Siamo nell’estate che segue la fine della scuola, in quel momento della vita in cui il mondo sembra essere ai nostri piedi e ci appare governabile grazie alla nostra voglia di vivere e divertirci. Ma è anche l’inizio di una stagione destinata a mettere in discussione molte delle certezze costruite fino a quel momento: le amicizie, i rapporti sentimentali e perfino l’immagine che abbiamo di noi stessi.

Per celebrare la fine di questa prima fase della vita, almeno scolastica, molti ragazzi scelgono di partire per un viaggio di puro divertimento. Lo stesso fanno (o forse speravano) Julio e Tenoch in Y tu mamá también (Anche tua madre), road movie diretto nel 2001 dal maestro messicano Alfonso Cuarón. Al centro del film c’è un viaggio verso un luogo remoto ed esotico fantasticato dai due giovani per fare i galli del pollaio davanti a una donna più grande di loro. Quella che era una partenza improvvisata, proposta all’inizio come puro atto goliardico, si rivelerà molto più realistica e densa di significato rispetto a quanto avevano previsto, portandoli in una situazione nella quale le maschere machiste con cui hanno affrontato il mondo perderanno la propria efficacia. Ma andiamo per gradi.

Città del Messico. Julio e Tenoch sono due amici inseparabili che trascorrono le giornate tra battute oscene, alcol, marijuana e il personalissimo codice dei Charolastras, undici strambe regole che dovrebbero sancire l’indistruttibilità del loro rapporto. Rimasti soli per l’estate dopo la partenza delle fidanzate per un viaggio in Italia, i due fanno la conoscenza di Luisa, una donna spagnola più grande di loro e moglie del cugino di Tenoch. Spinti dalle proprie fantasie sessuali, le propongono un insperato viaggio verso la Boca del Cielo, una spiaggia paradisiaca di cui non conoscono né la posizione né l’effettiva esistenza. Inizialmente Luisa rifiuta, ma dopo aver scoperto il tradimento del marito, decide di accettare. Presi da un’euforica agitazione, Julio e Tenoch raccolgono qualche informazione sulla possibile destinazione e iniziano con lei un road trip attraverso il Messico.

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Non staremo qui a ripetere tutto ciò che è già stato scritto su questo capolavoro. Molti ricordano Y tu mamá también per la rappresentazione esplicita della sessualità e per il ruolo di primo piano che questa assume nel passaggio dall’adolescenza all’età adulta, richiamando giustamente il genere del coming-of-age, che trova nel road movie uno dei propri habitat naturali (vedi Stand by me). Quel che interessa a noi, dal punto di vista di chi ama il racconto di viaggio, è che il film di Cuarón merita di essere recuperato perché mostra come la strada non debba necessariamente trasformare radicalmente i suoi protagonisti, ma come possa mettere a nudo i limiti del modo in cui vedono loro stessi e il mondo. Il viaggio non consegna a Julio e Tenoch una nuova identità; li porta in una situazione in cui devono affrontare il loro modo di vivere la realtà.

A far funzionare il film è il modo in cui Cuarón traduce questo concetto nella messa in scena. Y tu mamá también racconta la fine delle illusioni giovanili, senza rinunciare alla leggerezza dei suoi protagonisti e senza trasformarsi improvvisamente in un dramma introspettivo che si troverebbe sconnesso al tono iniziale. Julio e Tenoch continuano per quasi tutto il film a scherzare, bere, fumare, parlare ossessivamente di sesso e contendersi l’attenzione di Luisa. Ma il tocco magico del regista sta nell’osservare i loro comportamenti in maniera distaccata, senza lodarli o condannarli. Lascia che a parlare siano loro due e che quelle stesse azioni goliardiche che li contraddistinguono, una volta confrontate con le proprie conseguenze, inizino ad assumere naturalmente un peso differente. La goliardia rimane il linguaggio della loro amicizia, ma il viaggio mette a nudo come non sia sufficiente ad affrontare una realtà che prende una direzione imprevista.

Luisa, in questo senso, rappresenta il perfetto contraltare dei due giovani. Comprende che dietro il racconto di Boca del Cielo si nasconde soprattutto il loro desiderio di sedurla, quasi fosse una conquista da esibire agli amici, ma nonostante ciò decide comunque di partire al loro fianco. Lo fa non tanto per assecondare passivamente la loro fantasia sessuale, ma per rivivere la brezza della gioventù e per riprendere in mano quella libertà che le era mancata a fianco del marito. Più adulta e navigata di Julio e Tenoch, Luisa porta con sé un vissuto che i due ragazzi non possono nemmeno intuire, e una consapevolezza, rivelata solo più avanti, che rende la sua urgenza di vivere ogni istante tutt’altro che un capriccio passeggero. Sono due motivazioni diverse che si ritrovano a compiere un viaggio insieme: Julio e Tenoch cercano un’avventura erotica da inserire nel proprio immaginario goliardico, mentre Luisa cerca uno spazio nel quale tornare a scegliere e vivere liberamente, per sé stessa. Allora la sua presenza non rappresenta solo l’elemento esterno alla coppia di amici che ne altera l’equilibrio, ma un personaggio con un percorso autonomo e una consapevolezza della vita profondamente diversa dalla loro che aiuterà i personaggi a raggiungere la maturazione.

Maturazione che passerà attraverso le conseguenze delle loro scelte. Questo perché gli effetti dell’esperienza da loro tanto cercata finiscono poi per rivelarsi opposti a quelli previsti. Quando la fantasia dei ragazzi comincia a concretizzarsi, la felicità e la complicità che Julio e Tenoch pensavano di ricavarne lasciano spazio alla competizione e alla gelosia. Perciò, la strada e la presenza di Luisa non generano dal nulla le fragilità della loro amicizia, ma creano le condizioni tali da metterla in crisi per sempre. E questo si ritorce anche nell’idea che loro stessi avevano della libertà, perché gli elementi che inizialmente sembravano rappresentarla (sessualità sfrenata, alcol e droghe) da manifestazioni della goliardia quali erano all’inizio si trasformano in strumenti che mostrano i limiti dei ragazzi. Pensateci bene: loro si considerano liberi rifiutando le regole degli adulti, ma finiscono per sostituirle con un sistema altrettanto rigido, fondato sulla virilità ostentata, sulla competizione e sul loro codice di amicizia. Sono capaci di abbandonarsi finché qualcosa sfugge al loro controllo. Ed è nel momento in cui ciò succede che si mostrano per quello che sono: dei ragazzi un po’ spavaldi che non possiedono ancora gli strumenti per affrontare le vere difficoltà personali.

Ben diversa è la libertà di Luisa, che sceglie di lasciarsi attraversare dalle esperienze accettandone la precarietà e le conseguenze. Avendo vissuto nella vita situazioni molto complicate, e dopo la recente “mazzata” del tradimento, comprende nel corso del viaggio la necessità di godersi con assoluta spensieratezza un’esperienza per lei irripetibile. Quindi, la sua celebre frase, «la vita è come la schiuma, per questo bisogna abbandonarsi come il mare», non è un banale invito a divertirsi, ma l’espressione di una consapevolezza più profonda del tempo che passa e della fine delle cose. Il film mette così a confronto due modi differenti di intendere la libertà: da una parte quella ancora difensiva ed esteriorizzata dei Charolastras, dall’altra la capacità di vivere e interiorizzare il presente senza pretendere di controllarne gli effetti.

È per la capacità di tenere insieme questi elementi che consigliamo un film libero, esplicito e irriverente come Y tu mamá también. Cuarón riesce inoltre a costruire un road movie intimo e al tempo stesso collettivo, perché guarda sia ai personaggi principali che (soprattutto) all’influenza del contesto sociale e culturale che li circonda. Questo sguardo verso il Messico e i messicani si mostra soprattutto nelle scene di spostamento in auto, dato che il regista, scrivendo il film insieme al fratello Carlos, si rese presto conto che la premessa di due adolescenti in viaggio con una donna più grande rischiava di ridursi a una semplice commedia voyeuristica. Per darle maggiore profondità, decisero di esplorare il modo in cui il contesto sociale definisce i personaggi e, contemporaneamente, il modo in cui i personaggi rivelano quel contesto: Cuarón voleva abbandonare il punto di vista soggettivo dei suoi film precedenti (hollywoodiani) per conoscere i protagonisti attraverso il mondo nel quale si muovono. E gli strumenti con cui opera questo superamento sono due: la voce narrante onnisciente e un tracking shot che ad un certo punto si disinteressa dei personaggi.

Quando interviene il narratore, il sonoro della scena scompare improvvisamente e il film si distacca dall’esperienza immediata di Julio, Tenoch e Luisa. Lo spettatore viene momentaneamente sottratto al coinvolgimento emotivo e spinto a osservare criticamente ciò che le immagini stanno mostrando (un po’ come il teatro di Brecht). La voce racconta persone che i protagonisti incrociano senza notarle, dà voce alle città e alle strade attraversate, riporta in primo piano le tensioni politiche e sociali presenti ai margini della loro avventura e, in altri momenti ancora, entra nella sfera intima dei ragazzi rivelando segreti e insicurezze che contrastano con la sicurezza ostentata dal loro comportamento. Non ha ruolo descrittivo: aggiunge informazioni che le immagini non possono e i personaggi non vogliono far conoscere agli altri.

In questa operazione di “allontanamento”, anche la regia contribuisce notevolmente e lo fa attraverso un movimento di macchina in particolare, riproposto più volte nel corso del film. In alcune scene vediamo la macchina da presa seguire uno o più dei protagonisti, per poi proseguire nel suo movimento fluido e dimenticarsi di loro, ponendo l’attenzione su elementi che di primo impatto potevano sembrare superficiali. Alcuni esempi di questo sono la signora che entra nel bar mentre loro parlano, seguita fino alla cucina in cui un gruppo di donne balla e cucina; il matrimonio che i tre protagonisti incontrano lungo il tragitto; i posti di blocco continui ai lati della strada. Ragionandoci sopra, è proprio un approccio molto vicino a quello del documentarista che osserva e interpreta.

Per chi racconta viaggi, quindi, l’insegnamento più interessante riguarda sicuramente l’uso della voce fuori campo, che non deve mai limitarsi a descrivere o spiegare ciò che le immagini già mostrano ma deve aprire il racconto verso ciò che resta invisibile: il passato e il futuro delle persone incontrate, la storia dei luoghi e delle tradizioni, le tensioni presenti ai margini del percorso e le storie che i viaggiatori, chiusi nella propria esperienza, non riescono a osservare. Il narratore non si sostituisce alle immagini: aggiunge ciò che i personaggi e le inquadrature non rivelano. Nel complesso, Y tu mama también ci ricorda ancora che il viaggio deve essere inserito in un mondo molto più vasto dello sguardo dei personaggi.

Regia di Alfonso Cuarón
Sceneggiatura di Carlos Cuarón, Alfonso Cuarón
Fotografia di Emmanuel Lubezki
Montaggio di Alfonso Cuarón, Alex Rodríguez

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Fotografare significa scrivere utilizzando la luce al posto di una penna. Dalla luce nasce ogni fotografia ed è imparando a controllarla, aspettarla e caricarla di un significato che un fotografo riesce a trasformare un puro risultato estetico in una storia. Ma fotografare, al tempo stesso, significa rendere visibile alle altre persone il nostro soggetto e, in un certo senso, dargli luce. Intorno a questo doppio significato ruota Racconti di luce (Tales By Light), la docu-serie prodotta da Canon e National Geographic disponibile su Netflix che pone lo spettatore davanti a una domanda fondamentale: può una fotografia mostrare non solo il mondo, ma anche un nuovo in cui lo guardiamo?

Racconti di luce (2015-2018) nasce da un progetto del filmmaker e direttore della fotografia Abraham Joffe (nome presente anche nel bellissimo Our Oceans) e ci porta mano nella mano negli angoli più splendidi del nostro pianeta attraverso gli occhi (e gli obiettivi) di alcuni tra i più famosi fotografi americani e australiani. Nel corso delle tre stagioni, composte da sei episodi ciascuna, cambiano continuamente i protagonisti dietro la macchina fotografica, i luoghi e i soggetti, ma rimane al centro la fragile bellezza del pianeta Terra e la convinzione che una foto o un video possano fare la differenza.

Lo spettatore segue un fotografo (o una coppia) durante una propria missione, sia essa umanitaria o ambientale, tra paesaggi remoti, sfruttamento minorile, bellezza naturali, animali tanto belli quanto in pericolo e comunità indigene. Il punto di vista con cui si osserva il mondo cambia in base al protagonista e all’obiettivo che intende raggiungere con i suoi scatti: le balene in Antartide, lo sfruttamento dei bambini in Bangladesh, i leoni e ghepardi del Kenya, la comunità Aborigena in Australia e la cultura dei Surma in Etiopia. Ogni episodio (dalla seconda stagione, ogni due) cambia soggetti e ambienti, ma centrale rimane la presenza del fotografo che ci guida alla scoperta della sua visione del mondo, del suo modo di lavorare e del suo modo di fare la differenza con la sua arte.

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Consigliamo di (ri)guardare questa magnifica docu-serie proprio perché non intende limitarsi alla semplice resa esteticamente straordinaria delle fotografie, ma vuole portarci dietro le motivazioni che portano alla loro realizzazione. Una caratteristica simile a quella vista in The Wild Ones, ma qui declinata in una maniera diversa dato che porta in primo piano il ruolo di un’immagine studiata e cercata nel minimo dettaglio. Nella serie originale Apple fotografia e video erano strumenti necessari per la riuscita di un progetto ben più ampio di ricerca e conservazione, mentre in Racconti di Luce è il processo creativo dei fotografi a diventare il focus della narrazione. Li seguiamo mentre cercano soggetti, scorci e momenti in grado di tradurre il loro messaggio in un’immagine. L’accesso al loro punto di vista permette di vedere una fotografia (o un video) non solo come una bella immagine, ma come un profondo punto di vista (tranquilli, vi lasciamo la lista dei fotografi in fondo insieme a ciò che vogliono comunicare con le loro immagini!).

La scelta di trasformare i fotografi da semplici osservatori a veri protagonisti rappresenta uno dei motivi per cui la serie risulta ben realizzata. Questo perché ci consente un ingresso privilegiato nelle motivazioni, nell’esperienze e nel significato che attribuiscono al loro lavoro. Jonathan e Angela Scott, ad esempio, dedicano la propria vita alla fauna africana e alla conservazione del Maasai Mara; Eric Cheng usa le sue fotografie subacquee per mettere in discussione la percezione negativa che l’uomo ha su certi animali; Dylan River riprende le tradizioni e lo stile di vita della popolazione Yolngu per preservarne storia, cultura e memoria. Senza farvi altri spoiler, quello che lo spettatore è un mosaico della nostra Terra.

Non stiamo ovviamente a negarlo. La straordinaria forza visiva di Racconti di luce è uno dei motivi per la serie risulta subito affascinante. Realizzate in 4K, le immagini ci vengono restituiti con una qualità tale da diventare istantaneamente la porta d’accesso al racconto del fotografo e al messaggio che intende trasmettere. Perciò, prima rimaniamo affascinanti da ciò che che vediamo, poi vogliamo comprenderne il significato. Una fotografia può parlarci in mille modi, purché abbia un punto di vista: ogni immagine può essere bella, ma quella potente riesce a comunicare anche quello che il fotografo intende comunicare.

Mescolando viaggio, natura, culture, avventura e questioni sociali, Racconti di luce costruisce così una tela in cui fotografie e video diventano un linguaggio universale, capace di condurci verso mondi e argomenti molto diversi tra loro, ma accomunati dalla volontà di mostrarci qualcosa da una prospettiva nuova.

Da un punto di vista narrativo, la serie sceglie una struttura verticale semplice e di grande impatto. Ogni storia è autoconclusiva e si sviluppa schematicamente nella stessa maniera: conosciamo il fotografo e le sue motivazioni, scopriamo il soggetto delle sue fotografie e infine lo seguiamo sul campo mentre realizza il suo progetto. Non c’è una trama orizzontale e ogni episodio può permettersi di cambiare radicalmente atmosfere, temi e tipologie di fotografia per portare lo spettatore dentro un nuovo angolo di mondo. Si tratta di una formula particolarmente adatta alla distribuzione internazionale, perché ogni storia può cambiar completamente protagonista e atmosfere, mantenendo al tempo stesso riconoscibile il concept della serie. Una logica che si avvicina a quella incontrata in Viaggi al rallentatore (dove Ludo e Gabri rimangono protagonisti mentre cambiano location e mezzo di trasporto).

L’accesso al “behind the scenes” del lavoro ci insegna che prima di domandarsi quale lente comprare, quale obiettivo utilizzare o dove posizionare la videocamere, bisogna capire cosa vogliamo effettivamente raccontare. Un luogo, un ritratto o un animale non diventano delle storie solo perché immortalati nella nostra immagine. Ci deve essere un’intenzione, qualcosa da cercare, mostrare, evidenziare, smentire. Non basta un’ottima tecnica o la macchina fotografica all’avanguardia, è il punto di vista a dare significato. Una volta individuato, bisogna trovare il modo più adatto per tradurlo in immagini, adattando tecnica e comportamento al soggetto con cui ci confrontiamo. Fotografare un animale nella savana richiede un approccio completamente diverso dall’incontrare un animale in acqua, così come riprendere un rito tribale è diverso dal documentare una problematica sociale. Bisogna partire prima dalla storia, poi partire con la macchina fotografica.

L’insegnamento più grande, però, va oltre il modo in cui realizziamo la fotografia. Riguarda ciò che quell’immagine può provocare quando viene diffusa e mostrata agli altri. I protagonisti usano la loro macchina fotografica per provare a smuovere la coscienza e i cuori delle persone, sensibilizzando il modo in cui viene percepito il mondo. Shawn Heinrichs utilizza le sue foto per mostrare la bellezza e la vulnerabilità della biodiversità marina di Raja Ampat, coinvolgendo attivamente le comunità locali nella sua protezione, mentre Art Wolfe, attraverso le foto delle culture indigene e dei loro ambienti, intende restituire visibilità a modi di vivere ancora legati profondamente al territorio. In questi (e in tutti gli altri) casi fotografare diventa un atto per conservare e far conoscere certe condizioni anche a chi vive dall’altra parte del mondo. Con la speranza di cambiare lo sguardo delle persone.

Il titolo Racconti di luce, allora, è qui che svela il suo duplice significato. Sì, è un riferimento al fatto che i fotografi utilizzano materialmente la luce per costruire le loro opere, ma attraverso quelle stesse immagini finiscono per “dare luce” ai soggetti che intendono raccontare. E c’è forse un’ultima forma di luce che attraversa la serie: la speranza. Anche quando racconta ecosistemi minacciati, culture da preservare o profonde problematiche sociali, Racconti di luce non adotta mai uno sguardo puramente disfattista, ma cerca di mostrare ciò che può ancora essere protetto, salvato o cambiato. Non viene denunciato soltanto ciò che non funziona, ma viene esaltato ciò per cui vale ancora la pena provare a fare la differenza.

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Non mi sono dimenticato… ecco la lista dei fotografi in ordine di apparizione!

1. Darren Jew - raccontare la potenza e la fragilità del mondo sommerso.

2. Richard l’Anson - raccontare culture, spiritualità e territori attraverso la fotografia di viaggio.

3. Krystle Wright - trasmettere l’adrenalina dell’avventura e il rapporto tra uomo e natura.

4. Art Wolfe - celebrare e preservare la diversità naturale e culturale del pianeta

5. Peter Eastway - raccontare la monumentalità e l’isolamento dei paesaggi più remoti.

6. Jonathan e Angela Scott - usare la fotografia come strumento di conservazione della fauna africana.

7. Eric Cheng - cambiare la percezione degli animali marini e dei predatori più temuti.

8. Stephen Dupont - raccontare con umanità la vita, la morte e le culture più fragili.

9. Simon Lister - rendere visibili le condizioni dei bambini più vulnerabili.

10. Shawn Heinrichs - mostrare la bellezza degli oceani per spingere le persone a proteggerli.

11. Dylan River - documentare e preservare la cultura delle comunità aborigene australiane

Per quale motivo deve esserci sempre una motivazione dietro delle azioni folli? Perché una persona non può decidere di partire in solitaria per il puro gusto di volersi distaccare dalle persone e godere della solitudine? Forse la motivazione migliore è quella più semplice e immediata: la voglia di partire e di camminare perché non ci si sente più (o non ci si è mai sentiti) “a casa”. Così si apparecchia il viaggio compiuto da Robyn Davidson, 25enne che a metà degli anni Settanta raggiunge Alice Springs per iniziare una sfida che ha dell’incredibile. Il suo obiettivo è quello di addestrare quattro cammelli e attraversare l’Australia fino all’Oceano Indiano, seguita solo da loro e dal proprio cane. Nessun record, nessuna sfida fisica da vincere o limite da superare, solo la volontà di immergersi nella purezza del deserto.

Questa è la storia reale trasposta al cinema nel 2013 in Tracks - Attraverso il deserto, dopo un primo tentativo di adattamento che avrebbe dovuto vedere Julia Roberts protagonista. Con la regia di John Curran e una grande Mia Wasikowska nei panni di Robyn, il film è tratto dall’omonimo memoir scritto dalla stessa Davidson e prende il via nel 1975, quando la protagonista arriva ad Alice Springs. Qui inizia a cercare lavori e un posto dove dormire, prima in un bar e poi nelle fattorie dei dintorni dove può imparare a gestire i cammelli con cui, il 9 aprile 1977, partirà per un percorso di circa 2.700 chilometri attraverso il deserto australiano insieme al cane Diggity. Una scelta estremamente personale, ispirata anche dalla figura del padre, che nel 1935 aveva attraversato l’Africa orientale.

Per realizzare l’impresa Robyn ha però bisogno di denaro ed è quindi costretta ad accettare un compromesso che sembra in parte snaturare il proprio obiettivo iniziale. Contatta il National Geographic, che decide di sostenere economicamente il viaggio in cambio della possibilità di raccontarlo sulla propria rivista attraverso le fotografie di Rick Smolan (Adam Driver), incaricato di raggiungerla saltuariamente in alcune tappe della traversata. Il loro incontro crea il paradosso su cui si fonda buona parte del film: lei introversa e intenzionata a stare in completa solitudine, lui estroverso e pronto a starle accanto per fotografarla. Per poter compiere un viaggio nato dal desiderio di isolarsi, Robyn deve accettare che qualcuno continui periodicamente a invadere il suo spazio.

Tracks è un film intimissimo in grado di raccontare un survival movie senza trasformarlo in uno spettacolo fatto di estremizzazioni non necessarie. Deserto, scarsità d’acqua, fatica, caldo ed esperienze emotivamente durissime non vengono esaltati per rendere eccezionale la condizione vissuta dalla protagonista o trasformarla in un’eroina. Questo perché Curran non sembra intenzionato a concentrarsi sulla domanda “Riuscirà ad arrivare alla fine sana e salva?”, quanto a indagare il bisogno viscerale che può spingere una persona ad allontanarsi completamente dalla propria quotidianità e le conseguenze emotive che questo può comportare.

Di questo si parla: non ci sono altre motivazioni, come poteva essere il rifiuto della società da parte di Chris in Into the Wild o il superamento dei propri limiti visto in A Long Way from Nowhere. Non ci sono cose da dimostrare o un messaggio da comunicare, c’è semplicemente la voglia di partire e un bisogno di solitudine totale. Il film funziona perché proprio questa “non” motivazione viene trasformata dal viaggio fino ad assumere un significato ben più ampio. Quello di Robyn diventa, con il passare dei minuti e dei chilometri, una sorta di rito iniziatico non cercato, ma emerso progressivamente dalle situazioni vissute nella distesa di sabbia che la separa dall’Oceano. Lei parte piena di spirito ma anche con i primi timori, poi acquisisce consapevolezza dei propri mezzi nei mesi di “assestamento”. Nel momento in cui sembra aver trovato un equilibrio con i propri compagni di viaggio sperimenta la perdita, attraversa una profonda crisi e infine arriva a una risalita emotiva e personale.

Da un punto di vista cinematografico e narrativo si tratta quindi di un film che ribalta una concezione classica del viaggio. Spesso vediamo un protagonista partire proprio con l’obiettivo di ritrovare una connessione con sé stesso, mentre qui è il viaggio a definire il suo stesso significato. La rinascita diventa una conseguenza inattesa dell’avventura e sottolinea il ruolo catartico che il viaggio può assumere in maniera involontaria. Per Robyn il momento di svolta sembra arrivare quando inizia a incontrare le prime difficoltà fisiche e mentali del cammino: in questi momenti iniziano a riemergere flashback di alcune crepe legate al suo passato e così lo spettatore inizia a capire anche il background emotivo. I ricordi della propria infanzia legati alla madre, il rapporto con il padre e l’allontanamento da casa e dal proprio cane sono vecchie ferite che iniziano a riaffiorare fino a confondere memoria e allucinazione.

Come ogni film di viaggio che si rispetti, non si parla solamente di uno spazio fisico da attraversare, ma soprattutto emotivo e personale. In questo caso il connubio è diretto per via della condizione in cui si trova Robyn: la solitudine assoluta la costringe a fare i conti solamente con sé stessa e con quei ricordi che aveva cercato di tenere a distanza. Se spesso si rischia di sbilanciare la narrazione da una parte rispetto all’altro, Tracks riesce a far procedere parallelamente il fascino di un viaggio primordiale nella vastità del nulla e il percorso interiore vissuto dalla protagonista. La cosa migliore di questa doppia linea narrativa è il fatto che Curran decida di non servirsi di continue spiegazioni o frasi posticce che Robyn avrebbe potuto continuare a ripetere a se stessa. Al contrario, lascia che siano le immagini e la recitazione a raccontare l’introspezione psicologica di Robyn, rispondendo perfettamente alla regola dello show, don’t tell!

Ovviamente, anche l’ambientazione gioca un ruolo fondamentale nel viaggio e nella sua messa in scena. In questo caso, a differenza di molti altri film di questo genere, il deserto australiano non viene mai trasformato in una semplice immagine da cartolina o come uno spietato nemico. La fotografia di Mandy Walker, realizzata su pellicola 35mm, restituisce il deserto con i suoi spazi, i suoi colori e la sua bellezza, ma senza nascondere la durezza che comporta affrontarlo: i campi larghi sottolineano la vastità del territorio, ma dall’altro lato sottolineano quanto un viaggio in un luogo tanto desolato possa essere spietato. La necessità di trovare e trasportare acqua, gestire gli animali (parliamo sempre di 4 cammelli), percorrere ogni giorno distanze enormi e sopportare il caldo, ma anche il bisogno di confrontarsi direttamente con la morte, sono situazioni che vissute in solitudine possono condurre a momenti di grandissima crisi. Ne emerge una restituzione non idealizzata di ciò che il deserto dà e di ciò che toglie: è meraviglioso ed estremamente affascinante, ma entrarci significa anche accettarne le regole. E la prima è riuscire a sopravvivere, a qualsiasi costo.

Perciò un primo livello di lettura riguarda l’esperienza fisica e interiore del viaggio. Un secondo riguarda invece il modo in cui un luogo possa essere attraversato diversamente e assumere significati completamente differenti in base al nostro comportamento. Rick è il personaggio utilizzato per costruire il contrasto tra la ricerca di solitudine di Robyn e l’intrusione del mondo esterno alla sua storia. Le sue fotografie cercano di catturare (o costruire) immagini che restituiscano l’essenza del viaggio, ma è la presenza stessa dell’obiettivo a rompere la quiete ricercata dalla protagonista e l’intento degli scatti. Questo paradosso viene poi portato all’estremo quando la notizia della “signora dei cammelli” inizia a diffondersi e Robyn diventa un’attrazione mediatica per reporter e curiosi. Armati di macchine fotografiche, gli estranei invadono lo spazio suo e di Mr. Eddy, la guida aborigena che la accompagna tra le terre sacre, riducendo a spettacolo qualcosa che per lei dovrebbe invece essere estremamente privato.

Vengono messi così a confronto modi differenti di viaggiare. Da una parte c’è un’esperienza fondata sul tempo, sul vivere realmente il deserto, sull’ascolto e sul rispetto della sacralità dei territori; dall’altra uno sguardo più consumistico, che fotografa senza osservare davvero e trasforma luoghi e persone in qualcosa da raccogliere prima di passare rapidamente alla tappa successiva. È qui che la figura di Mr. Eddy assume il suo vero significato: oltre a guidare fisicamente Robyn, le permette di attraversare quel territorio conoscendone e rispettandone regole, cultura e tradizioni. Il loro incontro mostra così quanto conoscere un luogo significhi anche entrare in relazione con le persone che lo abitano.

Si può però parlare di doppia guida. Una è Mr. Eddy permette a Robyn di conoscere più profondamente il territorio che sta attraversando (viaggio fisico), l’altra è Rick dato che contribuisce a comprendere il significato di avere persone intorno a noi (viaggio interiore). Se inizialmente lei vive con insofferenza ogni volta che lo vedeva con la sua auto, con il passare dei chilometri la presenza del fotografo assume un significato diverso e fondamentale. Quando si propone di lasciarle delle taniche d’acqua lungo il percorso, Robyn inizia a comprendere che accettare l’aiuto non significa rinunciare alla propria indipendenza. È forse questo uno dei paradossi più belli di Tracks: un viaggio nato come strumento estremo per intrapreso per allontanarsi dalla società finisce per ricordare quanto gli altri siano importanti. La solitudine rimane uno spazio necessario per conoscersi, ma trasformarla in isolamento permanente non rappresenta una forma di libertà.

Tutto questo viene sostenuto da una regia che cerca di rispettare la solitudine ricercata da Robyn. Lo si sente (letteralmente) prima della partenza, quando gli amici vanno da lei ad Alice Springs e la musica arriva quasi a sovrastare il loro continuo vociare: una scelta semplice ma super efficace nel mostrare che mentre Robyn è fisicamente insieme a loro, si sente mentalmente altrove. Nel deserto Curran utilizza spesso campi larghi e movimenti di macchina che accompagnano la protagonista senza invaderne lo spazio, lasciandola piccola all’interno dell’immensità che ha scelto di attraversare. È evidente nei momenti in cui raggiunge una condizione di tranquillità, come quando si trova a fare un bagno nella quiete più assoluta e la macchina da presa rimane a distanza per lasciare che siano corpo, paesaggio, colori e silenzio a raccontarne lo stato d’animo. La posizione della macchina da presa finisce così per seguire la stessa evoluzione del personaggio: osservare senza invadere, per avvicinarsi soltanto quando Robyn stessa sembra finalmente disposta ad aprirsi.

Possiamo dire che la storia raccontata in Tracks dimostra come non ci sia necessariamente bisogno di partire da una grande missione, da un record o persino dalla ricerca consapevole di sé stessi. Può essere sufficiente il bisogno inspiegabile di muoversi e allontanarsi, purché siano poi il percorso, gli incontri e il territorio a costruirne progressivamente il significato. Robyn parte per stare sola e attraversare il deserto, ma proprio quella solitudine fa riemergere il passato e la costringe a riscoprire il valore delle persone. Quando alla fine raggiunge l’Oceano Indiano ed entra nell’acqua, dopo mesi trascorsi nella polvere e nell’aridità, l’immagine assume quasi inevitabilmente il valore di una rinascita. Non era partita per ritrovare sé stessa: è stato il viaggio, chilometro dopo chilometro, a trasformarsi in quella ricerca.

Regia di John Curran
Sceneggiatura di Marion Nelson
Fotografia di Mandy Walker
Montaggio di Alexandre de Franceschi
Musiche di Garth Stevenson

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Realizzare cinque volte il giro del mondo non è un’impresa già impressionante di per sé? Ma allora perché rimettersi in viaggio per tentarlo una sesta volta? Per Giovanni Soldini, la risposta è essenzialmente una: la passione. Milanese di nascita, ma figlio del mare per scelta, il velista che si autodefinisce un “marinaio” continua a vedere il viaggio come un mezzo per scoprire nuovi luoghi, nuove culture e comprendere realmente il rapporto tra uomo e natura. Una passione che, quarant’anni dopo il primo viaggio, ci permette di accedere alla sua storia con l’entusiasmo di un bambino.

È proprio la curiosità e l’animo esuberante del velista a guidare lo spettatore in Giovanni Soldini - Il mio giro del mondo, il film documentario girato durante la circumnavigazione compiuta tra l’ottobre 2022 e il gennaio 2024 a bordo del Maserati Multi70. Realizzato nel 2025 da Sydney Sibilia e disponibile in streaming su Prime Video, si tratta di un documentario particolarmente interessante per il modo in cui trasforma il viaggio di Soldini in un’occasione per parlare del suo passato, del suo impegno presente e delle sue speranze future.

Il viaggio parte a La Spezia, dove il Maserati Multi70 salperà per un’avventura della durata di circa 16 mesi in cui verranno toccate le acque di Mediterraneo, Atlantico, Pacifico, Caraibi e dell’Oceano Indiano, alternando lunghe traversate alla partecipazione ad alcune tre le più importanti competizioni internazionali via mare. Lo spirito di competizione e la voglia di infrangere record di velocità hanno sempre stimolato Soldini nelle sue imprese (è stato il primo italiano a vincere un giro del mondo in solitaria) ma a muoverlo in quest’ultimo viaggio è soprattutto un profondo amore per la natura che lo ha portato a impegnarsi nella difesa e salvaguardia degli oceani.

Il suo sesto giro del mondo, infatti, si propone come una missione ambientale piuttosto che semplicemente sfida personale e sportiva. Il Maserati Multi70 è stato trasformato in un mezzo full electric capace di produrre autonomamente l’energia necessaria alla navigazione e di raccogliere dati relativi a salinità, CO2 e temperatura dell’acqua, mettendoli a disposizione della comunità scientifica. Durante la traversata, Soldini utilizzerà i dati raccolti per fornirli ai circa 30 scienziati ed esperti di salvaguardia ambientale che incontrerà lungo le tappe del suo giro del globo, confrontandosi e affrontando gli effetti del cambiamento climatico sia sul piano naturale sia su quello sociale.

Non solo. Il viaggio al fianco di Sibilia diventa anche l’occasione per ripercorrere la formazione di una persona che, dall’età di 16 anni, ha costruito la propria vita intorno al mare. Ed è proprio Soldini uno dei principali motivi per cui il documentario merita di essere visto: oltre a guidare il racconto con la propria voce, è la contagiosa passione con cui parla del mondo che intende difendere a portare lo spettatore dentro il suo giro del mondo, geografico e personale. Il regista concentra l’attenzione sulle sue parole, sulle sue sensazioni e sugli eventi che lo hanno portato a diventare quello che è oggi, mettendo in una posizione privilegiata i momenti di difficoltà. Sono questi eventi ad averlo plasmato maggiormente, per cui vengono sì ricordate le vittorie e i record infranti, ma la centralità è dedicata alle situazioni in cui le cose non vanno come programmato e che hanno permesso di farlo maturare sia come uomo che come navigatore.

Le prime navigazioni in solitaria, gli incidenti durante le competizioni, la morte di un amico compagno di equipaggio e la gestione degli imprevisti in mezzo all’oceano. Tutti questi sono momenti di rottura che, oltre a essere cinematograficamente più avvincenti, gli hanno permesso di costruirsi una solida esperienza e di diventare la persone che è oggi, oltre a essere un punto di riferimento per coloro che si approcciano al mondo della vela.

Evidenziando i momenti di maggiore umanità della sua carriera, come il salvataggio di Isabelle Autissier durante l’Around Alone, il documentario evita di costruire il ritratto dell’ennesimo esploratore invincibile. Sibilia vuole restituirci il Soldini-uomo, caratterizzato anche dalle paure e dalle situazioni di maggior pericolo, proprio quelle in cui si rende conto che, quando la natura decide di prendere il sopravvento, i poteri dell’essere umano sono miseri. Verso il finale questo concetto viene ribadito con fermezza, facendo emergere il vero tema di fondo del documentario: la reale dimensione dell’uomo rispetto alla potenza della natura e le speranze di Soldini per il futuro dell’ambiente.

Noi pensiamo che l’uomo possa controllare tutto, ma non è così e ce ne accorgiamo quando la natura decide di dare una “scrollatina”: un terremoto, una siccità, un’inondazione. Lì ci rendiamo conto della vera dimensione umana, che non è quella di dominare, conquistare, sfruttare: l’uomo non domina nulla. La speranza è nell’intelligenza dell’uomo. Nella scienza, nella tecnologia e nell’intelligenza… alla fine l’uomo è abbastanza intelligente, bisognerà vedere se vuole usare questa intelligenza o vuole continuare a fare delle cose stupide.

Rimane, comunque, un piccolo vuoto nella narrazione. Se l’obiettivo è mostrare il lato umano di Soldini raccontando il rapporto con il mare, i compagni di viaggio e le persone che hanno influenzato il suo percorso, quello che manca è la sua dimensione più intima e familiare. Se possiamo conoscere il fratello Silvio (regista, tra gli altri, di Le assaggiatrici e Pane e tulipani), sappiamo poco del resto della famiglia e per questo una maggiore introspezione avrebbe potuto arricchire il ritratto del protagonista e mostrare meglio il rapporto tra chi trascorre una vita sull’acqua e chi rimane sulla terraferma.

A funzionare nel documentario è la capacità di far convivere diversi registri narrativi (sportivo, umano e sociale) e temporali (passato, presente e futuro). Questa scelta permette al documentario di non proporsi come un semplice racconto biografico e di essere piuttosto una sorta di diario per immagini in movimento. Sono livelli differenti che si intersecano avendo il viaggio come filo conduttore: mentre seguiamo Soldini sulla barca, un luogo può diventare l’occasione per recuperare un ricordo legato a quella rotta oppure per affrontare un problema contemporaneo. A Lanzarote, ad esempio, si parla dei livelli di CO2 in mare; negli Stati Uniti Soldini incontra un suo vecchio professore di scienze; a Puerto Rico il cambiamento climatico viene collegato alle disuguaglianze sociali; nel Canale di Panama l’attenzione si sposta sull’enorme quantità di acqua dolce necessaria al funzionamento dell’infrastruttura.

Il risultato è un viaggio lungo circa 30.000 miglia che non rappresenta soltanto un’esperienza da documentare, ma diventa la struttura stessa attraverso cui vengono organizzati gli argomenti del film. Il continuo avanti e indietro tra passato e presente permette di alternare le immagini girate durante il viaggio a quelle d’archivio che documentano le precedenti esperienze di Soldini. A fare da collante a questi due piani è poi l’intervista con il regista, la vera spina dorsale del racconto che permette di trasportarci indietro negli anni, mentre il montaggio lo asseconda nella scelta delle immagini e nel cambio di ritmo sulla base di ciò che accade in mare: più disteso nei momenti riflessivi e molto più concitato durante le regate e gli imprevisti. Presente e passato, riprese della troupe e immagini di repertorio si alternano così continuamente per far avanzare sullo stesso piano storia personale e il viaggio attuale.

Oltre a organizzare il racconto attraverso materiali differenti, un insegnamento particolarmente utile che Giovanni Soldini - Il mio giro del mondo restituisce riguarda l’importanza di saper costruire narrazione e ritmo mentre il viaggio è ancora in corso e soprattutto non siamo noi a “controllarlo”. Seguendo direttamente il protagonista durante la sua avventura, chi riprende diventa parte dell’equipaggio e ciò comporta l’utilizzo di attrezzatura leggera che non interferisca con le attività della barca e che sia in grado di adattarsi alle condizioni e agli eventi che si presentano. Questo vale, soprattutto qui, nella gestione del sonoro: velocità, vento e acqua rendono difficile ottenere registrazioni sempre pulite, aumentando l’importanza del sound design e della colonna sonora per accompagnare e dare ritmo anche alle sequenze più caotiche.

Alla fine, ciò che continua a spingere a spingere Soldini nelle sue avventure sono le stesse sensazioni che lo hanno portato ad andare via dalla grigia Milano degli anni Ottanti per avventurarsi nel blu dei mari e degli oceani. La passione sconfinata per l’esplorazione, l’adrenalina per la velocità e l’amore per il futuro del nostro pianeta sono ciò che lo hanno portato ad avere una consapevolezza sempre maggiore del rapporto tra uomo e natura. Ed ecco che il messaggio ambientale promosso dal documentario è l’imperativo che non dobbiamo dominare la natura, ma conoscerla, studiarla e rispettarla. Quella che vediamo in questo documentario non è solo un’esplorazione fisica delle acque, ma un giro nella visione del mondo di Soldini… e non c’è dimostrazione più chiara di come un’avventura personale e sportiva possa essere utilizzare per osservare i luoghi che attraversiamo e l’impatto che l’uomo ha su di essi (vi consigliamo, a questo proposito, di recuperare la puntata di ConverseRai Giovanni Soldini - Sulla rotta della sostenibilità).

GUARDA GIOVANNI SOLDINI - IL MIO GIRO DEL MONDO SU PRIME VIDEO

Regia di Sydney Sibilia
Sceneggiatura di Emanuele Cava, Shadi Cioffi, Tommaso Franchini
Fotografia di Valerio Azzali
Montaggio di Marco Guelfi
Musiche di Mokadelic

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