, Jimmy e Renan. La co-regista Elizabet Chai Vasarheli, arrivata a lavorare sul progetto senza conoscere minimanete il mondo delle scalate, ha raccontato di essere particolarmente interessata a indagare cosa significhi vivere al fianco di persone che si spingono così al limite. Questa scelta, presente anche in Free Solo, restituisce un ritratto totale che mette in luce le due facce della sfida: il fascino (la forza dei protagonisti) e la preoccupazione (la moglie di Renan che, dopo il suo infortunio, non voleva partisse ancora per Meru). Si tratta del cuore di tutta la narrazione e dell’elemento capace di farci domandare: come affronteremmo una situazione del genere se fossimo in quella situazione?

Da un punto di vista narrativo, Meru costruisce la propri parabola emotiva in maniera differente rispetto a moltissimi altri film di questo genere. Infatti, i due registi, lavorano sui personaggi decostruendo la classica rappresentazione dell’eroe nei documentari/racconti d’avventura. Renan, Conrad e Chin ovviamente vengono celebrati per ciò che sono riusciti a compiere, ma il film decide di presentarli come esseri umani che come tutti cadono, falliscono e soffrono, rendendo al tempo stesso la linea tra determinazione e ossessione sempre più sottile.

La costruzione dei personaggi viene rafforzata dal modo in cui viene costruita la storia, a partire dal trattamento riservato al tentativo fallito del 2008. Non si tratta di un semplice prologo destinato a farsi presto da parte per lasciare spazio al resto del racconto, ma di uno snodo da cui aprire il cuore dei protagonisti prima di tornare nuovamente su quella montagna tre anni dopo. Da quel fallimento prendono forma i ricordi, le interviste, le motivazioni personali, inseriti nel racconto per accrescere gradualmente il cambiamento di significato della seconda spedizione: quando il film ritorna sulla Pinna dello Squalo stiamo osservando un’impresa caricata di tutto ciò che abbiamo scoperto nei minuti precedenti.

L’insegnamento più grande che lascia Meru riguarda proprio il punto di accesso alla scalata e soprattutto ai protagonisti della vicenda. Le riprese sono state realizzate da Jimmy e Renan, per cui il punto di vista è tutt’altro che esterno: rispetto a Free Solo, in cui a scalare era solo Alex, e Jimmy doveva fare in modo di non condizionarlo con la sua presenza, qui i due operatori alla macchina sono essi stessi i protagonisti insieme a Conrad. Le immagini, spettacolari e dall’alto tasso adrenalinico, restituiscono uno sguardo diretto sulle difficoltà pratiche della scalata, altrimenti impossibile da ottenere con una troupe tradizionale, perché ripetere un passaggio o fermare l’azione per trovare l’inquadratura migliore. Significa adattare la camera all’esperienza, non il contrario.

A questo si aggiunge un secondo insegnamento, già evidente nella struttura del film: i bilanciare correttamente i materiali a disposizione per concedere alla narrazione il giusto ritmo con cui svelare le informazioni al momento giusto. Le riprese estreme, i paesaggi incredibili che si possono osservare a 6000m e i momenti di grande tensione funzionano perché messi in relazione in maniera intelligente con le interviste frontali e il racconto dei fallimenti, capaci di dare loro un grandissimo peso narrativo. Meru dimostra quindi quanto sia importante non limitarsi a documentare ciò che accade, ma capire quale significato attribuire a quelle immagini e in quale momento mostrarle per dare loro massima efficacia.

È l’equilibrio tra spettacolarità e introspezione a caricare di significato il secondo tentativo e, di conseguenza, tutto il film. Senza tutto ciò che abbiamo scoperto attraverso le interviste, le immagini del ritorno sulla Shark’s Fin rimarrebbero il racconto straordinario di una grande impresa alpinistica; dopo aver conosciuto fallimenti, paure e motivazioni dei protagonisti, invece, ogni metro guadagnato assume un valore molto più grande. E questo permette di ritornare al punto di partenza: il fallimento non significa necessariamente sconfitta. In Meru, il primo tentativo è l’esperienza catartica necessaria a dare un senso al raggiungimento della vetta.

Regia di Jimmy Chin, Elizabeth Chai Vasarhelyi
Scritto da Jimmy Chin, Elizabeth Chai Vasarhelyi
Fotografia di Jimmy Chin, Renan Ozturk
Montaggio di Bob Eisenhardt
Musiche di Josh Ralph

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Quanto sarebbe bello poter influenzare attivamente le storie che amiamo? Non solo leggerle o guardarle, ma intervenire per modificarne l’andamento e portare al limite il concetto di immedesimazione tra persona ed eroe. Spesso è un procedimento che avviene solamente nella mente, ma con la giusta dose di immaginazione è possibile che mondo reale e mondo fantastico entrino in contatto fino a influenzarsi a vicenda. Probabilmente si tratta di una sorta di “terzo occhio” appartenente alla sfera dei bambini, (forse) gli unici ancora in grado di guardare il mondo con meraviglia, ma che, al tempo stesso, non devono commettere l’errore di rifugiarsi nella fantasia per scappare dalla realtà.

In questo rischio stava cadendo Bastian, il piccolo protagonista del viaggio magico vissuto tra la pagina scritta e la sua immaginazione che possiamo vedere in La storia infinita, film culto realizzato nel 1984 dal regista Wolfgang Petersen. Disponibile gratuitamente su Rakuten TV e Plex, la trasposizione dell’omonimo romanzo di Michael Ende è un’audace produzione realizzata in Germania in lingua inglese (all’epoca la più costosa nella storia del cinema tedesco) che va oltre il classico epic fantasy fatto di mondi immaginari e creature magiche. La storia infinita è la rappresentazione visiva del viaggio iniziatico vissuto da un bambino attraverso le pagine di un libro misterioso, in cui la lettura smette di essere solo un atto passivo e diventa una porta d’accesso a un mondo capace, addirittura, di influenzare anche la realtà.

Questa è la piega che prenderà la giornata del piccolo Bastian (Barret Oliver), bambino timido e solitario, molto legato ai libri e ancora profondamente segnato dalla morte della madre. Un giorno, mentre cerca di fuggire dai bulletti della scuola, trova rifugio in una libreria in cui rimane affascinato da un misterioso volume intitolato La storia infinita. Dopo averlo preso con sé, sfruttando una distrazione del libraio che si mostrerà poi compiaciuto della “presa in prestito” del libro, si nasconde nella soffitta della scuola e inizia a leggere senza sosta. Dalla lettura veniamo catapultati all’interno del regno di Fantàsia, un mondo magico minacciato da una forza maligna, il Nulla, che sta man mano distruggendo ogni cosa. Qui il giovane Atreiu (Noah Hathaway) è incaricato di partire per un viaggio in solitaria per salvare l’Imperatrice e il suo mondo dalla distruzione. Ma quello che dovrebbe il viaggio dell’eroe immaginario si trasformerà presto nel viaggio, anche, di Bastian.

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Il viaggio tra le pagine di questo libro magico che, a detta del libraio, non faceva assolutamente per Bastian, rappresenta un tassello ulteriore rispetto ai discorsi fatti fino a questo momento relativi ai film di viaggio. Innanzitutto, La storia infinita mostra un percorso trasformativo compiuto da un essere umano praticamente immobile, chiuso nella soffitta della propria scuola, mentre a muoversi fisicamente è un personaggio fantastico tra le righe di un libro. I due viaggi sembrano così molto distanti tra loro, un po’ come i “viaggi mentali” che ognuno di noi si fa mentre guarda un film o legge un libro, ma qui quella “parete” tra persona e personaggio viene man mano annullata: le prove affrontate da Atreiu, infatti, finiscono presto per toccare sempre più la sfera personale di Bastian, trasformando il viaggio del protagonista del libro nel percorso interiore del bambino.

Il film, però, merita di essere guardato e riguardato non solo per il modo in cui costruisce il viaggio, ma soprattutto per la capacità di far recuperare, almeno per la durata del film, uno sguardo più infantile sul mondo. A colpire, anche per chi non appartiene alla generazione cresciuta con questo film, è una fortissima componente nostalgica che riguarda l’estetica fantasy e il modo in cui, da bambini, riuscivamo a lasciarci completamente assorbire dalle storie che ci facevamo raccontare o che leggevamo. Quando bastavano poche pagine a farci dimenticare ciò che avevamo intorno e a farci immaginare che quel mondo potesse esistere davvero. Per questo La storia infinita è un film che ci teniamo a consigliarvi, perché seguire Bastian nella sua lettura significa recuperare quella capacità di meravigliarci, di credere nell’impossibile e, soprattutto, di continuare a sperare anche quando la realtà sembra suggerirci il contrario.

Ed è proprio questa capacità di tornare a sperare a rendere così efficace il percorso di Bastian e il film in sé anche dopo più di quarant’anni. Il viaggio di Atreiu diventa progressivamente anche il suo, perché attraverso le diverse tappe il bambino riesce a confrontarsi con paure, traumi e insicurezze senza lasciarsene travolgere. Se all’inizio lui si “limita” a leggere il libro per pura curiosità facendosi trasportare dalla sua storia, con l’inizio del cammino contro il Nulla comincia a vivere emotivamente i diversi momenti del viaggio, facendo sempre più proprie le azioni dell’eroe: mangia quando lo fa Atreiu, scoppia in lacrime davanti alla morte di Artax, si spaventa alla comparsa di Morla e, punto di non ritorno, arriva persino a essere sentito dai personaggi quando si mette a gridare. L’urlo è il primo sintomo di un avvicinamento sempre maggiore tra il lettore e la storia, fino alla scena della Porta dello Specchio, in cui Atreiu vede riflessa davanti a sé l’immagine di Bastian anziché la propria.

In questa maniera, come anticipato all’inizio del pezzo, il film porta all’estremo il concetto di immedesimazione del lettore con il protagonista del racconto, ma a rendere ancora più efficace questa sovrapposizione è il fatto che le tappe affrontate nel libro rappresentano, a un secondo livello di lettura, una proiezione fantastica della vita e delle esperienze vissute da Bastian. Il parallelismo più immediato arriva alla prima tappa del viaggio nella Palude della Tristezza, quando Atreiu vede morire Artax e deve trovare la forza di continuare il viaggio da solo: qui, grazie a uno stacco, ci viene mostrato Bastian in lacrime, creando un parallelismo naturale con l’elaborazione del lutto della madre. In più, Morla incarna la tentazione di mollare e rinunciare ad andare avanti, mentre le scene in cui Atreiu scappa dal lupo Gmork ricordano molto da vicino Bastian in fuga dai bulli. Sono esempi che sottolineano come il viaggio fantastico assuma un peso concreto, perché mette davanti agli occhi di Bastian emozioni e difficoltà che ha affrontato lui stesso.

Da un punto di vista cinematografico, è molto interessante l’uso che viene fatto del montaggio e delle variazioni di ritmo per accompagnare il viaggio in maniera coinvolgente. Il direttore della fotografia Jost Vacano ha raccontato in passato come i movimenti di macchina fossero estremamente limitati per via delle molte scene in blue screen e dell’utilizzo di numerosi effetti ottici, motivo per cui il compito di creare dinamismo tra le scene venne affidato soprattutto al montaggio. Le tappe del viaggio vengono costruite sapientemente alternando momenti contemplativi, perfetti per mostrare il mondo di Fantàsia, ad altri più concitati quando si vuole trasmettere una sensazione di pericolo. A differenziare situazioni e ambienti è anche l’utilizzo della luce: si avrà un’illuminazione più soffusa nelle situazioni di inquietudine, come nella Palude della Tristezza, mentre per il Castello d’Avorio, sede dell’Imperatrice del regno, viene utilizzata una luce fortemente sovraesposta che contribuisce a sottolineare l’atmosfera di irrealtà.

Ma ancora più incredibile è stato il lavoro fatto per dare consistenza fisica al mondo di Fantàsia. Se oggi la messa in scena potrebbe apparire in parte superata, bisogna tenere presente che negli anni Ottanta la computer grafica non rappresentava ancora una soluzione praticabile per realizzare creature e ambienti di questo tipo. Per dare vita al regno, la produzione si è infatti servita di tecniche come matte painting, modellini, scenografie costruite a mano ed enormi creature meccaniche con cui gli attori potevano interagire direttamente sul set: in questo modo, esseri come Falcor, Morla e Gmork assumono peso, volume e una presenza che influenza attivamente l’immersione, rendendo il viaggio qualcosa di realmente attraversabile e credibile. Sembra quasi che il regista abbia deciso di dare corpo all’immaginazione ancora prima di farla interiorizzare.

La storia infinita, riprendendo quest’ultimo spunto, può offrire una lezione cruciale: la differenza tra un racconto di viaggio riuscito e uno da cestinare sta anche nella capacità di trasformare le scelte tecniche in materia emotiva. La luce, ad esempio, non deve semplicemente illuminare la scena, ma può guidare la percezione dello spettatore verso determinate atmosfere; il montaggio può dare dinamismo ai diversi momenti del viaggio; l’ambiente può trasmettere la fisicità del racconto e, allo stesso tempo, favorire l’introspezione. Tutti questi elementi devono poi essere bilanciati per trasformare il viaggio fisico in un’esperienza interiore capace di lasciare il segno sul personaggio e, di riflesso, sullo spettatore.

Possiamo dire che su Bastian quel viaggio ha lasciato un’impronta enorme. Se prima correva per sfuggire ai bulli della scuola e si rifugia nei libri per allontanarsi da una realtà apparentemente impossibile da affrontare, alla fine lo vediamo volare sopra la città sulle spalle di Falcor per inseguire proprio quei ragazzi da cui, quella stessa mattina, stava scappando. Non significa che Fantàsia abbia annullato tutti i suoi problemi cambiando magicamente il mondo reale: a essere cambiato è Bastian, grazie a un’avventura vissuta al fianco di Atreiu che gli ha permesso di guardare se stesso in maniera diversa.

In fondo, la storia che ha deciso di cambiare attraverso la fantasia era semplicemente la sua.

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Regia di Wolfgang Petersen
Scritto da Wolfgang Petersen, Herman Weigel
Fotografia di Jost Vacano
Montaggio di Jane Seitz
Musiche di Giorgio Moroder, Klaus Doldinger

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Nascere, crescere, morire. E poi, chissà, rinascere per ritornare allo stato iniziale. La ciclicità della vita accompagna l’esistenza umana da sempre, attraverso dottrine filosofiche e religiose come induismo e soprattutto buddismo. Si tratta di un concetto per lo più astratto, molto più facile (proprio per questo motivo) da elaborare a livello mentale e da esporre con le parole. Non è tangibile e nemmeno visibile, perciò come posso rappresentarla con le immagini? Come posso mostrare a qualcuno l’impermanenza del tempo, il suo cambiamento costante, mentre noi stessi lo stiamo vivendo in prima persona? Sembra questo l’obiettivo di Ron Fricke (raggiunto con grandissimi risultati) in quello che rappresenta il sequel naturale di Baraka: Samsara, documentario realizzato nel 2011 e attualmente ultima opera ufficiale del regista e direttore della fotografia.

A quasi vent’anni di distanza dal capolavoro del 1992, Fricke decide di partire nuovamente in giro per il mondo al fianco del produttore Mark Magidson, attraversando circa 25 Paesi e registrando per circa cinque anni i materiali visivi che sarebbero poi confluiti in un’altra pietra miliare del cinema sperimentale. In questo periodo documentano le situazioni più diverse, da luoghi sacri a zone devastate dagli agenti atmosferici, passando per complessi industriali e grandi agglomerati umani, raccogliendo immagini che tra loro non potrebbero apparire più lontane e prive di un filo logico ben preciso. Ma basta guardare al di là del proprio naso per capire come, invece, ci sia un fil rouge che unisce tutta la messa in scena, ossia il concetto espresso dal titolo stesso del documentario. Samsara, infatti, rimanda alla ruota della vita e al continuo susseguirsi di nascita, morte e rinascita. Ed è questo continuo “errare”, se così possiamo dire, della vita stessa, mostrataci in tutte le sue forme, a diventare il filo che collega tutte le immagini.

Mettere su due linee parallele Baraka e Samsara non è solo doveroso, ma necessario per comprendere l’evoluzione del significato assegnato alle immagini. L’impostazione è la stessa: niente dialoghi, niente voce narrante, un utilizzo centrale della musica, immagini spettacolari girate in grande formato e un viaggio che attraversa luoghi e culture lontanissimi. Tutti aspetti che già sono stati tirati in ballo parlando del documentario del ’92, per cui non avrebbe senso ricalcarli ancora di più. Ciò che qui interessa è il modo con cui Fricke organizza il girato. Se in Baraka la sua volontà era quella di restituire l’interconnessione tra gli elementi che popolano il mondo, in questo caso intende costruire quella che lui stesso ha definito una “meditazione guidata” sul ciclo di nascita, morte e rinascita. Ovviamente, l’altissima qualità delle immagini è la prima caratteristica che salta subito all’occhio, ma lo scarto di Samsara rispetto al “prequel” è l’intenzione di rendere percepibile quel continuo processo di trasformazione a cui ogni cosa sembra essere sottoposta in maniera intrinseca.

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Da qui Samsara inizia a prendere una strada propria. A Fricke non basta riprendere qualcosa che cambia davanti agli occhi della macchina da presa: il suo intento è quello di plasmare la forma del documentario sul suo contenuto, cercando nel mondo situazioni che possano rappresentarne manifestazioni differenti. Un neonato e un corpo che invecchia; una metropoli in costante movimento, a tal punto da sembrare viva; un oggetto prima realizzato e poi gettato via. Analizzando le immagini si capisce come questi e molti altri esempi possano essere letti come parti di un processo che riguarda l’intero globo. Le culture, le città attraversate e i rituali mostrati stupiscono inevitabilmente lo spettatore, ma, unite tra loro, diventano tasselli di un discorso più ampio, in cui luoghi distanti migliaia di chilometri si ritrovano improvvisamente vicini perché raccontano, in maniera differente, la stessa cosa.

Ed è anche per questo che ci teniamo a consigliarvi Samsara. Non soltanto per l’esperienza sensoriale unica o per il viaggio tra la bellezza e la distruzione del mondo, ma soprattutto perché riesce a indagare qualcosa che non appartiene a un luogo solo, ma a tutti noi che abitiamo e influenziamo (spesso negativamente) il pianeta. Fricke attraversa i Paesi per compiere una sorta di ragionamento induttivo sulla circolarità della vita, partendo dal particolare, ossia dalle diverse situazioni mostrate, per parlare di un principio generale e universale. Il punto, così come in Baraka, non è capire necessariamente dove siamo, ma osservare il mondo come un immenso campo di ricerca in cui andare a caccia delle diverse forme, viventi e non, assunte da un concetto comune.

Ma per rendere efficace un’operazione del genere non basta trovare immagini coerenti con il tema. Uno dei motivi per cui Samsara funziona nonostante la sua anima sperimentale sta nel fatto che Fricke e Magidson abbiano cercato di trasporre la ciclicità dei processi mostrati anche nell’organizzazione temporale delle immagini. Il primo elemento individuato come struttura portante di tutto il progetto è, ad esempio, il mandala di sabbia: all’inizio del film assistiamo alla sua realizzazione, nel finale alla sua distruzione, racchiudendo il significato del viaggio spirituale in un’immagine che rappresenta perfettamente il concetto di impermanenza. In altri casi, alcune immagini mostrate nelle prime sequenze ritornano verso la conclusione sotto una forma più sviluppata, creando richiami che fanno percepire allo spettatore di essere arrivato alla fine di un percorso.

All’interno di questa cornice, però, Fricke non segue un andamento “temporale”, percorrendo quindi in maniera ordinata lo schema nascita-vita-morte-rinascita. Organizza invece il materiale attraverso blocchi tematici e ricerca nel montaggio un “flow” (come lo definisce lo stesso regista) capace di far confluire ogni sequenza all’interno di quella successiva. La struttura circolare data dal mandala convive quindi con un movimento interno molto più libero, che permette al film di passare da un luogo all’altro senza seguire la geografia e da un argomento al successivo senza spezzare la continuità del discorso.

Seguendo questo flusso si passa senza continuità dalla dimensione spirituale a quella umana, fino ad arrivare all’anima industriale della società contemporanea. Il ciclo riguarda infatti anche ciò che produciamo e consumiamo: fabbriche, allevamenti, catene di montaggio e rifiuti sono tutti parte di un sistema che continua a ripetersi (crea, utilizza, consuma, sostituisci). Lo stesso principio può essere applicato ai movimenti delle folle, all’alienante traffico delle metropoli e ai gesti ripetitivi dei lavoratori, per cui veniamo inondati da un costante mutamento che sembra riguardare ogni aspetto dell’esistenza. Tutti questi processi vengono accostati perché condividono una caratteristica: non rimangono mai fermi in una condizione, ma fanno parte di un sistema sempre in movimento. Un movimento che richiama inevitabilmente un altro concetto, quello del pánta rheî, il “tutto scorre”, secondo cui la realtà non può essere colta in una condizione stabile e immutabile.

A rendere percepibile questo movimento contribuisce il marchio di fabbrica di Fricke: il timelapse. Già avevamo sottolineato l’uso di questa tecnica in Baraka, ma qui assume un ruolo ancora più centrale vista la tematica trattata e il continuo confronto tra l’anima umana e quella industriale. A occhio nudo è impossibile capire fino in fondo il movimento che caratterizza ogni secondo sulla Terra, perciò il timelapse si presenta come lo strumento ideale per comprimere il tempo e rendere visibili processi che normalmente percepiamo in maniera frammentaria. La metropoli diventa viva, le automobili sono flussi incessanti di luci e le persone sembrano seguire tutte una stessa direzione, quasi fossero parte di un unico grande meccanismo messo a nudo attraverso l’alterazione della nostra abituale percezione temporale. La tecnica non crea artificialmente questo movimento, ma permette di osservare sotto una nuova luce qualcosa che era già davanti ai nostri occhi.

Perciò, la lezione di Samsara riguarda il modo in cui il tema di un documentario non debba limitarsi soltanto a ciò che mostriamo, ma possa influenzare anche le scelte con cui decidiamo di renderlo percepibile, soprattutto quando abbiamo a che fare con qualcosa che non può essere tangibile in maniera diretta. In questo caso, è il concetto stesso di samsara a orientare le situazioni da riprendere, suggerire la struttura circolare del mandala, guidare il flow tra immagini registrate a migliaia di chilometri di distanza e trovare nel timelapse uno strumento ideale per rendere visibili trasformazioni normalmente troppo lente o frammentarie per essere colte. Tema, struttura e tecnica finiscono così per lavorare nella stessa direzione, rafforzandosi a vicenda invece di procedere come elementi separati.

Se con Baraka avevamo visto quanto le immagini potessero bastare a se stesse per raccontare il mondo senza bisogno di essere continuamente accompagnate dalle parole, con Samsara si fa un passo in avanti. Fricke parte da qualcosa che non può essere filmato direttamente, come la ciclicità dell’esistenza e l’impermanenza del tempo, e cerca per quasi cinque anni le sue manifestazioni concrete in giro per il pianeta. In una seconda fase le organizza, le mette in relazione e le racchiude all’interno di una struttura capace di restituirci almeno una parte di quell’incessante movimento. Un autentico gioiello che mette in luce un principio fondamentale del travel filmmaking: raccontare un viaggio con le immagini significa trovare gli strumenti giusti per dare una forma visibile anche a ciò che, normalmente, non possiamo osservare direttamente.

Regia di Ron Fricke
Scritto da Ron Fricke, Mark Magidson
Fotografia di Ron Fricke
Montaggio di Ron Fricke, Mark Magidson
Musiche di Michael Stearns, Lisa Gerrard, Marcello De Francisci

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Sin dall’antichità, l’uomo è da sempre spinto da una curiosità spasmodica per superare i confini e raggiungere territori sconosciuti, così da conoscere sempre più il mondo che ci circonda. Dal mito di Ulisse, che nel canto XXVI dell’Inferno di Dante viene punito dagli dèi per aver tentato di superare le Colonne d’Ercole (il limite del mondo allora conosciuto), la frontiera futura dell’esplorazione è rappresentata dall’esplorazione dello spazio. Era il 1961 quando Gagarin diventò il primo uomo a compiere un’intera orbita intorno alla Terra e da quel momento le sfide legate ai viaggi nel mare di stelle si sono fatte sempre più complesse e difficili per l’uomo che intende raggiungere luoghi tanto remoti. Se, al momento, certe distanze sono raggiungibili solo con la fantasia, ecco che a intervenire è proprio “la macchina dei sogni”, il cinema.

Ma cosa lega Ulisse, lo spazio e il viaggio? Un nome e un cognome: Christopher Nolan. Se abbiamo avuto modo di parlare del viaggio compiuto dal re di Itaca in The Odissey, oggi abbiamo l’occasione di parlare di un altro viaggio epico che il regista londinese aveva trasposto nel 2014 sul grande schermo: Interstellar. Il film con protagonista Matthew McConaughey, al fianco di altre superstar Anne Hathaway, Jessica Chastain, Matt Damon e Timothée Chalamet, porta all’estremo le dinamiche del travel movie spostando l’attenzione da oceani, montagne o deserti, alla vastità dello spazio (s)conosciuto. Il film potete trovarlo in streaming su diverse piattaforme: Netflix, HBO Max, Sky, Now TV e Timvision, ma iniziamo dal principio.

In un futuro non troppo distante dal nostro presente, la Terra sta subendo una carestia globale causata da tempeste di sabbia, malattie delle piante e una conseguente mancanza di raccolto necessario alla sopravvivenza. Cooper è un ex pilota della NASA diventato agricoltore per necessità che vive in una fattoria insieme ai figli Tom e Murph, cercando di adattarsi a un mondo prossimo al collasso. Una serie di strani fenomeni lo condurrà a una base della NASA, dove scoprirà l’esistenza di una missione super segreta destinata a trovare una nuova dimora per il genere umano: 48 anni prima, nei pressi di Saturno, è infatti comparso improvvisamente un wormhole, vale a dire un passaggio spaziale che permette di raggiungere una galassia lontanissima dove in passato erano stati individuati alcuni pianeti potenzialmente abitabili. Nonostante la figlia sia fortemente contraria alla sua partenza, Cooper viene convinto dal dottor Brand e decide così di lasciare la propria famiglia e partire insieme a un equipaggio di scienziati ed esploratori, dando inizio a un viaggio nello spazio che rappresenta una corsa contro il tempo per salvare l’umanità e rivedere la figlia Murph.

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Interstellar mostra l’avventura a bordo dell’Endurance come una spedizione d’altri tempi, una sorta di traversata oceanica proiettata nel cosmo che spinge Cooper a seguire, in un certo senso, le orme dei grandi esploratori del passato. L’equipaggio della spedizione diventa così un gruppo di ricercatori futuristici chiamati a superare i limiti di un confine ancora inesplorato e sconosciuto, senza avere la certezza di cosa incontreranno. Rispetto a un classico film di viaggio cambiano il mezzo di trasporto, il territorio da attraversare e le distanze da percorrere, ma a rimanere intatta è l’impulso che spinge gli uomini a compiere imprese straordinarie, a partire verso luoghi ignoti e reagire agli imprevisti incontrati lungo il cammino.

Ed è per questo motivo che consigliamo Interstellar come un ottimo film di viaggio da non perdersi. Non è solo un film capace di lasciare lo spettatore con il fiato sospeso grazie alle sue incredibili immagini e alle situazioni di estremo pericolo in cui sono immersi i protagonisti. Il cosmo è l’ambiente in cui si svolge il viaggio e per questo, oltre ad essere un fantastico sfondo, si fa protagonista mettendo continuamente alla prova il percorso dei personaggi, le loro motivazioni, le loro decisioni e il rapporto con chi è rimasto sulla Terra. In tal senso, ogni fase della spedizione porta con sé conseguenze che vanno ben oltre la missione stessa, perché Cooper e il resto dell’equipaggio devono fare i conti con un elemento apparentemente impossibile da controllare: il tempo.

La sfida contro di esso trasforma ogni deviazione, ogni minuto perso e ogni imprevisto in qualcosa che può allontanare Cooper sempre di più dalla vita che ha lasciato indietro, trasformando rapidamente una missione fantascientifica in un viaggio profondamente umano, costruito intorno alle conseguenze della partenza e al prezzo da pagare per provare a salvare le persone che più amiamo. La missione è così una corsa contro il tempo per trovare una soluzione all’imminente fine del genere umano e del rapporto di Cooper con Murph: un doppio livello di lettura (collettivo e personale) che rende l’impresa degli scienziati a bordo tanto spettacolare quanto emotiva.

La tensione accresce sempre più per via della discrasia temporale tra spazio e Terra, resa in maniera ancora più efficace dalla scelta di mostrare direttamente le conseguenze che ogni tappa produce sulla vita dei personaggi (sia nello Spazio che sulla Terra). Il caso più evidente è quello del pianeta di Miller, dove una sola ora trascorsa dall’equipaggio corrisponde a sette anni sulla Terra. Arrivati qui per prelevare i dati raccolti, un imprevisto costringe i membri della spedizione a rimanere per circa tre ore sul pianeta e, quando Cooper torna sull’Endurance e guarda i videomessaggi ricevuti dai figli, la distanza percorsa smette improvvisamente di essere qualcosa di astratto e diventa concreta e visibile. In che modo? Nei volti cresciuti di Tom e Murph, nelle vite andate avanti e nel tempo che lui non potrà più recuperare. E il pugno nel cuore viene dato dall’interpretazione magistrale di Matthew McConaughey di passare da un sorriso a trentadue denti a un pianto disperato.

A rendere ancora più forte questo meccanismo è il fatto che il viaggio di chi parte e la vita di chi resta continuino a svilupparsi l’uno di fianco all’altro. Tecnica spesso utilizzata nel travel storytelling (a maggior ragione quando partire significa soprattutto lasciarsi qualcosa alle spalle), da una parte seguiamo Cooper e l’equipaggio mentre avanzano nello spazio, dall’altra Murph e gli altri personaggi rimasti sulla Terra che continuano a vivere, crescere e affrontare le conseguenze di quella partenza. Interstellar riesce così a trasformare il viaggio in un’esperienza in cui ogni luogo raggiunto, ogni scelta e ogni imprevisto modificano contemporaneamente il percorso nello spazio e, in maniera intrinseca, le dinamiche personali sulla Terra. Le due linee narrative procedono quindi parallelamente, ma a velocità differenti, aumentando progressivamente la distanza tra i protagonisti fino al momento di un eventuale ricongiungimento finale.

Lo sviluppo lungo due livelli temporali è quindi la prima caratteristica evidente della costruzione del film, mentre un altro elemento centrale della narrazione, tipico dei travel movie, è il ruolo assunto dall’imprevisto nel percorso dei personaggi, come anticipa il film stesso parlando della Legge di Murphy. Il principio del “tutto ciò che può accadere, accadrà”, non è solo un simbolismo legato al rapporto tra Cooper e la figlia, ma una costante che accompagna la missione. Ogni tappa, infatti, viene approcciata con un piano ben preciso, ma qualcosa interviene puntualmente a modificarlo, costringendo i personaggi a rivedere la rotta, prendere decisioni dell’ultimo minuto e ritrovarsi in situazioni che non avevano previsto in precedenza. Si tratta di momenti dall’alto tasso di coinvolgimento, sia da un punto di vista visivo (nel modo in cui vengono trattate le immagini) sia emozionale, visto che sono le occasioni attraverso cui vengono costruiti e sviluppati i caratteri dei personaggi.

Ognuna di queste interruzioni, però, consente a Nolan di assegnare a questi luoghi inesplorati una funzione narrativa che va oltre la pura spettacolarità visiva. Il pianeta di Miller, un’immensa distesa d’acqua senza terraferma, rende concreto (anche attraverso il sonoro) il peso dello scorrere del tempo e delle sue conseguenze irreversibili; quello di Mann sposta il conflitto sul piano umano introducendo tematiche profondamente attuali come la solitudine e l’egoismo in un momento in cui è l’unione a far la forza; Gargantua rappresenta il limite estremo del viaggio, il punto in cui spazio e tempo convergono fino a diventare un qualcosa di tangibile. Come in ogni travel movie che si rispetti, i luoghi attraversati devono svolgere un ruolo narrativo e fornire allo spettatore gli elementi necessari per comprendere il peso di ogni situazione vissuta.

Ma allora, cosa si può imparare guardando Interstellar? Sono due gli elementi che mi sento di sottolineare e che sono stati gestiti da Nolan in maniera ottimale per tutta la durata del film. Il primo riguarda il modo in cui rendere credibile una vicenda così distante dalla realtà e dalla nostra quotidianità. Nolan costruisce tutto il film intorno a concetti fisici molto complessi come anni luce, la teoria della relatività di Einstein e il concetto di wormhole. La scelta azzeccata è stata quella di non costruire tutta la narrazione intorno alla dimensione puramente scientifica della missione: al contrario, le conseguenze delle azioni vengono sempre tradotte sul piano umano, dando allo spettatore un punto di riferimento emotivo a cui aggrapparsi. Ad esempio, il tempo trascorso diventa concreto attraverso i videomessaggi ricevuti sull’astronave, mentre il destino dell’umanità viene ricondotto anche al rapporto sempre più sfilacciato tra un padre e una figlia.

Il secondo insegnamento riguarda un lato più tecnico e, in particolare, l’utilizzo del sonoro. Nolan dedica sempre a questo elemento un’attenzione particolare e qui il lavoro di sound design permette di creare un coinvolgimento veramente totale: il silenzio assoluto al momento dell’incidente dell’Endurance (un suono diegetico, vista la mancanza di ossigeno nello spazio) e il suono cadenzato delle gocce che scandisce la permanenza sul pianeta di Miller (ogni ticchettio rappresenta un giorno passato sulla Terra), uniti alla musica originale di Hans Zimmer, sono solo due esempi di come il sonoro, o la sua completa assenza, rappresenti un valore fondamentale nella percezione una determinata scena.

Perciò, rispetto alla rude imbarcazione vista in Kon-Tiki, sono cambiati i mezzi e le tecnologie a disposizione, ma il concetto è pressoché lo stesso. Con Interstellar, ci troviamo davanti a un altro esempio di come il viaggio, anche allontanandosi dalla vita quotidiana, debba mantenere sempre un legame emotivo con chi sta guardando, perché altrimenti tutta questa grandezza rischia solo di diventare una spettacolarizzazione fine a se stessa. Christopher Nolan non cade in questo tranello e riesce a rendere vicino a noi qualcosa di infinitamente lontano e a tratti fantastico. Ed è forse questo che, proprio come The Odissey, consente a certe storie di diventare parte dell’immaginario collettivo delle persone.

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Regia di Christopher Nolan
Scritto da Jonathan Nolan, Chris Nolan
Fotografia di Hoyte van Hoytema
Montaggio di Lee Smith
Musiche di Hans Zimmer

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Sono trascorsi 30 anni. Di acqua ne è passata sotto i ponti, di strade ne sono state attraversate, di storie ne sono state sentite e di emozioni ne sono state provate. Sono state fatte viaggiare tantissime persone direttamente dal divano di casa propria. Dal 1995 Overland non ha mai smesso di attraversare il mondo e di raccontarlo attraverso le proprie spedizioni, diventando uno dei programmi italiani dedicati ai viaggi più longevi e riconoscibili della TV. Sono passati tre decenni e in tutti questi anni sono cambiate moltissime cose: i mezzi, le tecnologie, il modo di viaggiare e di scoprire luoghi lontani, oggi raggiungibili con pochi tocchi sullo smartphone.

Ancora oggi la serie continua a farci partire, almeno con l’immaginazione, verso i luoghi più remoti del nostro pianeta e per questo cogliamo al volo l’occasione di questo anniversario per tornare indietro con la memoria e riscoprire che cosa ha reso celebre questo progetto unico nel suo genere. Ma soprattutto, per capirein che modo sia riuscito a evolversi insieme al mondo che intendeva raccontare, senza perdere quella curiosità verso la scoperta e quella spensieratezza quasi infantile che hanno sempre contraddistinto la serie e i suoi protagonisti.

Overland è un progetto che nasce dalla mente di Beppe Tenti e arriva in televisione a partire dal 1996 con la mitica spedizione on the road Roma-New York. Da quel momento in poi, il programma ha preso gli spettatori e li ha portati mano nella mano in giro per il mondo senza mai smettere di viaggiare: nel 2026 si arriva all’edizione numero 26, con oltre 600.000 chilometri percorsi e, come dice il sito ufficiale del programma, 466 frontiere attraversate. Numeri che restituiscono solo in parte le dimensioni di un progetto diventato negli anni uno dei simboli italiani per quanto riguarda il racconto di viaggio. Andato in onda su Rai 1, e da quest’anno su Rai 3, oggi potete trovare disponibili in streaming su RaiPlay le stagioni che vanno dal 2018 al 2026. Per recuperare le edizioni che non sono presenti in streaming, sullo shop ufficiale del programma sono disponibili diversi cofanetti in formato DVD, compreso uno dedicato alle prime sei magiche stagioni.

L’idea alla base è semplice: recuperare il significato più autentico del viaggio over-land (letteralmente “via terra”), attraversando e vivendo i territori anziché considerarli come semplici destinazioni da raggiungere. Non si tratta di mostrare di mostrare destinazioni lontane per creare stupore o realizzare un programma turistico: l’obiettivo, di Beppe Tenti prima e del figlio Filippo dopo, è costruire un ritratto a 360° dei luoghi e delle culture che popolano i diversi angoli del pianeta attraverso un “diario televisivo”, come lo descrivono loro stessi, lasciando spazio già dal principio all’imprevisto e all’ignoto. Il succo di ogni puntata è sì l’avvicinamento alla meta finale, ma soprattutto imparare a conoscere il territorio che si sta attraversando.

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La serie è stata comunque in grado di variare il tema che la sostiene, così da non invecchiare nel corso del tempo e restare sempre aggiornata negli anni. Nei primi anni di trasmissione, le spedizioni si caratterizzavano per lo più come grandi attraversamenti geografici unici nel loro genere, da Roma a New York fino alla Via della Seta e all’Africa, e puntavano soprattutto sulla dimensione mondiale e mai vista prima dell’impresa, sulle enormi distanze raggiunte e sulle difficoltà affrontate lungo il percorso.

Con il tempo, vista la possibilità sempre maggiore anche per gli spettatori di viaggiare in lungo e in largo e di vedere luoghi remoti attraverso nuovi mezzi e nuove tecnologie, la serie ha dovuto cambiare leggermente rotta. Il viaggio è diventato non più soltanto il focus, ma il mezzo con cui entrare in contatto con le popolazioni, comprenderne le culture e raccontarne le realtà sociali, spesso filtrate o distorte dai preconcetti occidentali. Nel 2022, a dimostrazione di questa nuova direzione, è nato il format originale Il mondo con gli occhi di Overland, un’evoluzione che dichiara apertamente questo cambio di registro:

La nuova missione è tra le più ardue da realizzare: stravolgere i preconcetti, radicati nella visione occidentale, su Nazioni famose solo per gli avvenimenti negativi che attanagliano la loro Storia. In che modo? Nel puro stile di Overland: viaggiando nelle loro terre, mostrando il loro vero volto e dando voce alla loro gente…

[Sito ufficiale di Overland]

Trattare questa storica serie tutta italiana proprio nel suo trentesimo compleanno significa, innanzitutto, consigliare di continuare a vedere una pietra miliare del racconto per immagini legato al mondo travel in Italia. Negli anni Novanta, vedere territori remoti come la Siberia o l’Alaska significava affidarsi alle immagini riportate a casa da spedizioni come queste, le uniche capaci di mostrare luoghi per molti difficili anche solo immaginare. E non solo per una questione tecnologica: alcuni territori erano ancora molto più complessi da raggiungere e da raccontare rispetto a oggi. Basta pensare alla prima storica spedizione con i camion arancioni da Roma a New York, che attraversava anche la Russia e la Siberia pochi anni dopo la fine della Guerra Fredda. Oggi, invece, possiamo osservare quasi ogni luogo del pianeta in pochi click attraverso i nostri cellulari e, in questo senso, riscoprire Overland rappresenta un’opportunità per capire come sia cambiata la funzione stessa delle immagini di viaggio: da stupire lo spettatore mostrandogli luoghi che difficilmente avrebbe potuto vedere, a cercare un punto di vista capace di aiutarlo a comprendere davvero quello che sta guardando.

Un altro motivo per cui siamo ancora qui a parlarne è il fatto che si tratta di un progetto nato, in primis, da un modo personale di vivere il viaggio. Non nasce dalla semplice volontà di mostrare dei luoghi splendidi alle altre persone, ma da una vocazione personale all’avventura: Beppe Tenti arriva al progetto dopo anni e anni trascorsi tra trekking, spedizioni e grandi sfide, iniziando solo dagli anni Ottanta ad affiancare a queste esperienze anche il racconto televisivo, fino ad arrivare in un secondo momento a dare vita al programma. Si tratta quindi di viaggi nati prima come esperienze reali e solo successivamente trasformati in racconto, mossi da una curiosità a tratti infantile verso ciò che si trova dall’altra parte della strada.

A questo punto la domanda è spontanea: come fa a funzionare ancora oggi una formula nata 30 anni fa? Probabilmente la risposta sta nel fatto che parta da un’idea narrativa molto semplice, ma potenzialmente variabile all’infinito. Scegliere una direzione, mettersi in viaggio e farsi travolgere dalla spensieratezza per scoprire cosa accade davvero nel mezzo. Ogni nuova destinazione porta automaticamente i protagonisti e lo spettatore in un nuovo luogo del mondo, a contatto con persone sempre nuove, problematiche da affrontare e situazioni impossibili da prevedere prima di viverle. La forza della serie non risiede solo nei racconti dei luoghi che vengono raggiunti, ma nell’essere stata in grado di costruire un contenitore tanto solido e aperto alle contaminazioni reali da poter accogliere sempre nuove avventure.

Ma una forma replicabile non basta a garantire il successo di un prodotto seriale per così tanto tempo. Servono anche elementi che permettano alla serie di costruirsi un’identità riconoscibile, in grado di guidare lo sguardo e di far dire: “Ah, ma questa è una puntata di Overland!”. L’immaginario dei mitici camion arancioni delle origini, la centralità del viaggio via terra, l’attraversamento fisico e le delucidazioni storiche sui territori e, naturalmente, la presenza costante della famiglia Tenti rappresentano gli elementi di continuità tra spedizioni lontanissime tra loro. Un filo conduttore che si ritrova anche nella struttura di ogni singola puntata, caratterizzata da elementi ricorrenti ben precisi e destinati a ripetersi: la sigla con la mappa che illustra l’itinerario da compiere, il racconto in prima persona che scandisce le tappe del viaggio, l’immancabile imprevisto da superare lungo la strada che crea engagement con il pubblico e la parentesi, soprattutto nella “seconda vita” del programma, dedicata ai progetti di solidarietà e cooperazione che accompagnano le spedizioni.

Un’altra caratteristica fondamentale nella costruzione di Overland riguarda la modalità di accesso ai territori. Beppe e Filippo svolgono il ruolo di viaggiatori-presentatori che introducono ciò che vediamo, ma sono in realtà molto di più. Rappresentano il punto di contatto tra il viaggio e lo spettatore: vivono l’avventura in prima persona, affrontano gli inconvenienti, sopportano ore di viaggio e sono anche coloro che fanno domande alle persone incontrate lungo il percorso e contestualizzano, storicamente e culturalmente, i luoghi in quel preciso momento storico. Una scelta che permette di vivere il viaggio dall’interno, ancor di più nelle stagioni recenti con Filippo, che ricopre contemporaneamente le mansioni di regista, autore, capospedizione e conduttore, concentrando nella sua figura esperienza, modalità di racconto e punto di vista sui luoghi.

Se intendi realizzare una serie dedicata ai tuoi viaggi, quello che puoi imparare è l’importanza di costruire un progetto con una forte identità di base, tale da essere riconoscibile, ma al tempo stesso abbastanza elastica da poter essere modificata per stare al passo con i tempi senza perdersi per strada. Possono cambiare le destinazioni e il linguaggio utilizzato, ma il punto di vista con cui osserviamo il mondo e le motivazioni che ci spingono a metterci in viaggio devono rimanere chiari. In questo caso significa tenere al centro la curiosità verso l’ignoto, l’attraversamento su strada dei territori e l’apertura ad affrontare gli imprevisti. Perciò non basta trovare luoghi interessanti da filmare: bisogna trovare un modo personale e riconoscibile per entrarci in contatto.

Ed è qui, forse, che sta il succo di Overland. Non attraversa semplicemente dei luoghi, ma prova a dialogare con essi. Gli oltre 600.000 chilometri percorsi e le 466 frontiere attraversate raccontano certamente la grandezza del progetto, ma ancora di più impressiona la capacità di essere riuscito a cambiare il proprio modo di raccontare il mondo mentre quello stesso mondo cambiava sotto i suoi occhi. Dalle grandi traversate della Siberia alla volontà contemporanea di comprendere e dare voce a culture spesso raccontate soltanto attraverso preconcetti e fatti di cronaca, le avventure della famiglia Tenti continuano a ricordarci come viaggiare possa rappresentare molto più che visitare un nuovo Paese. Significa continuare ad avere curiosità verso ciò che non conosciamo. Ed è per questo che, trent’anni dopo, Overland non smette di farci andare in giro per il mondo ancora a partire.

GUARDA OVERLAND SU RAIPLAY

Regia di Beppe Tenti, Filippo Tenti, Gigi Ceresa, Roberto Pinnelli
Ideato da Beppe Tenti
Prodotto da Overland Network SRL
Musiche di Andrea Fedeli

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Partire per due giorni di svago, per staccare dalla normalità schiacciante di tutti i giorni e vedere la propria vita cambiare per sempre. Può bastare un solo evento improvviso per ribaltare completamente le carte in tavola e trasformare quello che era un fine settimana di piacere in un viaggio capace di far riscoprire una libertà prima impensabile. Sono passati 35 anni, ma Thelma & Louise di Ridley Scott (1991) continua ancora oggi a non perdere nemmeno un briciolo della sua potenza esplosiva e folgorante. Fin dalla sua uscita, l’avventura vissuta dalle due amiche interpretate da Geena Davis e Susan Sarandon rappresenta uno degli esempi più efficaci di utilizzo anticonvenzionale del viaggio, trasformato da semplice evasione in un percorso di autoaffermazione personale e sociale. Oggi potete guardarlo comodamente in streaming su MUBI e i motivi per cui rappresenta un film imprescindibile sono diversi. Ma andiamo per gradi.

Thelma è una casalinga intrappolata in un matrimonio soffocante, mentre Louise è una cameriera pragmatica, decisa e intraprendente. Le due amiche decidono di partire per un weekend lontano dalla normalità a bordo della loro Thunderbird decappottabile, ma la prima sosta in un locale notturno cambia completamente i loro programmi: dopo il tentativo di stupro subito da Thelma, Louise spara e uccide l’aggressore. Convinte che la polizia non avrebbe mai creduto alla loro versione dei fatti, decidono di fuggire verso il Messico, attraversando i paesaggi del West americano e scoprendo progressivamente quanto quella fuga rappresenti, in realtà, tutto ciò che non hanno mai avuto.

Il viaggio in Thelma & Louise rappresenta il principale strumento di emancipazione femminile e, allo stesso tempo, il terreno su cui costruire una critica alla società americana patriarcale. Il weekend tra amiche, nato proprio per allontanarsi dalla normalità, finisce paradossalmente per metterle ancora più a contatto con quella stessa realtà tossica e misogina (ben rappresentata, fin dall’inizio, dal marito di Thelma) dalla quale stanno cercando di prendere le distanze. Ma è proprio il modo in cui affrontano gli ostacoli e reagiscono alle situazioni in cui si ritrovano a mostrare loro una possibilità di decidere il proprio destino, grazie a un raggio di azione che fino a quel momento era rimasto, soprattutto per Thelma, fortemente limitato.

Ed è l’avanzare stesso del viaggio, insieme alle conseguenze che produce sulle due protagoniste, a mettere gradualmente in secondo piano la destinazione. Il Messico rimane formalmente l’obiettivo da raggiungere, ma smette poco alla volta di essere il vero centro del racconto, trasformandosi soprattutto in un motivo per continuare a stare sulla strada e non fermarsi. Anche lo spettatore finisce quasi per dimenticare dove stiano cercando di arrivare, perché sono le stesse due protagoniste a comprendere gradualmente che il vero punto d’arrivo del viaggio non coincide con una destinazione fisica. Continuare ad avanzare diventa così più importante che arrivare, perché è proprio nel movimento continuo che sperimentano quella libertà che la loro vita precedente non aveva mai concesso loro.

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Quello che stupisce guardando il film è il fatto che lo spettatore riesce sempre a parteggiare per le due ragazze. Nonostante le loro azioni diventino via via sempre più gravi (omicidio, rapina a mano armata, minacce a un poliziotto ed esplosione del camion) la sceneggiatura è scritta in maniera tanto accurata (premio Oscar) da permetterci di comprenderne continuamente le motivazioni. Thelma e Louise sono delle anti-eroine che agiscono in maniera estrema all’interno di un contesto che rende comprensibili le loro scelte, ed è proprio questo a evitare che il film si trasformi in un’accozzaglia di crimini. A differenza di un film come Gangster Story (Bonnie e Clyde, 1967), le protagoniste non ci vengono presentate come criminali per natura, ma come due ragazze normalissime che arrivano a compiere azioni estreme come ultimo atto per reagire alle ingiustizie subìte fino a quel momento.

Per rendere credibile questa evoluzione, il film costruisce intorno alle protagoniste un contraltare altrettanto forte. Personaggi come Darryl, Harlan, J.D. (un giovane Brad Pitt) e il camionista rappresentano diverse forme di controllo, abuso, manipolazione e misoginia, tutte sfaccettature che contribuiscono a rendere ancora più comprensibile la ribellione delle due donne. Però non si può ridurre Thelma & Louise solo a uno scontro tra “uomini cattivi e donne buone”, dato che un briciolo di speranza nel sesso maschile sta nel personaggio di Hal (il detective incaricato di ricercarle), uno dei pochi personaggi maschili (se non l’unico) capace di mostrare una reale empatia nei loro confronti e, soprattutto nel modo in cui cerca di comprendere Louise, una sensibilità che lo distingue di netto dagli altri uomini incontrati a lato della strada.

Il motivo principale per cui il film funziona sta proprio nel costante equilibrio tra elementi tra loro contraddittori. Le azioni delle protagoniste diventano man mano sempre più gravi, ma al tempo stesso aumenta l’empatia dello spettatore perché ne comprendiamo le motivazioni; la loro condizione di fuorilegge diventa sempre più irreversibile e, contemporaneamente, cresce la sensazione di libertà e l’idea che per la prima volta possano sentirsi padrone delle proprie vite. Da semplici criminali, le due vengono così trasformate in anti-eroine che il viaggio plasma progressivamente, senza però mettere in scena un vero e proprio ribaltamento dei ruoli.

Il tempo trascorso sulla decappottabile e il confronto con un mondo prevalentemente maschile permettono infatti alle due di contaminarsi a vicenda. Thelma, partita timorosa, insicura e ingenua, acquisisce a poco a poco un’autonomia e una determinazione che inizialmente sembravano appartenere soprattutto all’amica; Louise, al contrario, mantiene quasi sempre la propria capacità di giudizio e di iniziativa, ma lascia emergere una fragilità che nelle prime fasi del film sembrava riuscire a tenere sotto controllo, facendo intuire anche quanto il suo atteggiamento da ”dura” fosse in realtà una corazza per nascondere delle ferite passate. Il momento decisivo in cui i loro caratteri iniziano a fondersi arriva dopo il furto dei soldi da parte di J.D.: un nuovo evento scatenante che porta Thelma a prendere per la prima volta davvero l’iniziativa, mentre Louise subisce il contraccolpo emotivo (quasi l’opposto di quanto avvenuto all’inizio con l’omicidio di Harlan).

Anche a livello di costruzione, il film presenta un meccanismo a incastro perfetto, in cui ogni evento interviene in maniera attiva nell’effetto farfalla scatenato dall’omicidio iniziale. Da quel momento, il film prosegue attraverso una successione di conseguenze nate da questo o da quest’altro crimine, cosicché il livello di rischio percepito dalle due ragazze sia sempre maggiore e il film si faccia sempre più incalzante. Questa escalation continua, fino all’ultimo e iconico frame, fa sì che il film si discosti molto presto dall’essere considerato una semplice avventura on the road, passando in maniera naturale dal buddy movie al road movie più classico, fino a incorporare elementi crime e addirittura western (pistole, cappelli, canyon). A sostenere questo cambio di registro continuo è il modo in cui la narrazione decide di mostrare il viaggio delle due protagoniste al fianco dell’indagine che sta compiendo la polizia per ritrovarle, contribuendo a mostrare i due punti di vista e a mantenere quella tensione tipica di un buon chase movie.

Registicamente parlando, una delle caratteristiche più evidenti è il contrasto tra gli spazi chiusi dell’inizio del film e gli spazi aperti che caratterizzano il viaggio. Inizialmente, le due amiche ci vengono presentate all’interno di una situazione soffocante: Thelma all’interno di una casa dominata dall’autorità tossica del marito, Louise nel lavoro e confinata nella cucina della tavola calda. Due spazi ristretti che diventano la rappresentazione visiva di una condizione femminile costantemente sottoposta a una forma di autorità maschile, fatta di obblighi, preclusioni e isolamento.

Con l’inizio della fuga, invece, lo sguardo della macchina da presa si apre sul paesaggio e accompagna le protagoniste attraverso strade, deserti e canyon enormi, ampliando progressivamente lo spazio che esse possono attraversare e abitare. La conquista di questi nuovi spazi di movimento, ancor prima delle loro stesse azioni, costituisce già un primo affronto nei confronti di una società che ha sempre assegnato loro luoghi e ruoli ristretti e prestabiliti, precludendo la possibilità di vivere quella libertà di movimento tradizionalmente concessa agli uomini. L’allontanamento fisico diventa così anche una conquista dello spazio fisico e, attraverso di esso, della libertà che ne consegue. Ridley Scott sfrutta per questo motivo i campi larghi per far parlare il paesaggio e trasformarlo in una componente attiva del viaggio, alternandoli con i numerosi primi piani sui volti delle protagonisti mentre sono a bordo dell’auto per permettere di seguire la loro evoluzione emotiva. Visivamente, queste due scelte permettono al film di diventare sempre più aperto proprio mentre le possibilità di fuga si fanno sempre più risicate.

Non è solo con queste tipologie di inquadrature che viene tradotta la loro conquista di autonomia, ma anche da un punto di vista iconografico e materiale. Innanzitutto, l’acquisizione degli spazi maschili si mostra con una progressiva appropriazione di oggetti solitamente associati a un genere “al maschile” come il western, con pistole, cappelli e viaggi nel deserto che entrano sempre più a far parte del raggio d’azione delle due protagoniste. Ma anche al genere del road movie stesso, spesso associato a due protagonisti uomini (esempio lampante è Easy Rider). Insieme a questo, durante il viaggio avviene anche una trasformazione visiva e stilistica che passa attraverso l’abbandono di oggetti legati al loro passato, soprattutto a quegli stereotipi di femminilità domestica come rossetti, anelli, gioielli e specchi. Questi oggetti, prima utilizzati per conformarsi alle aspettative di genere, durante la loro avventura vengono buttati via o scambiati (come l’orologio di Louise) con altre persone incontrate per strada, facendo sì che la trasformazione di Thelma e Louise passi non solo attraverso ciò che fanno, ma anche con ciò che si lasciano alle spalle.

Thelma & Louise offre moltissimi spunti di riflessione per chi vuole utilizzare il viaggio come strumento principale della narrazione. In primo luogo, un fattore che teniamo a sottolineare è l’importanza di far coincidere forma e contenuto. Non è solo la sceneggiatura a contribuire alla trasformazione emotiva e comportamentale delle protagoniste, ma è anche il modo in cui vengono filmate a sottolineare quanto non viene detto: il viaggio fa allargare gli spazi, cambiare i costumi e abbandonare gli oggetti della vita precedente, mettendo al centro la loro neonata possibilità di compiere scelte autonome. Questo significa ricordarsi che ogni elemento anche secondario della narrazione, come un accessorio, un gesto o il modo in cui viene occupato lo spazio, può giocare un ruolo centrale nella costruzione dei personaggi.

Il secondo fattore da tenere a mente è il controllo dell’escalation narrativa. Più la fuga prosegue, più il film aumenta il livello di rischio, senza però risultare mai posticcio o macchiettistico. Il merito di ciò sta soprattutto nella scrittura splendida che regge tutto il film, perché ogni nuova situazione nasce armoniosamente da quella precedente e non risulta mai fuori rotta rispetto al progredire degli eventi. La corretta gestione e presentazione degli eventi rappresenta un principio cardine del travel storytelling: incontri, deviazioni, imprevisti funzionano davvero quando nascono in maniera naturale e producono un effetto diretto nel proseguio della storia. Si tratta di una lezione valida per qualsiasi racconto di viaggio, Questo vale per ogni racconto di viaggio, dal più lineare al più fantasioso.

In fin dei conti, è proprio grazie alla fluidità con cui procede la parabola di Thelma e Louise che lo spettatore comprende la vera essenza del loro percorso. Non si tratta tanto di raggiungere il Messico, quanto di sottrarsi a una società che non ha mai permesso loro di essere libere e che le ha costrette ad agire in questo modo. Chilometro dopo chilometro, emerge come il vero viaggio coincida in realtà con un graduale e inarrestabile rifiuto dei ruoli imposti loro dalla società. La decapottabile che sfreccia sull’asfalto offre alle due amiche una possibilità di essere libere talmente profonda da rendere inimmaginabile un eventuale ritorno a quella vita. E il salto finale nel vuoto ne è la rappresentazione più assoluta.

GUARDA THELMA & LOUISE SU MUBI

Regia di Ridley Scott
Scritto da Callie Khouri
Fotografia di Adrian Biddle
Montaggio di Thom Noble
Musiche di Hans Zimmer

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