Arrivare fino a un certo punto per poi capire la necessità di aprire un nuovo ciclo. Lasciare andare per passare a una fase successiva, a una nuova fase della vita. La visione dell’esistenza dell’esploratore Alex Bellini è quella di un uomo che ha sempre cercato di incontrare vis-à-vis le condizioni più estreme possibili, mettendo costantemente alla prova il proprio stato fisico e mentale per creare nuovi orizzonti nella propria vita e per superare i limiti della condizione umana.

La vita e le imprese d’avventura compiute da Alex sono le protagoniste di È solo acqua e vento, documentario del 2023 prodotto da Rai Documentari e diretto dal giornalista e conduttore televisivo Luca Rosini. Disponibile gratuitamente in streaming su RaiPlay, il documentario racconta questa personalità “fuori da ogni schema” partendo dai suoi primi anni di vita fino alle attraversate di oceani, deserti, ghiacciai e interi continenti che lo hanno reso celebre in tutto il mondo. Il tentativo (riuscito) è quello di evitare una successione fredda e distaccata delle imprese, per utilizzare invece le sue avventure come porta d’accesso alle fragilità e alle motivazioni che lo hanno spinto a compierle. Non solo: le sue esperienze diventano fondamentali anche per comprendere come la sua idea di esplorazione sia cambiata nel tempo.

La storia di Bellini muove i primi passi ad Aprica, il piccolo comune in provincia di Sondrio in cui è nato, per poi raccontare, attraverso le interviste dello stesso Alex e del padre, l’abbandono dell’università e l’inizio del suo stile di vita da esploratore con la prima corsa di 250 km in mezzo al deserto. Da qui in poi, intraprenderà sfide sempre più estreme per esplorare il mondo in solitaria e, soprattutto, sé stesso: l’Alaska Ultrasport, 1400 km a piedi; la traversata dell’oceano Atlantico prima e del Pacifico poi; una corsa di 5400 km da Los Angeles a New York; l’attraversamento del Vatnajökull in Islanda, il ghiacciaio più grande d’Europa.

Queste avventure fuori dal mondo, ma ad esso profondamente legate, non vengono raccontate come semplici prove di resistenza, ma come tappe di un percorso interiore compiuto da Alex nel corso degli anni. Bellini vuole solo superare il limite e al tempo stesso analizzarlo e comprenderlo. In questo, È solo acqua e vento trova nelle parole e nei pensieri dell’esploratore la prospettiva più interessante: utilizzare le avventure per ridimensionare il concetto di “rinuncia”, un concetto profondamente umano nato durante l’attraversata del Pacifico.

Impossibilitato a continuare, il maltempo non gli permette di realizzare fino in fondo il suo sogno, ma invece di viverla come una sconfitta personale, l’esploratore ribalta il significato della rinuncia e lo innalza.

L’esperienza della rinuncia è trasformativa. Il coraggio è accettato e la paura non è accettata. La rinuncia non è accettata perché solo i codardi rinunciano… solo chi è debole rinuncia. È proprio così? Oppure anche chi è dotato di coscienza rinuncia? Solo chi riesce a riconoscere i limiti rinuncia.

Il “fallimento” viene utilizzato da Bellini come una forma di catarsi, capace di trasformare la sua storia personale in un tema universale che travalica il lato puramente sportivo. La rinuncia non è una sconfitta, ma il momento in cui la persona riconosce il proprio limite e decide di chiudere un cerchio per aprirne un altro. Proprio per questo parliamo di È solo acqua e vento e lo consigliamo: una chicca di circa 50 minuti che mostra il ruolo del viaggio e l’avventura come strumento di coscienza e conoscenza, di sé stessi e del mondo. Un documentario in grado di lasciare il segno anche dopo la visione, vista la sua potenza nel mostrare come lasciare andare non significhi sempre arrendersi, ma acquisire maggiore consapevolezza di noi stessi.

Il documentario, dal punto di vista narrativo, risponde alle logiche produttive e distributive della Rai. Essendo destinato a un pubblico generalista, deve raccontare tante cose, con poche parole e in un tempo contenuto, nonostante ciò la costruzione classica e lineare funziona molto bene. La narrazione procede attraverso tappe riconoscibili e alterna in maniera regolare racconto biografico, archivio video, interviste frontali e immagini delle spedizioni girate in prima persona da Bellini, così da rendere accessibile la sua storia a un pubblico molto ampio.

La potenza visiva del documentario sta sicuramente nelle immagini girate dallo stesso Bellini nel corso delle sue avventure, dato che offrono uno sguardo intimo altrimenti impossibile da ottenere: nelle infinite giornate in mezzo all’oceano, soprattutto, emergono la fatica, la paura di non farcela, l’euforia, lo sconforto e il bisogno insito di continuare. Allo sguardo intimo di Alex si aggiungono poi le interviste alla moglie Francesca, al padre Nino e all’amico Folco Terzani, fondamentali per comprendere le motivazioni e i retroscena che si nascondono dietro le sue imprese.

L’ultimo terzo del film, forse il più importante, è dedicato alla trasformazione dell’esplorazione da sfida personale a strumento di conoscenza collettiva. Bellini sembra comprendere che partire non significa più soltanto mettere il proprio corpo al limite, ma usare l’avventura per far compiere un viaggio anche a chi guarda. Da qui nasce l’idea di sensibilizzare le persone sull’inquinamento della plastica nei mari, attraversando i 10 fiumi più inquinati del mondo su zattere costruite con la plastica trovata lungo le rive.

È una scelta tanto simbolica quanto pratica: queste nuove sfide non mettono più al centro soltanto la resistenza fisica dell’esploratore, ma spingono la collettività a interrogarsi sul rapporto che abbiamo smarrito con il pianeta. Come suggerisce Folco Terzani:

Con il tempo abbiamo scoperto sempre di più la Terra dal punto di vista geografico, ma abbiamo perso la connessione profonda con essa.

È solo acqua e vento è un documentario breve che colpisce nel profondo, con un punto di vista molto chiaro in grado di insegnare quanto un racconto d’avventura funzioni davvero nel momento in cui inizia a interrogare il senso che quella stessa impresa ha generato. Impressiona quando mostra le riprese in prima persona delle esplorazioni, ma il suo cuore pulsante sta nel far emergere cosa producano queste esperienze in chi le vive e cosa possano lasciare a chi guarda. La sua lezione è proprio questa: trasformare l’avventura da prova individuale a strumento di coscienza e conoscenza collettiva, raccontando prima un uomo alle prese con sé stesso e poi allargando lo sguardo a una domanda che riguarda da vicino ciascuno di noi: cosa dobbiamo imparare a lasciare indietro per ritrovare una connessione più autentica con il mondo che abitiamo?

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Regia di Luca Rosini
Scritto da Luca Rosini
Fotografia di Walter Romeo
Produttore esecutivo: Valeria Panfili
Casa di produzione: Rai Documentari

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Un uomo d’affari corre per le strade indiane. Arrivato alla stazione, il treno gli parte sotto gli occhi. Prova a rincorrerlo, ma viene superato da un altro uomo che riesce a lanciare le proprie valigie e a salirci in tempo. In questo modo veniamo scaraventati dentro Il treno per il Darjeeling, quinto lungometraggio di Wes Anderson realizzato nel 2007. Disponibile su Disney+ e Netflix, il film racconta il viaggio “spirituale”, fisico e interiore compiuto in India da tre fratelli nella speranza di ricucire il loro rapporto dopo la morte del padre, avvenuta l’anno precedente.

Francis (Owen Wilson), Peter (Adrien Brody) e Jack (Jason Schwartzman) sono tre fratelli che non si parlano da più di un anno e che si ritrovano su un treno indiano, il Darjeeling Limited, con un obiettivo chiaro: ritrovare il rapporto perduto e quella fratellanza che sembra essere svanita con il lutto del padre. Un “viaggio spirituale”, come viene più volte definito, organizzato nei minimi dettagli dal fratello maggiore Francis. Templi e rituali più o meno sobri sono scanditi al secondo, dando forma a un itinerario apparentemente ben organizzato per guarire insieme la loro ferita interiore. Eppure, si scopre che il problema non è solo l’elaborazione del lutto, ma la difficoltà dei fratelli a fidarsi l’uno dell’altro. I tre non sembrano in grado di parlarsi apertamente, ma Anderson riesce a trattare questa distanza con il suo tipico tono surreale e ironico.

Come spesso accade nel cinema di questo regista, l’attenzione è per lo più concentrata sui personaggi, sulle loro scelte e sul modo in cui le loro fragilità emergono nei piccoli conflitti quotidiani e nelle rivelazioni spiazzanti. Francis, da buon fratello maggiore, cerca invano di tenere tutto sotto controllo, ma solo perché vorrebbe controllare anche il modo in cui lui e i suoi fratelli dovrebbero superare il trauma. Peter sembra essere sospeso tra il dolore del lutto e la paura di affrontare la vita adulta: sta per diventare papà, ma conserva gli oggetti appartenuti al genitore (tra tutti, gli occhiali) come se volesse rimanere legato a un passato che non riesce a superare. Jack si rifugia nella malinconia, nella scrittura di racconti e in relazioni insolite per superare (anche) la fine del rapporto con la fidanzata, la stessa che vediamo interpretata da Natalie Portman nel cortometraggio (prologo del film) Hotel Chevalier e in un cameo all’interno del film.

A rendere Il treno per il Darjeeling un film di viaggio interessante è il modo in cui mette subito in discussione l’idea che basti partire con l’obiettivo di riconciliarsi per risolvere i propri problemi. L’itinerario dei tre fratelli lungo l’India, tra deserti, profumi di spezie e piume di pavone, non viene raccontato come un’esperienza automaticamente trasformativa, anzi. Non basta raggiungere un luogo lontano dal quotidiano o dichiarare semplicemente la volontà di cambiare per far sì che la situazione migliori. Il film smonta completamente quest’idea concentrandosi sul fallimento delle intenzioni iniziali. L’organizzazione maniacale del tragitto, pensata come il filo capace di tenere uniti i fratelli e di guidarli verso la riconciliazione, viene continuamente messa in da un fattore che sembra non aver considerato: la realtà. Tra piccole liti in stile cartoon, qualche azione discutibile e un sorso di sciroppo per la tosse, i fratelli Whitman sono “costretti” ad affrontare quello che li circonda e a farsi attraversare dalle esperienze vissute.

Fondamentale è anche il mezzo di trasporto utilizzato, trattato in maniera differente rispetto a Little Miss Sunshine. Non più un furgoncino sgangherato che, nella sua fisicità, rappresentava la condizione interiore degli Hoover e che veniva comunque governato e spinto da loro, ma un treno. Lo spazio angusto dei corridoi e della cabina in cui dormono costringono Francis, Peter e Jack a condividere tempi, silenzi e qualche segreto.

Il mezzo di trasporto è poi lo spazio in cui Francis attua il suo “piano”. Uno spazio chiuso scandito da tappe e orari, utilizzato per costringere Peter e Jack a restare sempre con lui e seguire il percorso spirituale che ha organizzato. Proprio questa rigidità, però, fa emergere quanto i tre siano ormai distanti l’uno dall’altro, e quando il piano va in frantumi e vengono cacciati dal mezzo e lasciati nel deserto la situazione cambia: non sarà più l’itinerario a guidarli, ma gli eventi e qualche altro piccolo segreto che li obbligheranno a confrontarsi veramente.

Il film funziona non solo per la capacità di Anderson di trasportare con leggerezza e ironia una storia profonda e dolorosa, ma perché si basa su questo conflitto tra il tragitto programmato, fatto di tappe e rituali che dovrebbero (non si sa come) aiutare i personaggi, e gli eventi reali, spesso improvvisi e traumatici, che li costringono a uscire dalla loro armatura. Emblematica è la scena del fiume in cui si lanciano per salvare dei bambini: dopo essere stati cacciati dalla loro carrozza, questa si presenta come la prima “prova reale” non programmata e incontrollabile: una situazione che li obbliga ad affrontare la realtà e a non scappare, come hanno sempre tentato di fare fino a quel momento. Paradossalmente, è qui che emerge quell’esperienza spirituale che tanto ricercavano, dato che si presenta come la prima occasione in cui entrano a contatto con la perdita e la fragilità della vita.

Così il viaggio, come un buon racconto dovrebbe fare, smette di essere un mero spostamento e si trasforma in un’esperienza umana. I tre fratelli si evolvono nel momento in cui il loro piano va in frantumi. Rispetto alle intenzioni iniziali, l’avventura familiare sembrerebbe un fallimento, ma è proprio questo fallimento a smuovere qualcosa dentro i personaggi. Non si tratta di una riconciliazione definitiva, ma di un’apertura reciproca e di una chiusura nei confronti di un passato che devono imparare a lasciare alle spalle. Sono gli incontri e i luoghi in cui si ritrovano a cambiare gli atteggiamenti dei fratelli e a metterli sempre più a nudo.

Anche dal punto di vista della regia, Anderson lavora per trasmettere la sensazione di scomodità e disagio vissuta dai protagonisti. Piuttosto che affidarsi ai grandi panorami indiani, privilegia spesso inquadrature strette sui protagonisti schiacciati in corridoio, scompartimenti e spazi interni del convoglio. In questa maniera il lavoro fatto dal regista restituisce una sensazione di soffocamento, riflettendo la condizione di Francis, Peter e Jack. Una scelta che permette di accompagnare il loro spostamento nello spazio con un forte punto di vista emotivo ed empatico.

Si tratta della conferma di una lezione che non stancheremo mai di ripetere: in un racconto di viaggio, non sempre serve inquadrare solo l’ambiente e il paesaggio per restituire delle belle immagini, ma bisogna lavorare in maniera funzionale alla storia e ai personaggi che si intende raccontare. Allo stesso tempo, la cifra stilistica del regista, fatta di colori saturi, simmetria e precisione assoluta nella composizione del quadro, entra in contrasto con la frammentarietà emotiva dei fratelli. Tutto appare ordinato e controllato, come il viaggio voluto da Francis, ma loro sono interiormente disallineati.

La costruzione narrativa è qui molto interessante visto che, a differenza di molti travel/road movie, parte in medias res. Vediamo Peter saltare sul treno e ricongiungersi con due persone che non conosciamo: un’apertura di questo tipo tiene subito lo spettatore attivo, perché lo spinge a conoscere i personaggi col proseguire del viaggio, a chiedersi che cosa sia successo prima e perché questo incontro è tanto importante. Questo incipit così “di corsa” è poi affiancato da una sceneggiatura, scritta a sei mani da Wes Anderson, Roman Coppola e Jason Schwartzman, che non si rivela immediatamente o con fretta: sceglie di emergere poco a poco, attraverso il modo in cui i protagonisti comunicano (se ci riescono) e si comportano.

Il treno per il Darjeeling è inoltre un esempio utile per il modo in cui riesce a costruire lo storytelling attorno alla famosa regola delle “3 C”: personaggi (characters), conflitto (conflict) e cambiamento (change). I personaggi, delineati molto bene e restituiti da tre ottime prove attoriali, non salgono sul Darjeeling Limited per visitare l’India, ma perché Francis intende ricucire il rapporto con i fratelli tramite un viaggio spirituale rigidamente organizzato; il conflitto nasce tra il piano super controllato e la piega che effettiva prenderà il tragitto; il cambiamento, infine, non viene dichiarato in maniera didascalica, ma emerge da azioni e decisioni apparentemente marginali, ma che in realtà, nel loro insieme, assumono un valore ben più ampio.

Il film di Wes Anderson dimostra che un viaggio diventa veramente attivo quando i viaggiatori accettano di farsi attraversare da ciò che vedono e da chi incontrano. Non sono i templi, i rituali “pavoneschi” o la profonda ricerca di spiritualità a far evolvere i protagonisti, ma le esperienze concrete e dolorose (tra tutte, quella vissuta sul fiume). Perdendosi nel viaggio, i tre fratelli si ritrovano.

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Regia di Wes Anderson
Scritto da Wes Anderson, Roman Coppola, Jason Schwartzman
Fotografia di Robert D. Yeoman
Montaggio di Andrew Weisblum
Musiche di Randall Poster

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Ora che tutto ciò non sembra un miraggio così lontano, ecco una piccola selezione di film e documentari che ti faranno venire voglia di metterti uno zaino e di partire verso una nuova meta. Dai classici road movie a film in cui il viaggio significa riscoprire l’essenza della vita, da un tipo di turismo piuttosto particolare a un viaggio dalla forte valenza sociale: diverse declinazioni del viaggio che ti faranno venire voglia di partire e goderti i giorni di riposo.

Mangia, Prega, Ama (Ryan Murphy, 2010)

Dopo una crisi personale, Liz (Julia Roberts) decide di lasciare la sua vecchia vita per intraprendere un viaggio che attraversa Italia, India e Bali. Un percorso alla ricerca di cibo, spiritualità e piacere che assume le vesti di una vera e propria rinascita: partire, qui, significa allontanarsi dalle aspettative degli altri per provare a ritrovare desiderio, equilibrio e una nuova idea di sé.

Un film che racconta molto bene una delle motivazioni che spingono milioni di persone a mettersi in viaggio: la speranza che il cambiamento di luogo possa favorire un cambiamento interiore. Assolutamente da vedere se intendi partire per ricominciare da zero, o anche solo per ricordarti che, a volte, il viaggio più importante è quello che avviene dentro di noi.

Encounters at the End of the World (Werner Herzog, 2007)

Werner Herzog arriva in Antartide per incontrare scienziati, lavoratori e persone che hanno scelto di vivere ai confini del mondo. Un documentario straordinario, in cui il viaggio e l’introspezione permettono di misurarsi con silenzio, natura e solitudine. In questo caso l’avventura è rappresentata dall’immersione nell’ignoto, nei vuoti del paesaggio e in una natura che ridimensiona completamente l’essere umano.

Herzog utilizza l’Antartide per interrogarsi sul senso dell’esplorazione e sulla nostra posizione all’interno del pianeta. Ideale se devi viaggiare verso un luogo remoto, ma anche se vuoi osservare come un documentario possa trasformare una destinazione estrema in una riflessione sull’esistenza.

Easy Rider (Dennis Hopper, 1969)

Un road movie fondamentale, entrato di diritto nell’immaginario comune come uno dei più celebri inni alla libertà che si possono vedere sul grande schermo. Qui la strada si fa protagonista insieme alle motociclette, diventando spazio di fuga, ribellione e confronto con un Paese che non sa accogliere chi vive fuori dagli schemi.

Se stai per fare un road trip negli Stati Uniti, questo film non devi perderlo. Nota di merito alla colonna sonora, composta da brani rock degli anni Sessanta capaci di restituire tutta la spinta rivoluzionaria dell’epoca e quel senso di libertà assoluta che ancora oggi affascina generazioni di viaggiatori.

Dark Tourist (David Farrier, 2018)

Una serie disponibile su Netflix, molto interessante perché ribalta completamente i discorsi sul turismo tradizionale. Al posto di portare lo spettatore in luoghi da cartolina, il giornalista David Farrier gira il mondo per visitare mete turistiche legate a tragedie, disastri, dittature e fenomeni inquietanti. Il risultato è un viaggio che interroga soprattutto le motivazioni che spingono le persone a visitare questi luoghi “dark”

La serie mostra come il viaggio possa assumere forme molto diverse rispetto a quelle che siamo abituati a immaginare. Perfetta se devi prepararti a un itinerario fuori dai canoni tradizionali o se vuoi riflettere sul rapporto tra curiosità, memoria storica e turismo.

Il sorpasso (Dino Risi, 1962)

Bruno (Vittorio Gassman) e Roberto (Jean-Louis Trintignant), nel giorno di Ferragosto, si trovano fianco a fianco in un viaggio in auto improvvisato che parte da Roma e attraversa l’Italia centrale. Una corsa apparentemente leggera e frivola, fatta di incontri casuali, deviazioni e improvvisazione, che nasconde tra le sue pieghe i rischi di una vita vissuta sempre col piede sull’acceleratore.

Uno dei road movie italiani più amati di sempre, capace di trasformare un semplice spostamento estivo in una riflessione sul desiderio di vivere intensamente e sulle conseguenze che questo può comportare. Un film che continua a raccontare il fascino e le contraddizioni della libertà.

Pedal The World (Felix Starck, 2015)

Felix Starck è un ragazzo tedesco di 22 anni che decide di prendere la sua bicicletta e attraversare il mondo. Più di 20.000 chilometri dispiegati in 22 Paesi: un racconto di viaggio lento e fisico, fatto di fatica, incontri, imprevisti e giornate scandite dal ritmo della pedalata.

Il documentario restituisce la dimensione concreta e personale dell’avventura, mostrando quanto il viaggio in bicicletta obblighi a rallentare e ad entrare realmente in contatto con i luoghi attraversati. È il film giusto da guardare se sogni una partenza più libera e radicale.

The Beach (Danny Boyle, 2000)

Un backpacker (Leonardo DiCaprio) cerca in Thailandia una spiaggia segreta, lontana dal turismo di massa. Un luogo che sembra incarnare il sogno di ogni viaggiatore: incontaminato, remoto e apparentemente perfetto. Danny Boyle costruisce però un racconto che ribalta progressivamente questa fantasia, mostrando come anche il paradiso possa trasformarsi in un’illusione.

Il film lavora contemporaneamente su due livelli: da un lato alimenta il desiderio di avventura e scoperta, dall’altro mette in discussione l’idea stessa di luogo perfetto. Molto interessante perché smonta la narrazione del paradiso incontaminato e invita a riflettere sulle aspettative che spesso proiettiamo sulle destinazioni che sogniamo.

Sri Lanka in Mini Magic Bus (Gabriele Saluci, 2020)

Concludiamo con un lavoro della Travel Film School.

Ludovico de Maistre, Gabriele Saluci, Daniel Mazza e Stefano Cantarini uniscono le proprie forze e sfruttano il potere dei social media per acquistare un mini bus da regalare alle bambine vittime di abusi del villaggio di Ibbawale, nello Sri Lanka. Quello che nasce come un progetto solidale si trasforma presto in un viaggio ricco di momenti emozionanti, situazioni esilaranti, incontri sorprendenti e inevitabili imprevisti.

Il documentario mostra come il viaggio possa diventare uno strumento per costruire relazioni e generare un impatto reale sul territorio. Se stai per partire con un gruppo di amici, questo lavoro TFS non devi assolutamente perdertelo.

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Un viaggio spogliato di ogni avere superfluo, verso una libertà assoluta e una connessione viscerale con la natura. Questo è il percorso intrapreso da Chris McCandless, protagonista di Into The Wild - Nelle terre selvagge, uno dei film di viaggio più influenti degli ultimi decenni. Diretto nel 2007 da Sean Penn e tratto dall’omonimo libro di Jon Krakuer, il film (disponibile su SKY/Now) racconta la storia vera di un giovane che, dopo aver ottenuto la laurea, decide di abbandonare famiglia e ogni bene materiale per attraversare gli Stati Uniti e raggiungere l’Alaska.

La scelta di Chris è radicale. Dopo la consegna dei diplomi e l’ennesimo scontro con i genitori e con un modello di vita fondato solo su possesso e apparenza, dona tutti i suoi risparmi in beneficienza, distrugge documenti e carte di credito e interrompe ogni contatto con il mondo da cui proviene. Cresciuto in un ambiente a sua detta tossico, vede nel viaggio estremo l’unica possibilità di fuga. Così parte, con uno zaino e un bagaglio culturale composto da scritti di Byron, Thoreau, Tolstoj e London: tutti autori che alimentano la convinzione che un’esistenza autentica possa essere vissuta solo lontano dalle convenzioni della società moderna.

Into The Wild è un film che chiunque voglia raccontare il viaggio attraverso il cinema dovrebbe assolutamente vedere. Sean Penn riesce a trasformare un’avventura individuale in una riflessione più ampia sul significato del partire, del perdersi e del mettersi alla prova, anche al di sopra delle nostre possibilità.

Durante il cammino, Chris (che cambierà identità in Alexander Supertramp) attraversa deserti, montagne, fiumi e città incontrando personalità di ogni tipo: una coppia di hippie, un trebbiatore con cui lavorerà per qualche tempo, una coppia danese alle prese con un viaggio negli Stati Uniti, una cantante folk e un anziano veterano di guerra. Ogni incontro aggiunge un tassello alla sua fuga e contribuisce, allo stesso tempo, a costruire un racconto dell’America. Il viaggio quindi non è solo geografico, ma anche culturale e ideologico.

Attraverso i personaggi, il film compone un mosaico che riflette le diverse anime degli Stati Uniti: l’eredità lasciata dalla controcultura, la laboriosità del Midwest americano, la fragilità dei giovani alla ricerca del loro posto nel mondo e la solitudine degli anziani che hanno lottato per il Paese, ma ora sono rimasti soli. Queste vite si incrociano a quella di Chris come ipotetiche strade da seguire al posto di continuare il viaggio. Lui decide di lasciarsele tutte alle spalle e questo rende il viaggio un attraversamento quasi simbolico della nazione.

Sean Penn sembra credere al viaggio del suo protagonista, all’ideale che intende inseguire, ma evita di renderlo un eroe o un modello da seguire. C’è grande fascino nella sua ricerca della libertà e lo spettatore comprende le ragioni della sua fuga, eppure viene continuamente invitato a interrogarsi sui limiti di una scelta tanto estrema. Into The Wild non celebra il viaggio in sé, ma mostra come ogni scelta comporti conseguenze.

Dal punto di vista narrativo, il film è diviso in cinque capitoli (1. La mia nascita; 2. L’adolescenza; 3. L’età adulta; 4. La famiglia; 5. La conquista della saggezza) che scandiscono le diverse fasi del percorso di Chris e della sua seconda vita nel nome di Alex. Al tempo stesso, un’altra tecnica narrativa efficace e replicabile in un proprio lavoro è la scelta di affiancare alla prospettiva del protagonista quella di un personaggio esterno, in questo caso della sorella Carine. La sua voce osserva gli eventi dal punto di vista di chi osserva questa scelta e consente di conoscere ciò che Chris non racconta (o non vuole raccontare).

Anche le scelte di regia, come il modo in cui vengono mostrati gli ambienti e viene utilizzato il montaggio parallelo, contribuiscono a rafforzare il racconto. Sean Penn alterna grandi panoramiche a momenti di forte intimità, utilizzando spesso elementi visivi molto simili per trasmettere sensazioni opposte. Le immagini che inizialmente celebrano libertà e indipendenza finiscono gradualmente per suggerire l’isolamento e la fragilità dello stile di vita scelto da Chris.

Un esempio è il Magic Bus. All’inizio appare come un simbolo della realizzazione del sogno di vita libera e selvaggia del protagonista, ma col passare del tempo assume un significato differente, diventando il luogo in cui sono racchiuse le contraddizioni della sua ricerca di libertà assoluta. Anche la macchina da presa segue questa trasformazione: quando il sogno di Chris diventa un incubo, l’immagine perde stabilità e restituisce il suo senso di smarrimento.

Non dimentichiamo ovviamente il ruolo centrale (se non primario) della colonna sonora originale composta e interpretata da Eddie Vedder. Brani come Society e Guaranteed (Golden Globe per la miglior canzone originale) accompagnano, raccontano i sentimenti e dialogano sempre con i temi della storia, amplificando le emozioni del protagonista e il suo cambiamento nei confronti del mondo.

Into The Wild mostra come un viaggio possa assumere un valore molto più grande quando è raccontato con gli strumenti del linguaggio audiovisivo. Fotografia, musica, montaggio, voce narrante: tutti gli elementi lavorano per trasformare un’avventura al limite in un’esperienza completa. Raccontare un viaggio è molto più che mostrare luoghi e spostamenti, significa costruire un percorso fatto di alti e bassi capace di lasciare il segno non solo a chi lo vive, ma anche a chi lo guarda.

Nonostante l’esito tragico, il viaggio di Chris si rivela un’esperienza necessaria. Poco prima di morire, annota una frase che racchiude tutto il senso del racconto: “la felicità è reale solo quando condivisa”. Una consapevolezza che ribalta l’idea da cui era partito e che rappresenta, in un modo o nell’altro, il punto di arrivo della sua avventura.

È questa tensione costante tra desiderio d’indipendenza e necessità degli altri a rendere Into The Wild un film così potente e universale a quasi 20 anni dalla sua uscita. Perché se il motore dell’avventura è la ricerca della libertà assoluta, il punto d’arrivo è la scoperta che nessuna libertà acquista veramente significato se non può essere condivisa con qualcuno.

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Regia di Sean Penn
Scritto da Sean Penn
Fotografia di Éric Gautier
Montaggio di Jay Cassidy
Musiche di Michael Brook, Kaki King, Eddie Vedder

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Viaggiare, osservare e contribuire attivamente: questi sono i presupposti di The Wild Ones, docu-serie prodotta e distribuita in streaming da Apple TV. Uscita nel 2025, segue il viaggio compiuto da Aldo Kane, Declan Burley e Vianet Djenguet nel tentativo di aiutare gli scienziati a salvare sei specie in pericolo di estinzione.

Attraverso immagini mozzafiato e le abilità di sopravvivenza del gruppo, la serie fa sentire lo spettatore parte integrante di un viaggio (letteralmente) salvifico. Attraversando foreste, deserti e oceani, The Wild Ones mostra come oggi il documentario naturalistico e di osservazione si costruisca soprattutto intorno all’attesa: quando i soggetti che cerchiamo sono invisibili o difficili da incontrare, è la preparazione della loro ricerca a diventare il cuore del racconto.

Consigliamo di dare un’occhiata a The Wild Ones in quanto capace di costruire un documentario naturalistico senza cadere in una didascalica raccolta di immagini fine a se stesse, ma anche per la modalità con cui entra in contatto coi protagonisti. Infatti, il risultato non è un “semplice” documentario sulle specie in via d’estinzione e sulle nuove tecnologie a disposizione per migliorare la loro preservazione, ma anche sullo sforzo compiuto ogni giorno da chi lavora per salvarli.

A non essere casuale è il fatto che la serie sia realizzata e distribuita da Apple TV, una piattaforma che da anni sta investendo sul documentario naturalistico con produzioni in grado di unire impatto emotivo e una qualità cinematografica (consiglio, a proposito, Earthsounds). Per questo motivo si presenta come un’ottima serie sia per chi vuole farsi travolgere dalla bellezza dei paesaggi e degli animali, ma anche per chi vuole osservare le scelte narrative e registiche di una produzione di questo tipo.

EPISODIO 1 - TIGRI

In viaggio nella foresta pluviale della Malesia, Dec, Vianet e Aldo si mettono alla ricerca della specie di tigre più rara al mondo, con l’obiettivo di avere del materiale da mostrare al governo malese per contrastare le vaste attività di bracconaggio presenti al di fuori del Parco Nazionale.

EPISODIO 2 - ORSI

Nell’immenso deserto del Gobi, in Mongolia, l’esistenza dell’orso più raro del mondo è messa in discussione dal progetto di costruzione di una strada che rischierebbe di distruggerne l’ecosistema. Affrontando una situazione estrema di sopravvivenza, il team spera di immortalare uno di questi esemplari così da mostrare all’UNESCO che c’è qualcosa che vale la pena salvare.

EPISODIO 3 - RINOCERONTI

Tra tutte le specie di rinoceronte, la più rara è quella che vive nel Parco nazionale di Ujung Kulon, nell’isola di Giava. Qui l’obiettivo del team non è solo quello di individuare gli esemplari, ma di aiutare il parco a individuare e filmare gli accoppiamenti nel tentativo di favorire la riproduzione della specie.

EPISODIO 4 - LEOPARDI

Tra le tortuose montagne dell’Armenia vive il leopardo del Caucaso, uno dei predatori più misteriosi del mondo. Con l’utilizzo di circa 80 telecamere, i tre ricercatori tentano (nell’arco di 6 mesi) di fotografare uno di questi rarissimi esemplari per contribuire alla tutela della specie.

EPISODIO 5 - GORILLA

Nelle giungle del Gabon il team si muove al fianco della comunità locale per seguire un branco di gorilla delle pianure occidentali. Ad emergere è un metodo sorprendente di conservazione: l’abituazione dell’animale legata a un turismo ecosostenibile gestito esclusivamente dalla comunità locale, in grado di aiutare sia gli animali che le persone che vivono nell’area.

EPISODIO 6 - BALENE

Nell’ultimo episodio Vianet, Aldo e Dec raggiungono il Canada per cercare le balene franche nordatlantiche, uno degli esemplari più rari del pianeta. Qui la ricerca passa attraverso fotocamere high tech, sistemi di tracciamento e di imaging alimentati ad intelligenza artificiale che permettono di ottenere immagini mai viste prima di questi cetacei.

Guardati nel loro insieme, i sei episodi mostrano come ogni missione parta da una specie diversa, attraversi un ambiente specifico e si confronti con un problema di conservazione particolare. Tutti gli animali incontrati non sono solo “soggetti da filmare”, ma il punto di partenza su cui costruire una narrazione sui territori, sulle fragilità ambientali e sulle diverse forme di intervento possibili.

In questo modo, dal punto di vista registico, The Wild Ones ribalta il classico documentario naturalistico costruito essenzialmente sulle riprese degli animali: la preparazione degli appostamenti, il posizionamento delle telecamere e i momenti di confronto tra i protagonisti sono gli elementi che reggono la narrazione di ogni episodio, coinvolgendo lo spettatore nella missione e rendendo visibile l’enorme lavoro svolto ogni giorno per salvaguardare queste specie.

Il racconto è così in grado di restituire efficacemente la dimensione più umana del progetto e dei suoi protagonisti. La serie, infatti, è un ottimo esempio di accesso ai personaggi: Dec, Vianet e Aldo non fanno solo da guide al racconto, ma sono parte integrante della missione. Li vediamo confrontarsi con esperti, scienziati e comunità locali, prendere decisioni sul campo, reagire agli imprevisti e superare le difficoltà di documentare questi animali. Proprio la loro presenza attiva serve a far percepire allo spettatore il peso umano e tecnico di ogni spedizione.

Allo stesso tempo, la serie dimostra come il documentario naturalistico e d’esplorazione, anche se non parliamo di esplorati in senso stretto, possa diventare uno strumento concreto di cambiamento, in questo caso nei processi di conservazione e nel far conoscere a un pubblico più ampio le motivazioni per cui moltissime persone si impegnano costantemente nel tentare di salvare le specie a rischio.

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Regia di Alex Ranken, Will Fegen
Scritto da Raynold Gideon, Bruce A. Evans
Fotografia di Julius Brighton
Musiche di Nainita Desai

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Un’avventura acquisisce davvero senso solo se, una volta terminata, lascia qualcosa dentro di noi. Non importa quanto sia lunga, ma quanto è in grado di smuovere sentimenti ed emozioni. È questo il caso di Stand By Me - Ricordi di un’estate, film manifesto degli anni Ottanta diretto da Rob Reiner e tratto dal racconto Il corpo di Stephen King. Se stai leggendo, approfittane, perché in occasione del suo 40° anniversario il film torna al cinema solo l’8-9-10 giugno 2026. Vale la pena rivederlo (o farlo per la prima volta) sul grande schermo per farti (ri)travolgere dall’avventura di quattro amici che, durante l’estate del 1959, decidono di mettersi alla ricerca del cadavere di un coetaneo scomparso nei boschi dell’Oregon.

Gordie, Chris, Teddy e Vern hanno appena finito le scuole medie (il primo vero limbo della vita), e condividono rapporti familiari complicati. Gordie vive un non-rapporto con i genitori dopo la morte del fratello maggiore; Chris, il “leader” del gruppo, porta sulle spalle il peso della cattiva reputazione della sua famiglia; Teddy convive con i traumi lasciati dal padre alcolista e psicologicamente instabile; Vern, il più ingenuo del gruppo, è spesso bullizzato dal fratello maggiore Billy. Quando scoprono che il corpo di un ragazzo scomparso potrebbe trovarsi in un bosco a qualche chilometro da Castle Rock, decidono di incamminarsi lungo i binari del treno. Non per un particolare senso del dovere: vogliono essere i primi a trovarlo, finire sui giornali, diventare “qualcuno”.

Prima di tutto, c’è da fare un passo indietro, anzi… in avanti. Il film inizia con Gordie adulto, seduto nella propria auto, con al fianco un giornale che scrive della morte di Chris. Da questo momento, l’uomo torna indietro negli anni con la memoria a quell’estate lontana in cui, a soli 12 anni, vide il suo primo essere umano morto. Ciò che vediamo è il filtro malinconico dei suoi ricordi, di un viaggio che continua a vivere nella mente di chi lo ha attraversato, ma che non può più tornare.

Consigliamo di andare al cinema a vedere Stand By Me perché utilizza l’avventura per raccontare, con rara delicatezza, il passaggio dall’infanzia a una nuova consapevolezza della vita. E vederlo sul grande schermo amplifica l’immersione: si entra nei boschi, nelle loro battute, nei dialoghi che definiscono quei due giorni di camminata. Reiner costruisce un’avventura all’apparenza semplice, ma che tra le sue pieghe parla di crescita, di perdita dell’innocenza e della scoperta di sé. La ricerca del corpo è un pretesto narrativo, il cuore del film è ciò che accade lungo il cammino e le conseguenze degli eventi: i quattro si aprono, fronteggiano sfide, si raccontano storie e si prendono costantemente in giro (Teddy e Vern su tutti). Passo dopo passo, le maschere cadono e la goliardia iniziale lascia spazio a una nuova intimità che approfondisce la loro amicizia come mai prima d’ora.

Quando si trovano faccia a faccia con il corpo, l’avventura perde improvvisamente il suo slancio giocoso. La morte non è più qualcosa che vedono nei film o che ascoltano dai racconti di Gordie, ma è lì davanti a loro. Questo è il momento in cui il disincanto infantile svanisce completamente per lasciare spazio alla crudezza della realtà. Ma questo cambiamento è il culmine del viaggio: ogni tappa, dalla splendida scena della corsa sul ponte alle sanguisughe, li costringe a un confronto continuo con paure, traumi e fragilità personali. La vista del cadavere è solo il colpo definitivo.

Il film continua a funzionare perché evita la nostalgia artificiosa. Reiner non idealizza l’amicizia, ma la cristallizza nel momento della vita in cui l’amicizia rappresenta tutto la vita. Allo stesso tempo, il film fa rivivere l’America di fine anni Cinquanta fatta di giubbotti di pelle, sigarette bruciate una dietro l’altra, mascolinità aggressiva e atteggiamenti provocatori che ricordano da vicino i modelli di James Dean e Marlon Brando. È l’immaginario adulto che i protagonisti credono di incarnare, prima che la realtà li ridimensioni.

Narrativamente, Stand By Me è costruito in maniera lineare: partenza, percorso, arrivo. Nella sua semplicità, la forza del film sta nella caratterizzazione dei personaggi e nel modo in cui la regia li colloca nel quadro. Spesso li vediamo piccoli, immersi nei paesaggi e lungo i binari: immagini che mostrano la sproporzione tra la loro condizione e il mondo che li aspetta in futuro. La natura è simbolo di un mondo più grande ancora da comprendere e scoprire, mentre la ferrovia guida lo sguardo attraverso un paesaggio estivo sospeso tra scoperta e nostalgia, simboleggiando il passaggio a una nuova consapevolezza.

La regia di Reiner trasforma con intimità e sobrietà l’avventura di quattro ragazzini in un vero viaggio di formazione. Non utilizza virtuosismi o complessi movimenti di macchina, preferisce una messa in scena che resta all’altezza dei ragazzi, li segue e li ascolta. Questa scelta permette di vivere il viaggio con i loro occhi, facendo percepire allo spettatore la sensazione di cambiamento provata dai ragazzi. Quando tornano a casa, infatti, Castle Rock non rappresenta più il mondo intero, ma appare più piccola, ridimensionata. Il percorso è tanto breve quanto incisivo: Gordie, Chris, Teddy e Vern scoprono il valore della vita e dell’amicizia.

Stand By Me è fondamentale se si intende raccontare un’avventura o un viaggio. Mostra che non è la distanza a rendere significativo il percorso, ma il modo in cui cambia e influenza i personaggi che lo compiono. Ogni tappa del cammino fa emergere una nuova qualità dei ragazzi, mentre il paesaggio non è uno sfondo decorativo, ma uno specchio emotivo che racconta le fragilità dei protagonisti più di qualsiasi dialogo. La trasformazione interiore dei ragazzini avviene tappa dopo tappa, per poi trovare il culmine nel ritorno alla vita di tutti i giorni.

In questo senso, il film mostra come il viaggio deve essere un dispositivo rivelatore. Ogni luogo deve raccontare qualcosa dei personaggi, deve trasformarli e metterli in dialogo con loro stessi. Le scelte di regia non devono spiegare, ma far emergere gradualmente l’importanza dello spostamento. Piuttosto che la lunghezza del viaggio, l’importante è la vicinanza con i personaggi e ciò che cambia in loro mentre camminano.

Stand By Me continua a emozionare a quarant’anni dall’uscita perché racconta una storia che molti hanno vissuto sulla propria pelle: il ricordo di un’estate lontana, in cui il mondo sembrava sospeso e infinito, gli amici inseparabili e il futuro tutto da immaginare.

Il film mostra un viaggio. Ma a viaggiare è anche lo spettatore, dentro i propri ricordi.

Regia di Rob Reiner
Scritto da Raynold Gideon, Bruce A. Evans
Fotografia di Thomas Del Ruth
Montaggio di Robert Leighton
Musiche di Jack Nitzsche

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Non tutte le sfide nascono dal desiderio di scoprire luoghi nuovi o, semplicemente, di provare piacere. Ci sono occasioni in cui le persone sentono il bisogno di lasciarsi alle spalle la normalità per scavare dentro sé stesse e capire fino a che punto possono spingersi. I protagonisti di A Long Way From Nowhere appartengono proprio a questa categoria. Il documentario, realizzato da Chris Ward e Paul T. Scheuring nel 2023 e disponibile in streaming su Prime Video, segue la Desert RATS Stage Race, una corsa di più giorni a dir poco estrema: 150 miglia, circa 241 chilometri, tra Colorado e Utah. Un percorso durissimo, un’Odissea fatta di caldo torrido, salite, stanchezza e silenzi, in cui i partecipanti attraversano il deserto americano spingendo il proprio corpo e la propria mente al limite.

Non si tratta, quindi, di raccontare soltanto una sfida che alcune persone hanno deciso di affrontare. La gara è il punto di partenza, il pretesto per parlare di qualcosa che va ben oltre il semplice (si fa per dire) sforzo fisico. A dominare la narrazione è il luogo che la ospita, talmente centrale da farsi metafora della gara stessa: il deserto. Non si tratta solo di uno sfondo esteticamente suggestivo e vasto al punto di ospitare una gara simile, ma diventa la materia stessa del racconto.

Il deserto è estenuante e apparentemente senza fine, proprio come la prova da affrontare. Non offre appigli, è torrido e mette in costante difficoltà i corridori costringendoli a rallentare, soffrire, pensare e fare i conti con le motivazioni che li hanno spinti a correre per tutti quei chilometri. È un luogo estremo che costringe a fare uno sforzo altrettanto estremo, fisicamente e mentalmente.

I due registi comprendono questo doppio binario e pertanto strutturano A Long Way From Nowhere lungo due linee narrative differenti, ma in continuo contatto. Se infatti il centro gravitazionale è il viaggio fisico compiuto dai partecipanti, un altro percorso altrettanto importante (forse anche di più) è quello personale, fatto spesso di vecchie ferite che emergono chilometro dopo chilometro. Con l’avanzare della gara conosciamo sempre di più i protagonisti e le motivazioni che li hanno spinti a questa scelta, componendo una doppia trama narrativa in grado di tenere sempre alta l‘attenzione.

Risiede nella dimensione umana della sfida l’elemento che trasmette un senso di vicinanza nei confronti dello spettatore. I corridori non sono professionisti presentati come eroi invincibili (a differenza di 14 vette: ai limiti del possibile), ma persone comuni con alle spalle storie e motivazioni diverse: si passa da un veterano dell’Iraq a un padre appena diventato vedovo, fino a un’agente di polizia. Figure molto diverse tra loro che affrontano diversi ostacoli nel corso delle ore passate a camminare su sabbia e pietre, ma tutte accomunate dalla scelta di affrontare questa corsa come una forma di esplorazione della propria condizione umana. Non è solo un racconto con una grande componente motivazionale: è un progetto che mostra in maniera veritiera cosa significhi vivere in prima persona questo cammino, senza spettacolarizzazioni di alcun tipo.

Questo trattamento dei partecipanti permette di fare emergere un fattore molto importante, da tenere a mente per qualsiasi progetto documentario: non si deve falsificare l’esperienza mostrata. La narrazione qui non eleva la gara a un’impresa irraggiungibile e tantomeno la semplifica: la rende reale, tangibile, mostrando sia i momenti di slancio sia quelli di difficoltà. Del resto, non vengono nascosti la fatica fisica, la sopportazione del caldo torrido e nemmeno le persone che non riescono a completare la gara e sono costrette a fermarsi prima. Queste “imperfezioni”, che rendono il documentario più sincero, vengono valorizzate perché la sofferenza è una parte inevitabile e fondamentale dell’intero percorso “catartico” vissuto. Come viene detto durante il film dall’organizzatore della gara: “Non si tratta di far soffrire le persone, ma di fornire loro l’opportunità di vedere cosa succede dopo che hanno superato il proprio limite”.

La fatica è la protagonista anche della struttura narrativa, non solo dell’esperienza dei corridori. All’inizio il documentario ci presenta il percorso per farci entrare mentalmente nella sfida, ma poi ce lo fa vivere giorno per giorno, senza raccontare didascalicamente le tappe. Prima che i corridori inizino la gara, i registi vogliono farci percepire quanto sarà lunga e faticosa per poi lasciare che sia il tempo del viaggio a costruire la narrazione, cercando di trasmettere la stanchezza anche a chi guarda. Ogni giorno è diverso dal precedente e dal successivo, così anche la narrazione si adatta ai cambiamenti che ogni tappa causa dal punto di vista fisico, emotivo e relazionale. Sono cinque giorni in cui a progredire non sono soltanto i chilometri percorsi, ma soprattutto lo stato d’animo dei partecipanti e il modo in cui si rapportano tra loro.

Un ruolo fondamentale nell’accesso ai protagonisti è svolto dalle interviste frontali. Non si tratta di semplici riempitivi fini a sé stessi o di momenti esplicativi inseriti solo per restituire informazioni, ma del mezzo attraverso cui comprendiamo davvero l’evoluzione dei corridori. Spesso vediamo i protagonisti correre sullo schermo mentre ascoltiamo le loro parole e questo fa sì che la voce sembri trasformarsi in pensiero, integrandosi con le immagini e creando una narrazione più completa: la macchina da presa ci fa percepire la distanza, la fatica e il caldo, mentre le interviste ci restituiscono l’interiorità. Si tratta di un uso intelligente della parola in funzione delle immagini, dato che non interrompe l’azione, ma la accompagna e la approfondisce.

Ben integrata allo stile narrativo è anche la colonna sonora, mai monotona e spesso in primo piano nel contribuire a rafforzare l’introspezione dei racers. Le diverse fasi della gara sono accompagnate costantemente da scelte sonore che riflettono le condizioni fisiche e mentali dei corridori: la forte spinta iniziale, la concentrazione, la crisi, la solitudine e la ripartenza diventano sensazioni tradotte anche sul piano sonoro. È così che la regia prova a trasporre sia visivamente sia musicalmente la fatica provata dai partecipanti e la motivazione che li spinge a superare i propri limiti, anche quando il corpo sembra cedere.

Un altro fattore interessante riguarda il senso di cambiamento generato nei corridori dalla sfida affrontata. Tutti, o quasi, arrivano nel deserto da soli, pronti a correre e a lottare contro sé stessi. Ognuno corre per sé, per i propri motivi e per i propri limiti personali da superare, eppure tutti stanno condividendo la stessa esperienza. Questo crea un forte senso di comunità che porta persone inizialmente sconosciute a diventare compagni di viaggio, trasformando una sfida personale in un’occasione di relazione, confronto e aiuto reciproco.

È il ruolo comunitario e al tempo stesso catartico della Desert RATS Stage Race a rappresentare il cuore documentario. Alcuni partecipanti non riescono a terminare la gara, chi per il dolore ai piedi, chi per la fatica estrema, ma questo non viene raccontato come un fallimento. Il messaggio trasmesso è soprattutto nella consapevolezza che il successo non si raggiunge completando la sfida, ma in ciò che si impara e si crea lungo il percorso: le persone incontrate, le storie ascoltate, le emozioni vissute e la consapevolezza di aver dato tutto sono i veri elementi della vittoria. Si tratta di un chiaro esempio di come il senso di una grande sfida non coincida necessariamente con l’arrivo, ma con ciò che lascia a chi la compie.

Come avete avuto modo di leggere, sono diversi gli spunti di riflessione che possono emergere guardando A Long Way From Nowhere, molti dei quali possono risultare utili anche a chi, un giorno, volesse raccontare un proprio viaggio, una gara o una spedizione. Il primo riguarda l’importanza del luogo: il deserto, con il suo calore e la sua apparente infinitezza, si trasforma nella sfida stessa, diventando un personaggio a tutti gli effetti, con un ruolo attivo nel modificare sensazioni, pensieri e comportamenti. Il secondo riguarda la costruzione dei protagonisti e il modo in cui le interviste frontali possono essere integrate in maniera fluida alla narrazione. Infine abbiamo l’equilibrio tra viaggio fisico e viaggio interiore, un elemento fondamentale per far funzionare il racconto di una spedizione, di una gara o di un cammino, perché è fondamentale mostrare lo svolgimento pratico della gara, ma è altrettanto importante far emergere cosa cambia dentro durante il percorso.

A Long Way From Nowhere è un progetto piccolo, abbastanza di nicchia, ma proprio per questo interessante da osservare con attenzione, anche per chi non è interessato all’ultra-running. La gara di corsa diventa il pretesto per parlare di emozioni come paura, resistenza, fragilità, comunità e desiderio di sentirsi nuovamente vivi. Una prova fisica ai limiti del possibile utilizzata per far emergere qualcosa di estremamente umano.

Perché, alla fine, la vera sfida non è soltanto superare un limite, ma capire cosa quel limite rivela di noi una volta attraversato.

GUARDA A LONG WAY FROM NOWHERE SU PRIME VIDEO

Regia di Paul Scheuring, Chris Ward
Fotografia di James Adamson
Montaggio di Josh Dragge
Musiche di David Butterfield
Prodotto da Paul Scheuring, Chris Ward, Josh Dragge

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Spesso bisogna allontanarsi da casa per conoscere davvero le persone con cui viviamo. È ciò che accade agli Hoover in Little Miss Sunshine, film del 2006 diretto da Jonathan Dayton e Valerie Faris, disponibile in streaming su Disney+. Vincitore di due premi Oscar, il film segue la famiglia Hoover (interpretata da Greg Kinnear, Toni Collette, Steve Carell, Alan Arkin, Abigail Breslin e Paul Dano) nel viaggio da Albuquerque alla California per accompagnare la piccola Olive alla finale di un concorso di bellezza per bambine.

La premessa è semplice: Olive viene selezionata per partecipare a questa competizione di bellezza e tutta la famiglia decide di accompagnarla a bordo di un vecchio pulmino Volkswagen. Ma ciò che potrebbe sembrare la premessa di una commedia familiare leggera si trasforma presto nel ritratto di una famiglia profondamente disfunzionale: il padre Richard è ossessionato dal successo e dal suo metodo dei “nove passi”; la madre Sheryl cerca a fatica di tenere insieme tutti; lo zio Frank è depresso e reduce da un tentativo di suicidio; il fratello Dwayne ha fatto voto di silenzio; il nonno Edwin è provocatorio, fuori controllo e, per non farci mancare nulla, dipendente dall’eroina. In mezzo a loro c’è Olive, concentrata solo sul suo sogno e ancora lontana dal cinismo e dalle frustrazioni degli adulti che la circondano.

Consigliamo Little Miss Sunshine perché utilizza la strada come dispositivo che porta i personaggi a spogliarsi e mostrarsi per quello che realmente sono. Il malandato pulmino Volkswagen su cui viaggiano si trasforma in una casa in movimento che costringe tutta la famiglia a stare sempre insieme senza possibilità di isolarsi o nascondersi. In questo modo, se ogni chilometro di strada avvicina Olive alla gara, al tempo stesso spinge gli altri a fare i conti con la propria idea di successo e con la paura di essere dei perdenti.

Il film funziona per la coerenza con cui tratta questo tema. Attraverso il viaggio degli Hoover, il film scardina completamente il binario che divide perdenti e vincenti, lo stesso su cui Richard ha costruito la propria identità. Ma non solo. Il fallimento dei “nove passi” di Richard è una parodia, neanche troppo velata, nei confronti del mito americano del self-made man e dell’idea per cui, con il giusto metodo e la giusta forza di volontà, chiunque possa diventare “qualcuno”. Come si vedrà nel film, questo mito attraversa la famiglia intera e porterà tutti a “fallire” nel loro tentativo. Tutti tranne Olive: lei viene addestrata dal padre ad avere la mentalità vincente, ma è il nonno (un drogato cacciato dalla casa di riposo, il perfetto opposto del self-made man) a insegnarle che la cosa più importante è essere sé stessa, proprio come lui non si è mai uniformato agli altri.

Infatti, Olive sale sul palco del concorso e fa il numero insegnatole dal nonno, uno striptease completamente fuori registro rispetto a quello delle altre bambine che si sono uniformate al sistema guardando Miss America alla TV. Non vince, ma non perde nemmeno, perché i suoi gesti scardinano le categorie su cui si basa tutto quel sistema. Lei decide di rimanere sé stessa e il film non rovescia questo atto in una vittoria alternativa, ma lo usa per mettere in discussione il criterio stesso con cui qualcuno stabilisce chi è adatto e chi è fuori luogo. Quando tutti gli Hoover salgono sul palco cercano sì di evitare che Olive venga umiliata, ma soprattutto scelgono di condividere la sua diversità dal modello imposto dal concorso e di mostrarsi così come sono: perfettamente imperfetti, ridicoli agli occhi del pubblico, ma uniti.

La struttura di Little Miss Sunshine è apparentemente classica: un evento scatenante, un viaggio e una destinazione da raggiungere correndo contro il tempo. A rendere speciale il film è il fatto che questa costruzione viene variata in maniera anti-convenzionale: gli ostacoli, oltre a rappresentare le situazioni comiche principali, diventano l’espediente attraverso cui porre delle sfide e far crollare le maschere dei protagonisti. Ogni difficoltà incontrata rallenta, da un lato, il tragitto fisico dei membri della famiglia, dall’altro però li fa “avanzare” dal punto di vista personale. I rapporti familiari si evolvono proprio come conseguenza agli eventi che accadono lungo la strada, consentendo alla narrazione di mantenere l’equilibrio tra la comicità a larghi tratti grottesca e il realismo di questi personaggi che, emotivamente parlando, restano sempre credibili.

Tale equilibrio narrativo si riflette anche nel lavoro di regia di Jonathan Dayton e Valerie Faris. Nel loro esordio al lungometraggio dopo anni dedicati a videoclip e pubblicità, la coppia porta all’interno della storia una sensibilità fortemente indie. Costruisce uno sguardo intimo e discreto nei confronti dei personaggi, lasciando che siano silenzi, gesti e dialoghi a rivelarne la vulnerabilità. La macchina da presa li osserva spesso a distanza, prima presentandoli singolarmente e poi schiacciandoli in scene corali che ne evidenziano le dinamiche interne. Per fare questo lavoro si servono di pochi movimenti di macchina, di inquadrature essenziali ma studiate con precisione, in modo che le emozioni emergano in maniera naturale.

Tipico del cinema indipendente americano è anche l’approccio al paesaggio attraversato. Il territorio americano qui diventa uno sfondo quotidiano e apparentemente anonimo fatto di tavole calde, deserti, stazioni di servizio e motel. Dayton e Faris evitano l’estetizzazione tipica del road movie classico, scegliendo di ribaltarne l’immaginario attraverso un minimalismo che riflette la condizione emotiva dei personaggi piuttosto che celebrarli.

Il rovesciamento riguarda anche il modo in cui i protagonisti si approcciano al viaggio: scordiamoci le figure solitarie o ribelli del road movie tradizionale (pensiamo a Easy Rider e Thelma & Louise) che viaggiano per esplorare la propria identità o per scappare da una vita conformista. Qui tutto è ribaltato. I protagonisti sono in sei, costretti in un ambiente angusto; non intendono esplorare loro stessi, ma sono costretti a farlo mentre si confrontano con gli altri. Infine, non fuggono da una vita monotona verso una presunta libertà, ma si dirigono verso un grottesco concorso di bellezza che incarna proprio quel conformismo estetico e competitivo tipico degli USA.

Se ti interessa raccontare storie di viaggio, Little Miss Sunshine è particolarmente interessante perché mostra che il viaggio non deve essere necessariamente associato all’eccezionale o al paesaggio spettacolare. L’avventura degli Hoover è ordinaria, scomoda e ridicola, eppure funziona proprio perché ogni tappa mette costantemente sotto pressione i personaggi. Proprio per questo la strada diventa l’elemento centrale: è il dispositivo che mette i personaggi nelle condizioni di evolvere, dimostrando come la forza di tutto il racconto non stia nella grandezza della meta da raggiungere, ma in ciò che il percorso fa emergere.

Anche il mezzo di trasporto, come abbiamo visto per Viaggi al Rallentatore, diventa molto più che un elemento pratico. Il pulmino Volkswagen si presenta come lo spazio narrativo del film in cui gli Hoover sono costretti a condividere tutto, dalle crisi ai silenzi fino ai frustranti imprevisti. Si tratta di un altro aspetto fondamentale per chi racconta i viaggi, dato che qui il mezzo non è neutro, ma determina ritmo, relazioni e conflitti.

La corsa contro il tempo per portare Olive a coronare il proprio sogno ricorda che una buona storia di viaggio non si regge esclusivamente su trasformazioni spettacolari e immagini paesaggistiche da capogiro. Può funzionare anche quando segue personaggi imperfetti lungo un tragitto altrettanto imperfetto, purché quel percorso produca delle conseguenze narrative rilevanti. Gli Hoover non arrivano al Little Miss Sunshine come una famiglia vincente o perfetta, ma come una famiglia che ha imparato, letteralmente e simbolicamente, a spingere dalla stessa parte.

GUARDA LITTLE MISS SUNSHINE SU DISNEY+

Regia di Jonathan Dayon, Valerie Faris
Scritto da Michael Arndt
Fotografia di Tim Suhrstedt
Montaggio di Pamela Martin
Musiche di Mychael Danna, DeVotchKa

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Viaggiare per ricollegarsi al proprio territorio. Questo l’assunto di base di Linea 7000, documentario del 2022 disponibile su Prime Video che racconta e percorre il Sentiero Italia CAI, un ambizioso percorso escursionistico che unisce tutto il Paese dalle Alpi fino alle isole. Realizzato da Giacomo Piumatti insieme al reporter di viaggio Gian Luca Gasca, il progetto nasce dall’unione di 8 mini-video documentari che mostrano ambienti molto diversificati, passando dalle montagne alle colline, dalle vallate ai borghi antichi. Il documentario segue proprio Gasca nei Parchi Nazionali e Regionali più suggestivi d’Italia, con l’obiettivo di spingere le persone a visitare queste mete in maniera sostenibile utilizzando solo i mezzi pubblici e i percorsi di trekking.

Un racconto breve ma efficace, che consigliamo soprattutto per il modo in cui il “narratore-guida” entra a contatto con i luoghi senza limitarsi a mostrarne e descriverne la bellezza. Dal Parco Regionale dell’Etna fino alle Alpi, Gian Luca dialoga con la natura e con la storia dei territori attraversati mentre racconta le proprie impressioni su ciò che ha vissuto lungo il cammino. Il film si struttura così su due piani: uno personale, perché restituisce la sua esperienza diretta, uno esplicativo, perché introduce e fa conoscere il Sentiero Italia. Per questo motivo Linea 7000 è un buon esempio di come un documentario di viaggio possa raccontare non solo i paesaggi attraversati, ma anche il modo in cui quei luoghi possono essere vissuti, raggiunti ed esplorati.

Il documentario non si limita infatti a celebrare il cammino o a invitare alla scoperta dell’Italia. L’aspetto più interessante emerge nel modo in cui il viaggio si trasforma in una riflessione sul rapporto tra uomo e territorio: cosa significa attraversarlo, con quali mezzi scegliamo di raggiungerlo e in che modo possiamo entrare a contatto con ciò che incontriamo. Non si parla solo di eco-escursionismo, ma di proporre uno sguardo diverso sull’Italia intera e su come “rimpossessarsi di casa propria”.

Funziona anche perché rende accessibile un percorso enorme che non tutti potrebbero completare nella sua totalità. Percorrere gli oltre 7000 chilometri richiede molto tempo, ma il film mostra come l’itinerario possa essere vissuto anche “a tappe” tramite brevi viaggi della durata di un weekend. Questa idea, sostenuta sin dall’inizio dagli ideatori del progetto, si lega alla possibilità di combinare il trekking e l’uso dei mezzi pubblici, trasformando Linea 7000 in uno strumento utile a promuovere un’idea di viaggio sostenibile ed evitare l’abbandono di molte aree naturali del nostro Paese. Allo stesso tempo, Gasca non nasconde le criticità legate all’utilizzo di mezzi pubblici: raggiungere i sentieri è spesso complicato per via di collegamenti, orari e organizzazione non sempre efficienti. Anche in questo caso, vengono restituiti due punti di vista sull’esperienza.

Dal punto di vista narrativo, il Sentiero Italia non è solo oggetto del racconto, ma il filo conduttore che tiene insieme luoghi molto diversi e dà continuità alla progressione del viaggio. Lo si nota anche nella scelta di mostrare la mappa col tracciato che avanza prima di ogni tappa, un espediente tanto semplice quanto efficace nell’orientare la visione e nel rendere percepibile le dimensioni del percorso. L’itinerario è quindi raccontato come una linea capace di dar forma e chiarezza al documentario.

Questa costruzione, però, risente dell’origine episodica del progetto. Essendo una summa di 8 mini-video di circa dieci minuti, il documentario mantiene in alcuni passaggi una scansione segmentata che alla lunga impatta sulla fluidità narrativa. Un limite assolutamente comprensibile se pensiamo alla mole di materiale da condensare in meno di un’ora, ma che non evita di rendere alcuni momenti del viaggio un po’ troppo sbrigativi.

Una delle scelte più riuscite riguarda invece l’uso delle immagini dei luoghi al servizio della narrazione. Fotografia e inquadrature completano ciò che viene raccontato dalla voce di Gian Luca e mostrano la varietà del territorio, l’ampiezza degli spazi naturali e la presenza umana nei paesi visitati. L’immagine non si limita a mostrare la bellezza dell’Italia, ma rende visibile la relazione tra luoghi, persone e storia, restituendo anche a livello cinematografico le due anime del viaggio: da un lato l’immensità e la bellezza dei paesaggi, dall’altro i dettagli concreti e “pratici” dell’esperienza, come l’arrivo nei paesi, i sentieri da percorrere, gli incontri e la “lotta” con l’organizzazione dei mezzi pubblici.

Con Linea 7000 si può imparare che non bisogna solo documentare le tappe che compongono il nostro viaggio, ma trovare una forma che riesca a dare senso e continuità alla storia. In questo caso, come detto, è il Sentiero Italia stesso ad essere la base su cui organizzare il racconto e collegare tra loro luoghi, esperienze e riflessioni.

Un altro elemento importante riguarda il ruolo del narratore: Gian Luca si presenta come un amico e racconta in maniera trasparente la propria esperienza. Sono proprio le sue impressioni a dare calore al documentario e ad evitare che la narrazione del Sentiero risulti distaccata. La vicinanza tra chi racconta e chi guarda è fondamentale non solo per rendere la narrazione coinvolgente, ma anche per creare un ponte tra lo spettatore e i territori toccati. Un equilibrio che Gian Luca riesce a mantenere e che dimostra come il narratore svolga un ruolo centrale nel modo in cui si accede alla storia, senza trasformare il prodotto finale in un semplice “diario di viaggio”.

In conclusione, Linea 7000 è un documentario utile perché ricorda che raccontare un viaggio non significa soltanto recarsi in diversi luoghi, ma costruire una relazione con essi e con il modo in cui scegliamo di viverli. Sviluppato a partire dagli itinerari del Sentiero Italia, il film propone uno sguardo sul territorio che unisce paesaggi, mobilità sostenibile, esperienza personale e riflessione sul rapporto uomo-ambiente. La lezione più interessante sta proprio qui: una storia di viaggio funziona quando non si limita ad accumulare luoghi suggestivi, ma quando trova un elemento capace di dare continuità, direzione e senso al racconto.

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Regia di Giacomo Piumatti, Gian Luca Gasca
Soggetto di Gian Luca Gasca
Fotografia e riprese Vito Delaurentis
Montaggio di Giacomo Piumatti
Motion Graphics di Marco Barbieri, Davide Sabatini

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Ci sono film e saghe che non hanno bisogno di presentazioni, tanto sono entrati nell’immaginario popolare. Tutti (o almeno spero, sennò dovete correre) abbiamo visto almeno una volta quella che è probabilmente la migliore trilogia della storia del cinema: Il Signore degli Anelli, diretta da Peter Jackson tra il 2001 e il 2003. Tratti dai romanzi di J.R.R. Tolkien e disponibili ancora per poco su Prime Video, i tre film che compongono questa epopea fantasy sono un esempio di come un viaggio estenuante possa tenere lo spettatore incollato allo schermo.

La storia la conosciamo molto bene. Frodo Baggins è un timido hobbit della Contea a cui è stato affidato il compito di distruggere l’Unico Anello creato dall’Oscuro Signore Sauron nel fuoco del Monte Fato, situato nella terra di Mordor. Ad accompagnarlo in questo lungo cammino ci sono uomini, elfi, nani e hobbit. La “Compagnia dell’anello” però si divide presto, e i tre film iniziano a seguire le diverse strade percorse dai personaggi mentre attraversano la Terra di Mezzo.

Perché parlare di una trilogia così distante dal reale? Cosa hanno in comune il fantasy, basato sul sovrannaturale, e i viaggi, spesso associati alla realtà? Beh, noi siamo qui a parlarne perché, in fin dei conti, Il Signore degli Anelli è probabilmente la saga che più utilizza le ambientazioni e il tema dello spostamento nello spazio come assi portanti di tutta la narrazione: ogni spostamento, infatti, ha un senso ben specifico per la crescita dei protagonisti.

La crescita di ogni personaggio, infatti, è legata profondamente ai luoghi in cui si trova e agli ostacoli che incontra: in questo modo, non si presentano mai in maniera neutrale, ma come degli agenti attivi che trasformano chi li oltrepassa. Qui emerge uno degli aspetti fondamentali di qualsiasi racconto di viaggio: gli spostamenti non devono mai essere semplici riempitivi.

La saga trasforma ogni linea narrativa in una diversa declinazione del viaggio. Per Frodo e Sam il cammino verso Mordor è soprattutto una prova interiore, fatta di tentazione, paura e resistenza. Per Aragorn è un percorso identitario, che lo conduce ad accettare il proprio destino. Per Merry e Pipino, invece, il viaggio coincide con il passaggio dall’ingenuità alla consapevolezza. In questo senso, la Terra di Mezzo non è solo uno spazio da attraversare, ma una mappa emotiva in cui ogni luogo costringe i personaggi a cambiare e fare i conti con se stessi.

Proprio per la molteplicità dei percorsi e delle avventure vissute dai personaggi, la trilogia aveva bisogno di una forte unità interna, capace di impedire al racconto di apparire frammentato. In questo senso, una delle caratteristiche inconfondibili del lavoro di Jackson è la capacità di far percepire i tre film come un unico grande racconto, continuo e coerente. Questo è stato possibile grazie alla scelta precisa del regista di girare tutta l’epopea in un’unica soluzione, in Nuova Zelanda, insieme al direttore della fotografia Andrew Lesnie.

Le conseguenze principali di questa scelta sono due. La prima è puramente tecnica e produttiva: girare tutte le riprese in un’unica fase di lavorazione (di più di un anno), ha permesso di mantenere una forte continuità tra i tre film. La seconda si riflette sulla narrazione, dato che questa scelta incide sulla forma del racconto trasformando la Terra di Mezzo in uno spazio riconoscibile e con una identità ben precisa per tutta la durata del viaggio. Attraverso precise scelte visive e registiche, la strada verso Mordor partecipa attivamente alla trasformazione dei personaggi.

Dal punto di vista visivo, è stata premiata la volontà di realizzare le riprese soprattutto in luoghi reali, una decisione che permea tutta la messa in scena di un profondo senso di realismo epico. Questa scelta conferisce all’opera un’identità estetica riconoscibile dall’inizio alla fine, con luci, cromatismi e paesaggi in grado di rendere unico ogni luogo e, al tempo stesso, legarlo allo sviluppo emotivo dei personaggi. Guardando la trilogia, non si può non rimanere sbalorditi dalla capacità delle immagini di integrarsi perfettamente con il racconto.

Ad affiancare questa estetica visiva è una regia capace di tenere alta l’attenzione per ben 11 ore (e non è da poco). Peter Jackson utilizza magistralmente la regia parallela per costruire un racconto armonioso sul piano narrativo e ritmico, senza sbilanciare mai l’attenzione. Da un lato i campi larghi e larghissimi restituiscono le dimensioni immense della Terra di Mezzo e la fatica fisica del cammino; dall’altro si serve di molti primi piani e dettagli per comunicare la condizione psicologica degli eroi lungo il percorso. Per questo il viaggio si fa protagonista e la regia lo dimostra bilanciando costantemente la relazione tra ambienti e soggetti.

Ecco che allora possiamo rispondere alla domanda: ma cosa si può imparare guardando Il Signore degli Anelli? La risposta sta nella ricerca di un equilibrio costante tra gli ambienti che riprendiamo e coloro che li attraversano, in modo che siano sempre in relazione. La trilogia ci insegna che lo spazio da attraversare deve essere trattato come personaggio attivo, come una presenza capace di influenzare il tono, il ritmo e lo stato emotivo di chi lo vive. Con attenzione, ogni paesaggio può diventare parte attiva della narrazione: può mettere alla prova i protagonisti, rivelare paura, amplificare la fatica.

Bilanciare la spettacolarità degli ambienti e l’introspezione dei personaggi è fondamentale, e Peter Jackson lo dimostra chiaramente. I due elementi devono procedere insieme e trasformarsi a vicenda lungo il cammino, perché un grande racconto di viaggio nasce da questa relazione.

Come ci ricorda Bilbo:

“Metti piede sulla strada e, se non tieni i piedi, non si sa dove puoi finire spazzato via”

GUARDA LA SAGA DE IL SIGNORE DEGLI ANELLI SU NETFLIX

Regia di Peter Jackson
Scritto da Fran Walsh, Philippa Boyens e Peter Jackson
Fotografia di Andrew Lesnie
Montaggio di Jamie Selkirk
Musiche di Howard Shore

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Chi va piano, va sano e lontano, no? In un’epoca in cui è tutto “mordi e fuggi” e la velocità domina ogni nostra attività, andare al rallentatore sembra una scelta controcorrente. Viaggi al rallentatore tenta proprio di valorizzare una qualità che sembra ormai appartenere a un altro tempo: la lentezza e la contemplazione. Attraversando Africa, Sud America, Asia ed Europa, la serie ci trasporta non solo nei luoghi visitati, ma nelle persone che li abitano e nelle problematiche sociali, etiche ed ambientali che emergono nel corso del viaggio.

La serie realizzata da (il nostro) Ludovico De Maistre e Gabriele Saluci, disponibile su Rai Play e Amazon Prime Video,tenta di sovvertire la brutta piega dei viaggi realizzati solo per avere una raccolta di immagini e video, ma senza vivere i luoghi attraversati e le persone che li abitano. Il concetto di base delle diverse stagioni asseconda quest’idea: viaggiare utilizzando solamente dei mezzi di trasporto che non superano i 50 km/h. Una regola, un paletto produttivo ed etico, che diventa immediatamente una dichiarazione d’intenti.

Oltre che realizzata dal fondatore della Travel Film School (e di questa newsletter), vi vogliamo parlare di Viaggi al rallentatore proprio perché riesce a trasmettere un messaggio che sembra più urgente che mai: l’importanza del turismo sostenibile e “lento”. Ogni episodio è intriso di una profonda umanità, visto che a comporre le tappe del viaggio non sono solo i magnifici paesaggi che si incontrano, ma soprattutto il valore del tempo, dell’ascolto e del godersi il momento a contatto con chi, quei territori, li vive ogni giorno.

Un tema, quello del turismo sostenibile, che riguarda da vicino chiunque intenda documentare il proprio viaggio. Molte delle persone conosciute da Ludovico e Gabriele raccontano di come molti turisti arrivano, scattano un paio di foto e poi se ne vanno, lasciando dentro di loro la sensazione di essere trattati come attrazioni turistiche piuttosto che come persone. Muoversi lentamente diventa un modo per instaurare un rapporto autentico con le persone incontrate. Questo, oltre che una scelta etica e consapevole, influenza la veridicità e l’importanza del progetto.

Proprio perché vissuta “al momento”, l’apparato produttivo della serie rispecchia la coerenza del racconto. Il viaggio lento, pieno di imprevisti, e l’utilizzo di mezzi di trasporto piuttosto “particolari” obbligano ad avere un’attrezzatura leggera. Questa scelta, oltre che una necessità, permette di ottenere un vantaggio non secondario: aumenta il coinvolgimento dello spettatore creando vicinanza con i luoghi e i soggetti raccontati. Non è quindi necessaria una produzione eccessiva, ma un’idea precisa e un modo originale per raccontarla.

Al tempo stesso, risulta interessante anche la scelta degli episodi brevi. Da un lato è una scelta dettata dal fatto che gli episodi facevano parte di un programma televisivo con dei tempi ben strutturati, dall’altro potrebbe essere interessante ragionare sulla transmedialità che la durata breve offre. La durata breve, infatti, si adatta perfettamente non solo alla televisione, ma anche alla distribuzione online su piattaforme come YouTube. Anche la durata, pertanto, è una delle scelte che potrebbe far funzionare o meno il proprio documentario d’esplorazione, rendendolo appetibile anche fuori dai confini nazionali.

La costruzione narrativa, coerentemente al progetto, lavora sulla spontaneità della giornata. Il viaggio, gli incontri e gli imprevisti (oltre che a strappare una risata) diventano gli elementi su cui si fonda il ritmo del racconto: venditori di tappeti, problemi coi mezzi di trasporto e le strade complicate, sono elementi casuali di questo tipo a far progredire la narrazione e a rendere coinvolgente il viaggio, visto che questi momenti “imperfetti” finiscono per essere i momenti più divertenti della serie. Tutte scelte che rendono la videocamera non uno strumento di osservazione, ma di partecipazione.

Insomma, guardando Viaggi al rallentatore si può imparare molto sul documentario di viaggio. Innanzitutto, non c’è bisogno di controllare ogni elemento della narrazione: spesso sono proprio l’imprevisto e la spontaneità di chi racconta a suscitare interesse da parte dello spettatore e a dar vita alle scene migliori. Dal punto di vista produttivo bastano una troupe leggera e un messaggio da condividere, due elementi che da soli permettono di creare un racconto creativo e ben riuscito.

La forza del progetto sta proprio qui: trasformare la lentezza da semplice modalità di spostamento a metodo di racconto. Non si viaggia piano solo per arrivare, ma per permettere che il viaggio produca incontri, deviazioni nel cammino e consapevolezza in chi lo compie. Al rallentatore.

GUARDA VIAGGI AL RALLENTATORE SU RAI PLAY

GUARDA VIAGGI AL RALLENTATORE SU PRIME VIDEO

Regia di Gabriele Saluci, Ludovico De Maistre
Scritto da Gabriele Saluci
Fotografia di Gabriele Saluci, Ludovico De Maistre
Produzione di Travel Media House

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Cosa rende un’impresa memorabile? Il record, la motivazione, il rischio, oppure la storia collettiva che riesce a portare con sé? Iniziamo così a parlare di 14 vette: scalate ai limiti del possibile (14 Peaks: Nothing Is Impossible), documentario del 2021 diretto da Torquil Jones e disponibile su Netflix. Al centro c’è il “Project Possible”: la sfida intrapresa dall’alpinista nepalese Nirmal “Nims” Purja di scalare le 14 montagne oltre gli ottomila metri in massimo sette mesi, riscrivendo i limiti dell’alpinismo mondiale.

Lo consigliamo perché trasforma una grande impresa individuale in una narrazione collettiva. Le quattordici scalate non si propongono solo come un racconto motivazionale sul superamento dei propri limiti e sull’esaltazione dello scalatore, ma diventano un modo per restituire visibilità e dignità alla comunità degli scalatori nepalesi, spesso oscurati dai media a favore dei “colleghi” occidentali.

È questo sottotesto culturale e sociale a rendere l’impresa di Purja coinvolgente a un pubblico molto ampio ed eterogeneo come quello a cui si rivolge Netflix, parlando non solo agli appassionati di sport estremi e di montagna, ma anche a chi riconosce, dietro una grande impresa, una questione identitaria capace di abbracciare un popolo intero.

Partendo da un obiettivo chiaro e ben delineato (il racconto di una grande impresa sportiva), il documentario costruisce qualcosa che va oltre il classico ritratto celebrativo di un uomo. Il film segue Purja nella sua determinazione, nella sua ambizione personale e nella sua capacità di guidare un gruppo, ma non rinuncia a mostrarne anche i momenti di debolezza fisica e mentale che accompagnano il progetto sin dalle fasi preparatorie. In questo modo, Torquil Jones restituisce un ritratto a 360 gradi del protagonista dell’impresa.

Proprio questa componente è una delle caratteristiche fondamentali di un documentario di questo tipo: anche quando vengono raccontate gesta straordinarie (nel senso letterale di “fuori dall’ordinario”), ciò che rende la storia fruibile a spettatori molto diversi è la dimensione umana del protagonista. Non basta raccontare l’impresa: bisogna costruire un punto di contatto emotivo che permetta al pubblico di avvicinarsi a ciò che sta vedendo.

Per quanto riguarda la costruzione narrativa, la scalata di ogni vetta rappresenta una tappa di un percorso impressionante, capace di mantenere costante la tensione del film. Il montaggio lavora in modo associativo alternando stati d’animo, momenti di crisi e di euforia, e restituisce la percezione concreta del pericolo e delle difficoltà vissute da Nims e dagli Sherpa.

La regia, infatti, insiste sul lavoro di squadra degli sherpa e sul ruolo di Purja nel sostenere i compagni nei momenti più difficili. In questo modo evita di ridurre il racconto al mito individuale dell’eroe solitario, restituendo invece un’impronta collettiva che arricchisce il ritratto del protagonista. Meno integrate alla messa in scena risultano le interviste frontali alla moglie e ad alpinisti come Reinhold Messner e Jimmy Chin, visto che spesso interrompono la continuità visiva costruita dalle immagini della spedizione.

Per chi studia il linguaggio del documentario, il lavoro di Torquil Jones è utile per riflettere sul rapporto tra il materiale girato dai protagonisti e il ruolo che assume nella struttura narrativa. Le riprese realizzate dai membri della spedizione non sono un semplice supporto, ma il cuore pulsante del film: il loro valore non sta solo in ciò che mostrano, ma nel punto di vista da cui mostrano l’azione. In questo modo permettono allo spettatore di percepire la fatica, il rischio e l’incertezza vissuti durante le diverse scalate: emblematica, in questo senso, la tappa del K2, dove le immagini trasformano la spedizione in un’esperienza visiva diretta.

Vale quindi la pena interrogarsi, già in fase di pre-produzione, sul ruolo che il materiale girato dai protagonisti può avere all’interno della narrazione. In alcuni casi, questo tipo di immagini può trasformarsi in una scelta precisa, capace di avvicinare lo spettatore all’esperienza reale dei personaggi. Al tempo stesso, il caso delle interviste frontali offre un’altra lezione utile: usare quelle stesse voci come commento audio alle immagini spettacolari delle spedizioni avrebbe probabilmente mantenuto più alta la tensione visiva, senza rinunciare alle testimonianze esterne.

14 vette: scalate ai limiti del possibile trasforma una grande avventura sportiva e umana in una narrazione completa, in grado di restituire relazioni, identità e punti di vista. Questo documentario dimostra che raccontare un’avventura non significa solo mostrare le grandi capacità atletiche di un uomo, ma trasmettere le motivazioni culturali e sociali che hanno reso possibile la realizzazione di questo viaggio ad alta quota.

Proprio per queste motivazioni, un protagonista non si definisce soltanto dalle azioni compiute, ma anche attraverso le relazioni che costruisce e le testimonianze delle persone che gli stanno intorno. È questa dimensione più ampia a trasformare le gesta di Nirmal Purja in una storia che valeva la pena raccontare.

Per chi è interessato al documentario d’avventura (sportivo e non), il racconto del “Project Possible” mostra come la montagna, pur essendo l’assoluta protagonista visiva, finisca per lasciare spazio ai rapporti umani. 14 vette ci ricorda che ogni viaggio, anche il più estremo, diventa davvero universale quando riesce a raccontare le persone che lo compiono.

GUARDA 14 SCALATE: AI LIMITI DEL POSSIBILE SU NETFLIX

Regia di Torquil Jones
Scritto da Gabriel Clarke, Torquil Jones
Fotografia di Chris Alstrin
Montaggio di Ian Grech
Musiche di Nainita Desai

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Non solo i documentari raccontano il mondo dell’esplorazione e dei viaggi, ma anche i film di finzione corrono in nostro aiuto per mostrarci storie e destinazioni da capogiro. In questo senso, I sogni segreti di Walter Mitty, film del 2013 diretto da Ben Stiller e disponibile su Disney+, si inserisce perfettamente in questo discorso. Remake della pellicola del 1947 Sogni Proibiti, il quinto film da regista dell’attore newyorkese è un racconto che mette al centro della narrazione l’importanza del viaggio e dell’avventura.

Walter Mitty (Ben Stiller) passa da 16 anni le sue giornate a gestire e sviluppare i negativi fotografici per la rivista Life, ma rischia di essere licenziato dopo aver perso il “fotogramma 25”, quello selezionato per l’ultima copertina della rivista prima del passaggio definitivo al digitale. Per trovarlo, si muove alla ricerca di Sean O’Connell (Sean Penn), ex fotografo di guerra e autore della fotografia scomparsa, ma c’è un problema: oltre a non conoscere il luogo in cui si trova il fotografo, Walter non si è mai spostato da New York. È andato solo una volta a Phoenix, per il resto il nulla, proprio come la sua bio nel sito di incontro e-Harmony alla voce “posti notevoli visitati”. Gli unici luoghi che ha esplorato sono quelli dei suoi sogni ad occhi aperti, dei rifugi immaginari in cui si immerge per scappare dalle ansie della vita reale.

Vi parliamo di questo film dato che il viaggio e l’avventura sono l’elemento principale di tutta la narrazione. Non come una fuga, ma come una necessità improvvisa che lo costringe a confrontarsi con se stesso, ad uscire da una condizione mentale prima ancora che geografica. Walter si ritrova così sballottolato tra Groenlandia, Islanda e Afghanistan, fino ad arrivare sulla cima dell’Himalaya. Ogni tappa di questo improbabile viaggio non rappresenta semplicemente uno spostamento spaziale, ma si trasforma in una piccola fetta (come quella della torta clementina preparata dalla madre) di un mondo da scoprire e che lo cambia mentre lo attraversa.

Attraverso uno sguardo profondamente documentaristico, frutto dell’ottimo lavoro fatto dal direttore della fotografia Stuart Dryburgh, i luoghi in cui si ritrova si fanno protagonisti e riflesso della condizione interiore di Walter. Dal caos lavorativo di New York all’immensità desolata della Groenlandia, dalle discese con lo skate in Islanda fino alla quiete sull’Himalaya, l’ambiente che circonda il nostro improbabile viaggiatore si sostituisce ai dialoghi per raccontare molto più di quanto farebbero le parole.

La fotografia è spettacolare (il film è girato per lo più in location reali) e fa immergere lo spettatore nei luoghi in cui si ritrova Walter, lasciando il tempo a chi guarda di contemplare le bellezze che lo circondano. Proprio qui, però, emerge l’inghippo principale del film: lasciando troppo spazio alle immagini, quindi insistendo sulla dimensione visiva che questi luoghi strepitosi permettono di catturare, il rischio è quello di perdere il focus sulla dimensione narrativa, finendo per relegare in una posizione secondaria la profondità umana che questi luoghi dovrebbero accompagnare.

A seguire Walter nel suo viaggio è una regia consapevole che riflette l’evoluzione del protagonista anche sul piano formale. I movimenti della macchina da presa cambiano insieme al protagonista: dalla messa in scena più rigida e “costruita” (quasi fotografiche, visto che parliamo di Life) di New York si passa poi a movimenti più fluidi e a inquadrature dal più ampio respiro, che si avvicinano decisamente al linguaggio documentario. È come se il film, tappa dopo tappa, abbandonasse man mano la messa in scena a favore di uno sguardo più diretto e reale sul mondo. Non c’è più bisogno di costruire (registicamente) o immaginare (tramite sogni ad occhi aperti) la realtà: il mondo e la natura sono già strabilianti di per sé e non hanno bisogno di essere ritoccati, ma semplicemente osservati e vissuti.

Per chi si occupa di documentario, il cambio di registro adottato dalla regia di Ben Stiller può essere un insegnamento di come le inquadrature e i movimenti di macchina con cui riprendiamo lo spazio e i soggetti svolgono un ruolo centrale nel codificare il significato che intendiamo trasmettere attraverso le immagini. Al tempo stesso, il film insegna anche il rischio opposto: quando i luoghi sono troppo stupefacenti, il rischio è quello di cadere nella rappresentazione sterile, finendo per smettere di raccontare e limitandosi a mostrare.

In questo senso, risulta significativa una delle frasi che più sintetizzano il senso del film (di cui non vi diremo altro per non spoilerarvi nulla!): “Voglio restarci dentro, senza la distrazione dell’obiettivo”. Il viaggio insegna a Walter (e a chi guarda) che l’esplorazione significa immergersi nella natura, conoscerla (per conoscerci): non si tratta solo di andare in un luogo per necessità, ma di guardare, osservare ed entrare davvero in relazione con esso. Da osservatore passivo della vita, Walter decide di prenderla in mano e di diventarne un protagonista attivo, come suggerisce il motto di Life:

“Vedere il mondo, affrontare pericoli, guardare oltre i muri, avvicinarsi, trovare gli altri e sentire. Questo è lo scopo della vita”

GUARDA I SOGNI SEGRETI DI WALTER MITTY SU DISNEY+

Regia di Ben Stiller
Scritto da Steve Conrad
Fotografia di Stuart Dryburgh
Montaggio di Greg Hayden
Musiche di Theodore Shapiro

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Altro appuntamento con la newsletter settimanale in cui si guarda per imparare!

Oggi parliamo di Senna (2010), documentario diretto da Asif Kapadia e disponibile in streaming su MUBI. Incentrato sulla visione della vita e dello sport del pilota brasiliano, uno dei più iconici della storia della Formula 1, il film racconta la sua ascesa dai primi giri sui kart fino all’incidente che gli tolse la vita durante il Gran Premio di San Marino del 1994. Ne emerge un ritratto intimo e commovente non solo di un campione senza precedenti, ma di una figura pubblica che incarnava la voglia di riscatto di un Paese.

Focus centrale del documentario è la parabola sportiva del pilota e il modo in cui la sua visione delle corse cambia con il passaggio alla Formula Uno, momento in cui Senna si ritrova a confrontarsi con le dinamiche di potere e interesse interne al campionato. All’interno di queste dinamiche, emerge uno dei pilastri di tutta la narrazione del documentario: la rivalità con Alain Prost, pilota che la regia non nasconde di ritrarre come esempio “negativo” di approccio alle corse rispetto al pilota brasiliano.

La rivalità con il pilota francese, soprattutto negli anni in cui sono stati compagni di scuderia, diventa così un vero e proprio motore drammaturgico che non solo organizza la narrazione sportiva, ma permette di far emergere dinamiche legate alla componente politica della F1 e alle visioni differenti del ruolo del pilota all’interno dello sport. Attraverso questo confronto, la regia trasforma il conflitto sportivo in uno strumento per raccontare la sua visione dello sport e della vita di Senna.

La costruzione del conflitto contribuisce a definire il ritmo del film, che Kapadia organizza attraverso l’utilizzo esclusivo di materiale d’archivio secondo una struttura narrativa simile a quella di un thriller. Infatti il montaggio progressivo delle gare e degli episodi di tensione tra i due, dentro e fuori dalla pista, accompagna lo spettatore verso un finale già noto, ma costruito con una suspense tale da trasformare la parabola sportiva di Senna in un vero e proprio racconto cinematografico.

Parallelamente alla dimensione agonistica, il documentario insiste sulla componente spirituale del pilota, sottolineando il suo legame con la fede e con il Brasile, di cui diventa subito un eroe nazionale. Dopo anni di crisi dovuta alla dittatura militare, la scelta di Senna di rivendicare continuamente la propria identità brasiliana lo trasforma non solo nell’idolo sportivo del Paese, ma in un simbolo di rivalsa dopo anni difficilissimi.

In questo caso viene operata una vera e propria mitizzazione del pilota, discostandosi dalla classica dimensione biografica e sportiva per costruire una narrazione quasi epica della sua figura. Servendosi, come detto, del solo materiale d’archivio come immagini e interviste televisive, il documentario dimostra come precise scelte di montaggio e di regia possano determinare la costruzione del personaggio e la percezione che lo spettatore ha nei suoi confronti, favorendo un coinvolgimento emotivo diretto che permette di vivere in maniera più partecipata la sua storia.

La regia immersiva trova il suo climax nei secondi finali che anticipano i titoli di coda: con lo schermo nero e una malinconica colonna sonora, questo breve istante di tranquillità sembra chiamare in causa direttamente lo spettatore nel riempire questo vuoto visivo con i ricordi che ha di Senna, o con quello che gli è stato raccontato di lui. Questo espediente è un’ottima modalità con cui creare una narrazione più intima ed emotivamente partecipata da parte di chi guarda.

Per chi studia il linguaggio documentario, Senna rappresenta un esempio decisamente riuscito di come il materiale d’archivio possa essere riorganizzato e trattato per restituire un racconto cinematografico e immersivo, trasformando le immagini nel vero motore trainante del racconto.

Il lavoro di Asif Kapadia dimostra che un racconto sportivo non nasce solo dall’ordine cronologico degli eventi, ma dalle immagini selezionate, dal ritmo che si vuole imprimere e dal montaggio, tutti elementi che permettono di trasformare una biografia in una narrazione emotiva, in grado di rendere “affascinanti e commoventi il fascino e il talento di Ayrton Senna anche per chi non è appassionato di Formula 1”.

GUARDA SENNA SU MUBI

Regia di Asif Kapadia
Scritto da Manish Pandey
Fotografia di Jake Polonsky
Montaggio di Gregers Sall, Chris King
Musiche di Antonio Pinto

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Dal 20 marzo è accessibile in streaming su Netflix L’ascesa dei Red Hot Chili Peppers (The Rise of the Red Hot Chili Peppers: Our Brother, Hillel), documentario realizzato da Ben Feldman che non vuole presentarsi solamente come il racconto degli anni formativi della band, ma soprattutto come un atto d’amore nei confronti del proprio membro fondatore: il chitarrista Hillel Slovak, morto nel 1988 a causa di un’overdose di eroina.

Piuttosto che raccontare i leggendari successi dei “trasgressori del rock americano”, Feldman decide di concentrarsi sugli anni “embrionali” del complesso (i meno indagati) e sul ruolo centrale avuto da Slovak nella loro nascita: fu proprio lui, infatti, a spingere Anthony Kiedis a prendere in mano il microfono e Flea ad imbracciare il basso al fianco di Jack Irons alla batteria. In questo modo, la scelta di concentrarsi su un delimitato arco temporale permette di costruire una narrazione e concentrata, evitando di disperdersi in elementi non rilevanti.

Il documentario risulta interessante proprio per questa scelta narrativa “controcorrente”: invece di costruire un racconto celebrativo della band, l’obiettivo è quello di dare centralità alla figura di Slovak (spesso lasciata in secondo piano rispetto al suo “successore” John Frusciante) senza patetismo, ma ricordando soprattutto il suo ruolo nella costruzione dell’identità musicale dei Red Hot Chili Peppers. Questo rappresenta un caso utile per osservare come si possa raccontare una storia conosciuta ai più ma adottando un diverso punto di accesso ad essa.

Dal punto di vista formale, Feldman si serve di interviste ai membri della band, immagini di repertorio e animazione 2D, restituendo visivamente l’energia anticonformista funk-rock e il clima fragile degli esordi. Anche i disegni e gli scritti personali realizzati da Slovak diventano parte attiva della narrazione, alcuni dei quali vengono letti da una voce che riproduce quella del chitarrista - una scelta efficace sul piano immersivo, ma che può sollevare qualche interrogativo sul piano etico.

A funzionare è soprattutto il modo in cui viene strutturata la narrazione, scandita da una colonna sonora di primo livello, e la scelta di adottare la tecnica mista per trasporre visivamente l’immaginario psichedelico dei primi RHCP. Dall’altra faccia della medaglia, probabilmente il regista arriva alla morte di Slovak troppo tardi, lasciando poco respiro al modo in cui la band e (soprattutto) Frusciante abbiano raccolto la sua identità negli anni successivi.

L’ascesa dei Red Hot Chili Peppers dimostra come sia possibile costruire un racconto musicale adottando un approccio laterale che intende addentrarsi nelle personalità e nei sentimenti dei suoi protagonisti, piuttosto che seguire solamente la parabola del loro successo. Un ulteriore elemento messo in luce dal documentario è poi l’accesso diretto ai protagonisti, i quali non si limitano semplicemente a ricordare Hillel Slovak, ma diventano il principale dispositivo emotivo della visione permettendo allo spettatore di avvicinarsi alla figura del chitarrista attraverso il loro sguardo e le loro emozioni.

L’esito di queste scelte è un documentario che fa emergere la persona di Slovak ancor prima della leggenda, risultando così accessibile e apprezzabile non solo ai fan della band, ma anche a coloro che vi si approcciano per la prima volta (in linea con l’approccio adottato da Netflix nel raccontare storie di figure riconoscibili, ma attraverso prospettive meno convenzionali).

“Serve suonare come me per fare il chitarrista dei Red Hot Chili Peppers”: Hillel Slovak, però, non suonò solamente uno strumento, ma contribuì alla nascita di un vero e proprio mito della musica. E forse sta proprio qui la nota più positiva del documentario: essere in grado di restituire a Slovak il posto che gli spetta nella storia dei Red Hot Chili Peppers (e del rock mondiale).

GUARDA L’ASCESA DEI RED HOT CHILI PEPPERS SU NETFLIX

Regia di Ben Feldman
Scritto da Ben Feldman
Fotografia di Jeff Powers
Montaggio di John Tarquinio
Musiche di Zach Djanikian, Adam Minkoff

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Se stai lavorando a un’idea di documentario, questa è una di quelle occasioni che vale la pena considerare seriamente.

Canon ha aperto la nuova edizione della Canon Video Grant, una borsa dedicata a videomaker e documentaristi che vogliono raccontare una storia reale con uno sguardo giornalistico.

👉 In palio:

• premio di 8.000 €

• un kit video Canon in prestito (camera + ottiche)

Il progetto vincitore verrà selezionato da una giuria internazionale e inizierà un percorso concreto: un teaser sarà presentato a settembre al festival Visa pour l’Image, mentre il documentario completo verrà proiettato nel 2027.

📅 Deadline: 27 maggio 2026

Se hai già realizzato almeno un reportage e stai cercando un’occasione per fare un salto di qualità, questa è perfettamente in linea con quello che facciamo ogni giorno.

Regolamento completo

👉 Qui trovi tutte le info: LINK

Stiamo cercando nuove storie di viaggio da raccontare per la nostra serie Filmmaker dal Mondo, siamo arrivati alla quarta stagione 😎 

Travel Filmmakers - Trailer

Travel Filmmaker è una docuserie televisiva dove i protagonisti sono giovani viaggiatori, esploratori, atleti e filmmaker professionisti che condividono il loro viaggio e portano lo spettatore a scoprire i luoghi più affascinanti del pianeta.

vimeo.com/951608826/f0c8eeb4ad

Hai fatto (o stai per fare) un viaggio speciale nei prossimi mesi?
Hai girato delle immagini potenti e visivamente curate?
Ti sei filmato/a mentre raccontavi e vivevi il tuo viaggio? ATTENZIONE: non cerchiamo video in modalità selfie / vlog, ma delle riprese che ti mostrino all’opera.

👉 Cosa cerchiamo:

• Viaggi autentici, intensi, che meritano di essere raccontati.

• Riprese di alta qualità.

• Una narrazione in soggettiva: vogliamo vedere anche il filmmaker in azione, non solo le immagini del viaggio. Purtroppo, solo video con belle immagini senza mai inquadrare il protagonista del filmato, che è il/la filmmaker, non sono sufficienti per costruire un episodio completo.

• Prediligiamo viaggi particolarmente interessanti e ricchi di varietà per poter creare almeno due episodi per ognuno. Considerate che i ritmi televisivi di questa serie sono molto serrati, bisogna creare filmati in cui la situazione cambia ogni 2, 3 minuti circa.

REFERENCE

I seguenti filmati sono degli episodi che abbiamo creato usando il materiale girato dai filmmaker.

Cina con Marta Lombardelli

vimeo.com/1058175933/5e69c8f70b?share=copy

Sull’acqua dello Zambia parte 1 con Ludovico Serra

vimeo.com/506159477/102d591bb2?share=copy

Tutti i materiali ricevuti verranno valutati con cura. I progetti selezionati verranno contattati per definire un accordo economico di sfruttamento del girato per la realizzazione dell’episodio completo.

📩 Hai qualcosa che può funzionare? Invia una email a Ludovico (ludovico@fargofilm.it) spiegando il viaggio che hai in programma o il link per vedere qualcosa se il viaggio è già stato realizzato.

Grazie e in bocca al lupo!

Ludovico e tutta la squadra della TFS 🎬

Per questo siamo felici di attivare una convenzione esclusiva con Mares, punto di riferimento internazionale per l’attrezzatura da immersione, apnea e snorkeling.

Fondata nel 1949 a Rapallo, Mares ha contribuito a scrivere la storia delle attività subacquee, accompagnando generazioni di esploratori e professionisti del mare. Oggi il brand continua a distinguersi per qualità, innovazione e affidabilità, valori che lo rendono una scelta naturale per chi, come noi, vive il mare in modo attivo e consapevole.

In tanti nella nostra community usano già attrezzatura Mares durante i viaggi e le immersioni: dalle pinne alle maschere, fino ai computer subacquei. Con questa convenzione vogliamo semplicemente rendere più accessibile a tutti ciò che già molti di noi conoscono e apprezzano, per continuare a vivere e raccontare il mare nel modo più autentico possibile.

Tutti gli iscritti alla nostra community potranno usufruire di uno sconto del 20% valido su tutti gli acquisti effettuati direttamente sul sito ufficiale www.mares.com 

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Siamo felici di annunciare una nuova collaborazione con Easydive, azienda leader nella produzione di attrezzatura subacquea professionale per videomaker e fotografi.

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Easydive è un’azienda italiana leader nella produzione di attrezzatura subacquea professionale per fotografia e videomaking. Riconosciuta a livello internazionale, progetta e realizza custodie universali in alluminio per fotocamere, videocamere, smartphone e action cam, garantendo massima affidabilità e resistenza anche in condizioni estreme.

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Easydive | the universal housing

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Ciao Viaggiatori!

ho un’interessante opportunità da condividere con tutti i filmmaker iscritti alla Travel Film School!
Sono stato invitato come ospite al programma Terra Mater, in onda su TV2000, per raccontare il progetto della Travel Film School e condividere i valori su cui è fondato. E con me… posso portare anche qualcuno di voi!

Terra Mater è un nuovo programma condotto da Carolina Di Domenico, dedicato all’ecologia, alla sostenibilità e al rapporto tra uomo e natura. Racconta il nostro pianeta attraverso storie di viaggio, natura e umanità.

Porterò con me alcuni filmmaker di viaggio per presentare i loro documentari in TV, partecipando a un’intervista insieme a me e alla conduttrice. Sarà l’occasione per raccontare non solo il valore dello storytelling di viaggio, ma anche come la Travel Film School sia uno strumento utile per chiunque desideri viaggiare in modo consapevole, con uno sguardo attento e rispettoso verso popoli, culture e territori.

Secondo me è una bellissima occasione per chi vuole farsi conoscere partecipando come ospite a uno dei programmi di viaggio più seguiti d’Italia.

Se avete realizzato documentari o vlog di viaggio e vi interessa raccontare la vostra avventura in TV, vi invito a candidarvi seguendo le indicazioni qui sotto:

COME FUNZIONA

📩 Inviate a info@travelfilmschool.com il link a un vostro documentario o vlog di viaggio originale, composto da belle immagini, ma soprattutto con un forte storytelling.
Oggetto della mail: CANDIDATURA PER TERRA MATER

🎬 Durata consigliata: circa 12 minuti.

🎧 I filmmaker selezionati dovranno essere in grado di fornire il video con tracce video e audio separate, per permettere eventuali modifiche alla colonna sonora e al montaggio.
Se non vi è possibile fornire le tracce separate, segnalatelo nella candidatura: valuteremo insieme alla redazione di TV2000 se e come intervenire.

✂️ Potrebbero essere richieste piccole modifiche per adattare il filmato al formato televisivo.

🚫 I video non devono contenere parolacce, immagini volgari o scene di violenza.

📍 I selezionati verranno con me in studio a Roma, in una data da definire tra maggio e giugno (verosimilmente di venerdì), per registrare le puntate che andranno in onda da settembre.

ℹ️ Se i documentari sono già stati pubblicati, indicate nella mail dove e quando sono stati diffusi.

💸 Le spese di viaggio sono coperte, ma non è prevista una retribuzione.

⏰ TERMINE ULTIMO PER INVIARE LE PROPOSTE: LUNEDÌ 14 APRILE ORE 20.

Sono molto curioso di ricevere le vostre proposte 😉

In bocca al lupo e avanti tutta!

Ludovico